Frammenti

Il merlo caduto

2011-04-22T20:20:00.005+02:00

Nei fumi dei gas di scarico
e nei sentori grevi degli incendi di plastica e altri detriti
mi colpisce il penetrante profumo del glicine fiorito e dei pittosfori
che evocano il buio vibrante e la dolcezza sontuosa
di notti orientali

Un merlo è caduto stecchito sul cemento

Giace sul dorso con le zampine rattrappite,
gli occhiettti devastati che non vedranno più un'alba
e il becco giallo-arancione appena schiuso

Torre, mare e gabbiani

2011-04-22T10:11:00.003+02:00

La torre sul promontorio pietroso e scosceso
da secoli se ne sta immobile a guardare
altre torri in corrispondenza visuale
Ai piedi della scogliera diruta,
s'apre una spiaggetta di sassi levigati
verso cui discende un sentiero tortuoso
immerso tra euforbie selvatiche e disi taglienti
Il mare è intensamente azzurro,
la superficie levigata dalla calma di vento,
e il greto sassoso è gremito di gabbiani
che spiccano il volo non appena avvertono una presenza estranea
Poco prima di abbandonare il sentiero,
lo sguardo del viandante è offeso da un copioso deposito di monnezza
e da innominabili lordure stratificate,
lasciate negli anni dai gitanti domenicali
Tanto, anche se qui torneranno più volte ancora a sollazzarsi,
i rozzi gitanti sanno che questo luogo
non è casa loro e può essere sporcato e degradato a volontà

Ma la vegetazione selvaggia crescendo irruenta copre tutto,
stendendo sul marciume un manto verde
che delle sostanze degradibili si nutre

Vis sanatrix naturae!

Un lieve odore di decomposizione
aleggia nell'aria sul greto di sassi

Un pesce morto, forse, o un mollusco spiaggiato
oppure la carogna di un volatile
ma è un odore lieve e fa parte della natura

Gabbiani, a frotte al largo,
gli stessi che prima indugiavano pigri sui sassi a scaldarsi al sole
ora se ne stanno a flottare nell'acqua tranquilla,
in gruppi compatti, come paperelle o gallinelle d'acqua,
ma poi si levano in volo disturbati da una barca di pescatori in arrivo
con un motore sputacchioso e ansimante
a gettare le sue reti

Saranno un centinaio e forse di più

Altri se ne stanno arroccati sullle balze dell'alta scogliera.
Ci s'immmagina che stiano immobili come sentinelle
a vegliare gelosamente sui propri terreni di cova

Ci osservano, pronti a cogliere segnali di pericolo
E altri si stagliano vigili, ancora più in alto,
sui merli e sulla sommità dell'antica torre di guardia

Lanciano grida e strepiti,
un'infinita varietà di gorgheggi

Si alzano imponenti,
scivolano d'ala oppure planano a volo radente sulla liquida superficie
e poi con grazia si posano
chiudendo sul corpo globulare le grandi ali
con un unico movmento fluido

Parlano tra loro, anche,
in tempi che sono a noi estranei

Il luogo è loro,
noi - sempre - saremo soltanto ospiti
e osservandoli potremo soltanto dire grazie
per la bellezza che ci è offerta allo sguardo

Noi moriremo e loro rimarrano,
a fare da guardia e ad accompagnare il nostro transito
con le loro strida

Un giorno la Natura violata si vendicherà dei soprusi,
della violenza e delle brutture che le sono state inflitte

Ritorcerà su di noi la nostra hubris

Già lo sta facendo:
bisogna saper cogliere i segni

Quando ciò accadrà, proprio i gabbiani
da fieri custodi si trasformeranno nei nostri giustizieri
e ci trafiggeranno cuore e occhi
con becchi affilati

Un viaggio tra le scritture ultime

2011-04-22T07:03:00.004+02:00

Un eremo sul colle,
cipressi e pini alle spalle,
croci, crocifissi, lapidi, angeli benedicenti
figure dolenti, pietrificate nel loro dolore
fiori freschi, vivi, appena recisi
fiori appassiti, fiori artificiali,
scale impervie e sentieri muschiosi,
piccole piante erbose cresciute tra gli interstizi della pietra
perchè la vita è sempre prepotente, anche nei luoghi di morte e transito

In questo luogo senza tempo
vorrei stare disteso,
con gli occhi chiusi,
su di una lastra di marmo
battuta dal sole del primo meriggio
con il mare lontano all'orizzonte
e i monti attorno
sormontati da antiche fortezze
a riscaldarmi come una lucertola,
ad ascoltare lo stormire del vento tra le foglie

Starei bene lì,
su quella pietra,
fantasticando di poter divenire io stesso marmo,
indugierei pigro,
pur sapendo che, dopo il sole,
il freddo della notte catturerà il mio corpo
sin dentro alle ossa

Ossa e cenere
questo siamo e diventeranno i nostri corpi
che sono solo simulacri,
involucri vuoti,
gusci spezzati

Attorno a me,
sento il mormorio di mille voci,
intrecciato con la voce del vento

Ognuna racconta una storia,
preghiere,
invocazioni,
per essere ricordato
e ognuna dice qualcosa
per mezzo delle scritture ultime
lì collocate, alcune tracciate su pagine di marmo

Voci di adulti che hanno vissuto pienamente,
e andati via al termine di vite operose,
di bambini e giovani troppo presto strappati alla vita
di giovani partiti in guerra
le cui spoglie non hanno mai fatto ritorno,
mentre qualcuno attendeva inconsolabile,
tre fratelli uccisi nello stesso istante
dall'esplosione di un ordigno

Foto antiche mi guardano
dai loro ovali
immagini in bianconero
o virate in seppia,
un po' sfocate
dall'aspetto antico,
anche quelle di defunti
d'oggi

Dai tondi o dagli ovali,
aperti come tante finestrelle sulle lapidi,
i defunti sembrano occhieggiare
da un altro tempo
e da un altro luogo
con sguardi
allegri o tristi,
qualche volta pensosi

Ieri ero in un cimitero,
Oggi sono in un altro,
domani non so.
Quale sarà il mio?
Qaundo arriverà il mio momento?

Eppure,
mi piace questo silenzio,
mon m'inquieta stare in questo spazio
risonante di scritture ultime

E' un silenzio che dà pace
e vorrei stare in questo luogo di quiete
a riposare
e a sognare la fine di tutte le cose
quando non ci sarà più nulla da desiderare

Il Signore è il mio pastore: non manco di nulla; su pascoli erbosi mi fa riposare, ad acque tranquille mi conduce. Mi rinfranca, mi guida per il giusto cammino, per amore del suo nome.
Se dovessi camminare in una valle oscura, non temerei alcun male, perché tu sei con me. Il tuo bastone e il tuo vincastro mi danno sicurezza.
Davanti a me tu prepari una mensa sotto gli occhi dei miei nemici; cospargi di olio il mio capo. Il mio calice trabocca.
Felicità e grazia mi saranno compagne tutti i giorni della mia vita, e abiterò nella casa del Signore per lunghissimi anni (Salmo 23)

Ogni tanto, la primavera ritorna...

2011-04-19T10:04:00.006+02:00

I giorni passano,
veloci a volte,
lenti altre

Un tempo si strappava
un foglietto dal calendario
in cui ogni giorno del mese
era scritto in grandi numeri rossi:
un singolo foglietto per ogni giorno.
Tutto l'anno era rappresentato
da un blocco di 365 foglietti
e, guardandone lo spessore che si riduceva,
avevi il senso del tempo trascorso

Da bambino, strapparli
era un privilegio
che mi era riservato
e, in una scatola,
conservavo gelosamente
i giorni trascorsi,
come fossero preziose reliquie

Erano un po' appiccicati l'uno all'altro

Ricordo vividamente che mi costava un po' di fatica
levare il foglietto vecchio
e far venire alla luce quello nuovo:
cercavo di farlo con cura,
perchè non volevo che quei foglietti si strappassero.
Sarebbe stato come distruggere i giorni passati,
profanare quelli futuri:
certo, una cosa non di buon auspicio

In questo, nell'archiviare
il giorno appena trascorso,
procedevo con prudenza
con delicatezza,
benchè volessi bruciare le tappe

Mi chiedevo come sarei stato
nell'allora mitico anno 2000
che mi pareva lontanissimo,
quasi irraggiungibile,
Cosa avrei fatto?
- mi domandavo -
senza poter trovare risposte
e facevo il computo dell'età
che avrei avuto,
impaziente di andare avanti

Quei foglietti strappati,
mi davano il senso del tempo che scorreva,
come le foglie morte d'autunno,
il lento cangiare dei colori,
l'arrivo delle prime pioggie e del freddo
e, ogni tanto,
per noi gente del Sud,
anche l'effimero biancore d'una nevicata
e credevi nella ciclicità, nei ritorni e nei ricorsi

Oggi, invece, non te ne accorgi più

Vai avanti
un giorno appresso
all'altro.

Si consumano, i giorni,
come chicchi di riso
allineati,
che scivolano attraverso il collo
d'una clessidra gigante
ma quelli passati
sono perduti per sempre
non ritorneranno a passare
una seconda volta

Poi, all'improvviso,
vedi che sono arrivati
i primi rondoni ad intrecciare i loro voli,
il glicine è fiorito
e riempie l'aria di inebriante profumo
e altri profumi sontuosi
ti entrano nelle narici
e gli uccelli si accoppiano

E' la primavera che continua ad arrivare,
malgrado tutto
e, ogni tanto, te ne accorgi
e sorridi rinvigorito
davanti alla vita che ritorna
e riempe l'aria che respiri

Palermo, il 19 aprile 2011

"La figura di cera": horror, intriso di decadentismo postmoderno, che nasce come sequel de "Il Morso sul collo"

2011-03-21T10:20:00.013+01:00

E' uscito a febbraio il romanzo La figura di cera (2011) dello scrittore romano Riccardo D’Anna, per i tipi di Gargoyle. L’autore dichiara che l’idea del suo romanzo è scaturita dalla lettura di quello di Simon Raven, dal titolo Doctors wear scarlet (in Italiano: Il morso sul collo), pubblicato nel 1960 e proposto in traduzione dalla Longanesi nel 1968, ripreso infine da Gargoyle nel 2009 - in una nuova traduzione, revisonata dallo stesso D'Anna.
"Devo all'amicizia con Paolo De Crescenzo se mi sono avventurato, rispetto all'itinerario personale della scrittura, in un territorio non mio. Da anni, ben prima che desse alla casa editrice Gargoyle, mi incitava a misurarmi con un romanzo di genere, regalandomi consigli di lettura e fornendomi alcuni spunti.. Mi sono sempre schermito, pur tenendo l'horror in una certa considerazione,come una delle chiavi che non gira a vuoto nello scrigno del contemporaneo, per attraversarlo e comprenderlo. Insomma: pur essendo avvezzo agli intingoli del diavolo nella cucina di magro, non avevo però mai pensato di mettermi direttamente alla prova. Fino a quando, del tutto inaspettamente, la scintilla è scoccata: proprio un lavoro di revisione linguistica operato su un testo di Gargoyle (...) commissionatomi da Paolo, è stato (...) l'intonazione musicale... dalla quale prendere ispirazione e cominciare a comporre" (p. 183, in "Titoli di coda").
I protagonisti del romanzo di D'Anna si trovano alla prese con una serie di misteriosi suicidi e con la scomparsa dalla tomba del corpo di una marchesa famosa per la sua bellezza e per essere stata amante di Gabriele d’Annunzio. Risulta scomparsa anche una statua di cera con le fattezze della nobildonna, forse creata con pratiche negromantiche e da cui la stessa avrebbe attinto nuova vita.
L’azione, seguendo le tracce della calco di cera scomparso, si sposta a Venezia e successivamente a Berlino, una città che mostra ancora le ferite della guerra, ma dove si possono rinvenire i residui di società segrete legate alle pratiche magiche del nazismo. Quella intrapresa del manipolo di amici implicati nell'avventura, sarà una corsa contro il tempo per sventare il peggio e non priva di pericoli, rischi personali e qualche vittima.
D'Anna, saggista e critico, che si è già cimentato nella scrittura fiction colta ed intimista (Una stagione di fede assoluta, Pequod, 2006) o al romanzo che offre una ricostruzione storica alternativa a eventi realmente accaduti (Saint Ex, Avagliano, 2008) compie con quest'opera il salto alla narrativa di genere, ma a modo suo.
Nel riallacciarsi con il romanzo di Simon Raven, ripartendo esattamente dal punto in cui si era conclusa la storia narrata in "Il morso sul collo" e presentando gli stessi personaggi, ad eccezione di quelli deceduti nella vicenda precedente, offre ai lettori appassionati del genere (ma non solo, perchè ha tutti i numeri per interessare il cultore di letteratura, o di storia dell'arte o del costume) un romanzo che è assieme horror (decadente e, a tratti, estetizzante) e saggio storico e di costume.
Le vicende - come già detto - si dipanano tra Londra, Venezia e Berlino alla fine degli anni Cinquanta, ancora in pieno dopoguerra e pre-Muro di Berlino, consentendo di gettare uno sguardo sul decadentismo dannunziano e sugli epigoni di società segrete ed esoteriche che erano state in pieno vigore tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del nuovo secolo (Aleister Crowley, la Golden Dawn, sino alle più oscure propaggini nel "nazismo magico"). Memorabili le pagine che si svolgono in una Venezia brumosa sino all'incursione nell'atelier di un oscuro artista, abilissimo falsario, specializzato nella riproduzione di opere pittoriche e scultoree di celebri artisti, ma anche le peregrinazioni nella Berlino del dopoguerra non ancora divisa dal Muro, o perfino la visita al londinese Museo delle Cere di Madame Tussaud.
I personaggi fiction s'incontrano, nel corso della loro indagine, attraverso il racconto fatto da altri o per confronti vis à vis, con personaggi realmente vissuti: in primis, Gabriele D'Annunzio e la marchesa Luisa Casati, musa ispiratrice dello stesso D'Annunzio, ma interagiscono anche con Peggy Guggenheim nella sua splendida dimora veneziana, sulle tracce della "figura di cera".
Nel romanzo si trovano il fascino e le nebbie della narrativa gotica, ma anche lo stile dello scrittore che conosce a menadito il periodo storico in cui colloca la sua narrazione e le radici culturali che lo hanno determinato. Vi è anche - come argomenta acutamente Stefano Priarone, che firma l'introduzione dal titolo "Un burlesque letterario postmoderno" - una rappresentazione della forza del cameratismo tra uomini (il "Compagnonnage"): un po' come nella compagnia che si raccoglie attorno ad Abraham van Helsing per sconfiggere Dracula, in cui le donne sono o vittime o testimone narranti (attraverso il meccanismo del romanzo diaristico ed epistolare), qui i personaggi femminili non sono coinvolti nell'indagine avventurosa dal lato dei "buoni", ma utilizzati solo come rivelatori di testimonianze funzionali alla detection o, eventualmente, come incarnazione del potere e del rischio della seduzione, come anche nel rapporto duale che ripropone il meccanismo della coppia investigativa, incarnata da Sherlock Holmes e dal suo narratore/testimone Watson, vero alter ego dello scrittore. Qui i rapporti duali sono molteplici e dinamici, mentre la voce narrante è unica e ciò serve a conferire omogeneità all'esposizione dei fatti e ai continui cambiamenti di scenario.
Come sempre in tutte le edizioni Gargoyle, è ricchissimo l'apparato di note al testo che sono un complemento essenziale alla lettura, dal momento che consentono un approfondimento storico e bibliografico alla narrazione, non semplici note redazionali ma vere e proprie note di approfondimento vergate dallo stesso autore che è un profondo conoscitore del periodo dannunziano e del Decadentismo che vi è correlato.
Ma sono di grande interesse anche l'introduzione di Priarone già menzionata (soprattutto per l'originale interpretazione del romanzo di D'Anna in chiave di "burlesque" postmoderno) e la postfazione dello scrittore, in cui egli - oltre a raccontare in sintesi, ma incisivamente, la genesi del romanzo, spiega al fedele lettore (quello che lo ha seguito sino alla conclusione dell'opera) le radici di una serie di suggestioni letterarie e di spunti colti, visibili nella filigrana del suo testo.
Si sente la mancanza, a mio avviso, di un elenco dei personaggi e dei rispettivi ruoli come si usava fare un tempo nei volumi della narrativa di genere: il romanzo è breve e fulminante e non c'è il tempo per approfondire bene la conoscenza dei singoli personaggi. Ma in più si potrebbe anche arguire che le difficoltà che qualche lettore potrebbe avere nel focalizzare i singoli personaggi, possa derivare forse dal fatto che essi, a parte qualcuno nuovo ed inedito - in funzione dell'originalità del plot, sono trasposti con tutte le loro caratteristiche dal romanzo di Raven e che, quindi, spostati da un contesto narrativo all'altro hanno un po' meno spessore come personaggi e sembrano essere piuttosto dei "caratteri". Quindi, un tale dispositivo sarebbe stato sicuramente il benvenuto, soprattutto per i lettori che arrivano alla lettura de "La figura di cera", senza aver prima letto il romanzo di Simon Raven.

L’autore: nota bio-bibliografica È nato a Roma nel 1962. Vive e lavora nella sua città natale. Ha curato l'antologia sull'idea di nazione Frammenti d'Italia (Roma 1993). Ha pubblicato Roma preraffaellita. Note su Gabriele D'Annunzio, Diego Angeli, Giulio Aristide Sartorio, per l'Accademia nazionale dei Lincei (Roma 1995), e un saggio sui mutamenti riguardanti scrittura e lettura in epoca contemporanea (e-Book. Il libro a una dimensione, Roma 2001).
Nel 2006 ha pubblicato Una stagione di fede assoluta (Pequod, 2006).Nel 2008 esce il suo secondo romanzo: Saint-Ex (Avagliano, 2008), ipotesi fantasiosa sugli ultimi giorni di vita di Antoine de Saint-Exupéry. Suoi contributi critici sono apparsi su “Nuovi Argomenti” e “L’Urbe”. Ha collaborato come autore di soggetti cinematografici e di fiction per la Rai Tv e come critico per Radio Rai 3.
Dal 1992 lavora all’Enciclopedia italiana Treccani come “redattore-autore”, occupandosi nello specifico della compilazione di un’opera monumentale e sui generis come il Dizionario biografico degli Italiani che, diversamente dai dizionari di altri Paesi, è costituito esclusivamente da voci saggistiche, scientificamente vagliate e scritte.

Dal risguardo di copertina
Londra 1958. Una serie di misteriosi suicidi preludono alla riapertura di un caso risolto forse solo in apparenza, denso di preoccupanti e inaspettati sviluppi. La scomparsa dalla tomba di una marchesa caduta in disgrazia, da poco defunta fra le mura di un appartamento londinese — donna dall’indiscutibile fascino, musa ispiratrice di D’Annunzio, appassionata di occultismo e interprete dei brillanti riti della belle époque — muove i protagonisti, in una corsa contro il tempo, alla ricerca del suo calco di cera da cui ella avrebbe potuto riattingere vita.
Dopo un incontro a Venezia con Peggy Guggenheim, i nostri eroi si vedranno costretti a recarsi a Berlino, in una città che mostra ancora le ferite della guerra e dove sopravvivono gli ultimi scampoli di quelle società segrete che furono legate ai presupposti oscuri e alle origini magiche del nazismo.
Non solo, quindi, un semplice romanzo di genere, ma un racconto che coniuga atmosfere noir e sfondi storici, personaggi reali e derive fantastiche. Concepito quale omaggio al Morso sul collo di Simon Raven (Gargoyle 2009), La figura di cera è in realtà una sorta di obolo sentimentale che l’autore versa nei confronti dell’horror classico, che riaffiora timidamente non tanto e non solo in chiave letteraria: dai film della Universal a quelli della Hammer, da Vincent Price e Lon Chaney junior a Basil Rathbone e Nigel Bruce, indimenticati interpreti della coppia Holmes-Watson.

Sanctum in 3D in barba agli effetti speciali e all'uso degli stunt va presto in debito di aria

2011-02-20T13:11:00.008+01:00

Lo spettatore non informato potrebbe andare a vedere Sanctum 3D (disponibile anche nelle sale per una normale visione in 2D) icon l'attesa di trovarsi davanti ad un film di James Cameron (Abyss, Avatar per citare due dei suoi titoli più noti) e soprattutto di riconoscervi le tematiche che a Cameron sono care (la contemplazione della natura, il rispetto per essa, la necessità di apprendere un modo di convivenza con altre specie viventi, alcune delle quali nemmeno siamo in grado di comprendere lontanamente).

In realtà il regista è Alester Grierson e Cameron è soltanto uno dei produttori, oltre ad aver dato un contributo alla sceneggiatura.
La delusione è grande, anche perchè il cast non offre particolari attrattive, in termini di attori di grido e, per necessità di riprese, sopravanzato da un esteso utilizzo degli stunt per le scene più pericolose.
Il film è tutto giocato sull'esibizione della tecnologia applicata alla speleologia estrema, combinata con le tecniche di speleo-subacquea con l'ausilio delle tecniche di immersione più avanzate.
L'azione si svolge in Nuova Guinea e si concentra su di una spedizione speleologia che intende esplorare un'enorme e profondissima cava dolinica che, al suo fondo, si dirama in passaggi intricati, alcuni dei quali pieni d'acqua: la spedizione capeggiata dallo speleologo Frank e supportata dal ricco finanziamento di Carl, si pone l'obiettivo di individuare un passaggio che dalle viscere della terra immetta nel mare aperto, scoprendo nel transito alcune meraviglie nascoste tra cunicoli, cattedrali sotterranee, laghi e gorghi (tutto ciò si presenta come un "santuario", un luogo pieno di divinità immanente, essitito da sempre e che rimarrà indifferente, comunque, al passaggio dell'uomo).
E' una spedizione estrema e la vita degli esploratori è continuamente a rischio, come in tutte le avventure di immersioni ultra-profonde e in condizioni di difficoltà ambientale (il freddo, il buio tipico delle grotte marine o sommerse).
Infatti, in una delle sequenze iniziali del film, la sommozzatrice Judes, compagna di immersioni di Frank, muore a causa di un incidente, mostrando in tutta la sua crudezza una delle regole principe delle immersioni in coppia secondo la quale occorre lasciare andare il proprio compagno d'immersione per salvare almeno una vita, quando si constata che non può essere più salvato dopo aver fatto tutto il possibile per aiutarlo a dominare il panico e a tirarlo fuori da una situazione difficile.
Una regola spietata, ma funzionale.
La decisione estrema e radicale di Frank (quasi ad inizio film) di allontanare da sé la sua collega di immersioni presa dal panico in una situazione critica di respirazione a due sott’acqua, lascia lo spettatore, non avvertito e ignaro delle pratiche subacquee, perplesso e sconcertato, apparendo come una scelta crudelissima e disumana. Davvero non ci sarebbe stata altra soluzione?, ci si chiede.
La risposta è no, proprio riferendosi a casi come questo, in cui la ratio ultima si fonda sul principio secondo il quale, in simili situazioni estreme, se non si è capaci di prendere rapidamente una decisione radicale, assumendosene tutte le responsabilità, invece di una vittima sola, ce ne sarebbero due.
Delle possibili declinazioni di un simile principio, dopo la doccia fredda iniziale, lo spettatore se ne renderà conto pienamente in tutto il successivo percorso degli sventurati esploratori (percorso che, peraltro, grazie agli effetti speciali e all'intensa partecipazione degli stunt, sembra essere costruito come un videogioco): ma di nulla si può lamentare chi ha fatto del rischio una pratica consuetudinaria.
Poi, nel prosieguo del film, il diavolo ci mette lo zampino e una tempesta tropicale si abbatte sulla spedizione, un fiume straripa e la grotta al cui fondo si trovano viene rapidamente allagata, sicchè - essendo preclusa la via d'uscita "normale" e considerando che è utopico pensare all'arrivo di squadre di soccorso - gli esploratori rimasti intrappolati devono tentare di scoprire una via d'uscita alternativa.
Qui la storia perde rapidamente di mordente perchè le situazioni si fanno via via più improbabili, mentre si attivano contrasti e conflitti tra i sopravvissuti che,dagli incidenti e dal confronto con situazioni sempre più estreme sono progressivamente falciati.
Il film stupisce per l'esibizione di ritrovati tecnologici: per esempio, nella ricostruzione stereotassica degli interni della grotta e dei suoi condotti come strumento tecnologico utilizzato dagli esploratori per visualizzare il risultato dei loro rilievi e progressi, mentre la visione in 3D man mano che il film va avanti risulta irrituale, sempre meno significativa e di scarso respiro.
Anche la riflessione sulle motivazioni nel portare avanti simili esplorazioni risulta debole e scontata, assieme alla rappresentazione quasi grottesca di una pratica dell'accettazione della morte, quando il trapasso risulta un evento ormai inevitabile (un tipo di filosofia sconfinante quasi con il culto di una forma di "eutanasia" da sport estremi: quando non ci sono più vie di uscita, ci si lascia andare alla morte oppure la si cerca attivamente).
I conflitti tra i personaggi sfociano nello scontro fisico violento e nel coinvolgimento in azioni avventate e dagli esiti disastrosi, in una situazione delicata in cui la perdita di controllo, il panico e la titubanza possono portare ad esiti letali.
Insomma, il film rimane sostanzialmente debole nel suo svolgimento, benchè le sue premesse avrebbero potuto ricevere un sviluppo ben più interessante. Fallisce anche un suo eventuale aspetto didascalico sulle spedizioni di speleologia subacquea estrema, sul suo significato e sul suo bilancio di vittime e dispersi (speleosub e cultori delle immersioni profonde nel fondo di doline "abissali" - come la Bushman's Hole - i cui corpi non sono stati più recuperati).
Come già detto, la visione in 3D risulta scasamente renumerativa rispetto al costo ben più salato del biglietto e all'onere dei pesanti occhialoni da indossare.
Il consiglio più sincero è che, se proprio lo si vuole vedere, lo si veda nella tradizionale versione 2D, quantomeno più economica!

Nullarbor Cave

Per chiudere, queste considerazioni, uno dei titoli di testa del film recita: "Basato su di una storia vera". Se è così non si tratta di un romanzo che è stato scritto a partire da una storia diaristica o da un reportàge. Pare le cose stiano così: Sanctum 3D si ispira ad un evento realmento accaduto che ha toccato da vicino uno dei produttori.
Nel 1988, il rinomato speleologo di grotte sottomarine, Andrew Wight, è stato a capo di una spedizione nell'inesplorato fondo marino di un nascosto sistema di grotte sotto il Nullarbor Plain, in Australia. Durante il suo viaggio, una tempesta tropicale causò il collasso dell'ingresso di una grotta, intrappolando quindici persone ad un'abissale profondità. Venne organizzata immediatamente una squadra di soccorso con un esito felice, poichè 15 sopravvissero tutti.
Quest'esperienza ha lasciato un segno indelebile nella mente di Wight e gli ha dato l'idea per sviluppare, insieme al suo collega di sempre, James Cameron, un film ispirato a quella grande sfida.
Con lo sceneggiatore John Garvin, Wight ha creato la storia, sottolineando come un legame affettivo (e di reciproca stima) fra un padre monolitico nella sua passione e un figlio dissidente e non pienamente convinto delle scelte del padre (e piuttosto costretto a subirle), si riscopra grazie a una terribile avventura, analizzando la potenza e la fragilità dei legami che nascono quando ci si trova davanti ad una calamità naturale e alla morte.

Immersione nella Nullarbor Cave

Sulle immersioni profonde e la vertigine, si rimanda al seguente link in "Stati della mente": Il profondismo e la vertigine

SCHEDA FILM

Un film di Alister Grierson, con Richard Roxburgh, Rhys Wakefield, Alice Parkinson, Dan Wyllie, Ioan Gruffudd, Christopher Baker, Allison Cratchley, Sean Dennehy
Titolo originale: Sanctum.
Azione, durata 109 min.
USA, Australia 2010. - Eagle Pictures
Uscita venerdì 11 febbraio 2011.

TRAILER

Ascesa e declino di un nano libertino

2011-01-24T08:46:00.004+01:00

C'era una volta un nano ambizioso, nato con la passione del mattone

Il nano tanto si diede da fare che, a poco a poco, ramazzando soldi a destra e a sinistra, riuscì a conquistare il potere ed essere a capo del governo della sua nazione di eroi, naviganti e condottieri.

Il mattoncino, che gli aveva dato tanti soldi e con cui aveva edificato la sua fortuna, il nano non lo dimenticò mai e, quando dormiva, se lo teneva sotto il cuscino, perchè gli dava ispirazione e tanti sogni auriferi.

Il nano era avido e la sua brama di denaro e potere era immensa: pur di assencondare le sue brame ed essere il primo del suo reame, non si sarebbe fermato davanti a niente.

Il nano era un ottimo prosseneta.Quando fiutava l'affare era pronto a puntare dritto alla sua preda: così facendo, mescolava assieme le sue faccende private con quelle dell'intera nazione, trattando quest'ultima come un impresa redditizia, di cui era a capo e che doveva far fruttare al meglio.

La sua avidità lo tradì, ad un certo punto: i suoi compagni di imprese lo abbandonarono e decadde dal suo governo.

Nell'ombra riprese a tramare per ritornare nell'agone più forte di prima, ma intanto si sentiva come un leone in gabbia e così diede pieno corso alla sua smodata lussuria che, assieme alla passione per il potere e i soldi, era il suo pallino.

Alcuni dicevano che fosse un nano molto dotato... sotto quel profilo, altri invece mormoravano (ma erano dicerie di palazzo) che, a differenza di ciò che si dice dei nani, avesse soltanto un grazioso, ma inefficace, pistolino.

Festini promiscui, scopatine a destra e a manca, orge e partouze: il nanetto voleva essere sempre in tiro e non esitava a far ricorso a molteplici chemical little helper per aver la mazza sempre dura come il ferro o di pietra, a somiglianza di quel mattoncino su cui aveva edificato la sua fortuna.

Era incorreggibile, il nanetto: non c'era giorno che egli non dovesse "puciare" il biscotto da qualche parte.

E in questo non sentiva ragioni: era divenuto peggio di un sesso-dipendente sessuomane e fescenninico.

Intanto, non tralasciava le sue trame.

Fai oggi e fai domani, il nano riuscì a tornare di nuovo alla guida della sua impresa... pardon, della nazione.

L'intermezzo festaiolo aveva lasciato il segno: di quelle scopate senza cerniera, ora che la bella fatina (per tanti anni, sua devota e paziente moglie, nonché madre dei suoi figli) lo aveva lasciato indispetttita per tanta libidine mal orientata, non ne poteva più fare a meno.

La confusione aumentò a dismisura: escort e misses varie dal discutibile passato e dal cervello di gallina divennero sue preziose collaboratirci al governo, veline reclutate per le sue trasmissioni preferite (quelle che lui stesso gestiva), invitate a partecipare ai festini di palazzo, accettavano di buon grado sperando di far presto carriera e di ricevere preziose e munifiche elargizioni: insomma, il nano celebrava la sua dissolutezza al pari di grandi e libidinosi governanti del passato di cui il nano riteneva d'essere grande e-mulo, come Caligola o anche qualcuno degli alti prelati più chiacchierati di epoca rinascimentale, ma anche del Dux in persona di cui si dice che, ogni giorno, ricevesse nel suo palazzo una fervente ammiratrice che, con ardore latino, faceva sua nel giro di pochi minuti, praticando l'ideologia della sveltina piuttosto che quella lenta, tantrica e filosofale.

Il nanetto si comportava da vero libertino, da mandrillo libidinoso, da stallone fervente e ripetitivo, rivendicando il diritto di poter vivere la propria vita privata (sesso senza frontiere) senza ritegno alcuno.

Si vantava di essere sempre pronto, ma più il tempo passava più aumentava la necessità degli aiutini chimici ed anche della necessità delle scopate promiscue per trarne la conferma della sua virilità: sveltine a ripetizione con donnine compiacenti, pronte a celebrare la sua presunta vigoria (ma altrettanto rapide a criticarlo nel pettegolezzo spicciolo in camera caritatis con amiche e conoscenti). Dentro una e via l'altra, con una coda di fanciulle piacenti e disponibili sempre in attesa dietro la porta della sua alcova reale (e il mattoncino se ne stava sempre al sicuro sotto il guanciale).

La mente del nanetto era infiammata dalle mille fantasie di sesso orgiastico che, senza posa, gli frullavano per la testa.

Era divenuto ancor di più un sessuomane, un sesso dipendente (e lo stesso Michael Douglas impallidiva al suo cospetto): e nessuno avrebbe mai potuto eguagliare tali gesta amatorie ormai divenute proverbiali e da Guinness dei primati.

Tutto ciò era imbarazzante: gli stessi suoi collaboratori gli consigliarono di rivolgersi ad un gruppo di Sex Anonymous, per arginare la sua verve scopatoria. Ma lui niente: ripeteva piccato "Della mia vita privata faccio quello che voglio..."

Ma le dicerie volavano e facevano il giro del mondo.

Perfino pornoattori di grido nazionale e d'oltre Oceano si tiravano rispettosamente indietro al suo cospetto e gli riconoscevano con umiltà la palma della vittoria.

In verità, lui era un pusillanime: non avrebbe mai avuto il coraggio di presentarsi nudo e crudo in un consesso di amanti del sesso promiscuo, da nano libero.

Lui no! Voleva avere la certezza del suo potere: tutto doveva essere controllato e messo preventivamente in sicurezza.

Le guardie dovevano tenere d'occhio tutti quelli che entravano e uscivano dal Palazzo e dalla sua alcova. Ed anche nel corso dei festini i bodyguard erano tenuti ad essere presenti, anche se travestiti da eunuchi (in modo da escludere preventivamente ogni forma di competizione), possibilmente nani.

In ogni caso, le donnine (nanette o gigantesse che fossero) era sempre meglio comprarle che sedurle in un gioco che, al nano, avrebbe rubato troppo tempo prezioso e per il nano alacre - recitano i testi - il tempo è denaro.

Alla fine, fu proprio la libidine, a decretarne la fine e a farlo ruzzolare per sempre dal trono di mattoncini che s'era costruito.

Il popolino si stancò presto di dovere essere spettatore delle sue sexuales gesta e assoldò un potente mago per inviargli il più potente maleficio.

Costui richiese qualche elemento su cui poter costruire il suo più efficace maleficio voodoo e venne rapidamente accontentato: gli portarono un ciuffetto di canuti peli pubici, appartenenti al nano e scippati dall'ultima sua fiamma presa dagli spasmi del delirio d'amore (ovviamente recitato: ma i capi devono essere compiaciuti).

Il mago costrui una statuina di gesso, racchiudendovi nel punto cruciale su di un membro svettante e sproporzionato rispetto alle dimensioni dell'effigie, proprio quel ciuffo di peli e lanciò il suo anatema.

Fu così che il nanetto malefico e libidinoso venne per sempre trasformato nella minuscola statuina di un Priapo dal fallo gigantesco, il volto eternamente fissato in un sorriso ghignante.

La statuina venne collocata nel museo delle italiche glorie, ma venne presto dimenticata.

Dopo un po', per ordini superiori, gli inservienti del museo, la trasferirono negli scantinati del palazzo e al suo posto collocarono una statua di Rocco Siffredi, promosso al rango di unico ed inarrivabile priapo del XXI secolo.

A ricordo del nano che ride rimasero solo alcune ballate popolari.

E poi, niente più, per sempre.

Le vignette sono di Luigi Alfieri che ringrazio per avermi consetito di utilizzarle.

In un romanzo di Carlotto, il fascino della "Barberia" a cavallo tra il XVI e il XVII secolo

2011-01-20T17:06:00.008+01:00

In decine di migliaia si convertirono all'Islam nel periodo tra il XVI e il XVII secolo, unendosi ai corsari musulmani provenienti dal Nord Africa per le loro scorrerie nei paesi costieri dei territori della cristianità. Tunisi, Algeri, Rabat: queste le loro roccaforti ubicate nei vasti territori dell'odierno Mahgreb che veniva allora indicato con il termine generico di "Barberia" dalle quali partivano continue scorribande come parte di un'attività che, a detta di alcuni, fu una continuazione delle Crociate e un'asserzione dell'indomito spirito dei musulmani, mai veramente piegati dalle mire espansionistiche e di dominio economico della Cristianità nei territori del Medio-Oriente.
Secondo alcuni contemporanei la "Barberia" fu, a tutti gli effetti, una sorta di Far West del Mediterraneo, il cui controllo era conteso tra Musulmani e Cristiani, con diritto di cittadinanza per spiriti liberi e avventurieri.
Quello dei rinnegati (o renegados, in spagnolo, o degli "apostati") rimane tutt'ora un fenomeno misterioso ed inspiegabile, anche perchè non vi fu nulla di simile da parte dei Musulmani: non si registrarono quasi mai defezioni o conversioni. I Musulmani venivano tratti in schiavitù dai Cristiani e tali restavano, fedeli alla loro cultura e al loro credo religioso.
Perchè in tanti rinnegarono la loro fede, divendendo quelli che furono definiti i "cristiani di Allah"?
Uno dei pochi studi su questo fenomeno, attualmente disponibile è quello di Peter Lamborn Wilson, anche conosciuto come Akim Bey (uno scrittore politico nordamaericano, saggista e poeta, autore del classico TAZ. Zone temporaneamente autonome). Wilson nel suo saggio Le repubbliche dei pirati. Corsarimori e rinnegati europei nel Mediterraneo (Shake edizioni, 2008) ipotizza che si sia trattato di una forma di resistenza sociale e che tanti trovassero uno sbocco fecondo per un rinnovamento della propria esistenza in un clima non oppressivo ed oscurantista, come era divenuta l'Europa della Controriforma.
Nel suo saggio di ampio respiro, Wilosn - naturalmente interessato per via dei suoi preceenti saggi - a tutte le forme di resistenza sociale - si focalizza particolarmente sulla Repubblica corsara di Salé (l'odierna Rabat), la forma più evoluta tra tutte le comunità corsare del Nord Africa.
Come integrazione, ricca di quei cromatismi che solo possono derivare dalla narrativa, "Cristiani di Allah. Un noir mediterraneo" (2008) di Massimo Carlotto (per i tipi di E/O, 2008), perfetttamente documentato, ci dà un'idea di com'era la vita nel Nord Africa popolato dai Saraceni e divenuto nel frattempo zona di influenza dell'Impero ottomano, ispirandosi in questo liberamente, come fonte documentaria al volume "I cristiani di Allah" di Bartolomé e Lucille Bennassar, pubblicato nel 1991 in traduzione italiana da Rizzoli e oggi purtroppo introvabile.
Pirpiri, giannizzeri, bey, schiavi e rinnegati, moriscos, musici tratti in schiavitù, monaci redentoristi fanno parte della moltitudine di personaggi che compaino in questo romanzo storico che, con le sue coloriture noir, ci introduce nel mondo "libero" di Algeri dove tanti cristiani decidevano di andare a stare da rinnegati per potere vivere le proprie inclinazioni (come l'omosessualità: ed è il caso del protagonista, con la sua passione per il germanico Othmane) e per poter trovare rapidamente la via verso l'agio, la ricchezza, la dissolutezza.
Un mondo tendente al tramonto, perchè sempre più dominato dalla forza militare turca, rappresentata dai temuti giannizzeri, cui in virtù di accordi di pace sono stati concessi diritti (e privilegi) immensi.
Questo mondo, oltre che dal volume già citato, è illuminato da un altro libro oggi pure introvabile, purtroppo: si tratta della storia autobiografica di Emanuel de Aranda che, commerciante e appartenente all'alta borghesia di Bruges, venne tratto in schiavitù dai pirati di Algeri e che, dopo un lungo periodo di cattività, grazie all'intervento di mediatori e dietro pagamento d'un congruo riscatto, riuscìa fare ritorno alla civilità nord europea (Emanuel De Aranda, Il riscatto, Serra e Riva editori, 1981).
Il romanzo di Carlotto ci illumina sula condizione dei cristiani che vengono tratti come schiavi dai Saraceni per poi chedere un riscatto - grazie all'intercessioni di speciali confraternite religiose che lucravano le loro tangenti da queste operazioni - ma anche sulla condizione e sulle motivazioni dei "rinnegati", cioà di coloro che, venendo dal mondo della cristianità, decidevano di convertirsi all'Islam e, infine, sulle scorrerie dei Saraceni lungo le coste dell'Italia e della Francia (comprese le grandi isole) alle ricerca di bottini, di merci pregiati, di schiavi, in ciò coadiuvati in modo determinante proprio dai rinnegati che guidavano le scorrerie nei luoghi che a loro erano noti e di cui conoscevano debolezze e punti di vulnerabilità, frequentemente alla ricerca di vendette.
Il volume nasce come come "concept book": è accompagnato infatti da un godibile CD contenente delle musiche appositamente costruite per il romanzo da Maurizio Camardi e Mauro Palmas e che andrebbero ascoltate come "colonna sonora" e contrappunto di ciascun capitolo.
Le musiche si avvalgono di antichi strumenti maghrebini, quali il Duduk.
Cristiani di Allah - nella filiera letteraria di Massimo Carlotto - si pone come un romanzo insolito che, ciò nondimeno, pur con la sua particolare cornice storica, si tinge di noir e forse anche di una certa coloritura autobiografica visto che Readouane e Othmane sono ambedue dei fuoriusciti (a cui indubbiamente vanno tutte le simpatie dell'autore).
Proprio per questa lieve incursione nel noir, il sottotitolo recita: "Noir mediterraneo".

La sintesi del volume.

Algeri, 1541. Il Mediterraneo è teatro di guerre, razzie, traffici di schiavi, scontri ideologici e religiosi. La possente armata di Carlo V, punta di lancia della Cristianità, viene annientata alle porte della capitale nordafricana dai corsari di Hassan Agha, che reggono la città per conto del sultano di Costantinopoli. I corsari sono in gran parte dei rinnegati, ossia degli europei cristiani che hanno abbracciato l'Islam, per interesse, come scelta di libertà o più semplicemente per poter saccheggiare navi e depredare coste nel Mediterraneo sotto la protezione della Sublime Porta. Anche Redouane e Othmane, i protagonisti del romanzo, sono dei corsari rinnegati. Il primo albanese, il secondo tedesco, ex lanzichenecchi, hanno scelto là libertà di Algeri, da dove salpano sul loro sciabecco per le scorrerie e dove credono, di poter vivere indisturbati la loro storia d'amore proibita. Othmane però commetterà l'errore di invaghirsi-di un giannizzero, uno dei fanatici e spietati cani da guardia del sultano, e trascinerà anche Redouane in un gorgo di vendette, agguati, intrighi.

"Hereafter" di Clint Eastwood: l'intreccio di tre storie di vita alla ricerca di risposte sul dopo-morte

2011-01-11T11:09:00.010+01:00

Con "Hereafter" (USA, 2010) Clint Eastwood propone al grande pubblico una pacata riflessione sul dopo-morte, raccontata attraverso tre diverse vite che finiscono tutte per incontrarsi, ciascuna di loro dando - infine un senso alla propria inquieta ricerca e trovando risposte ai propri interrogativi.
Marie Lelay è una giornalista francese sopravvissuta alla morte e allo tsunami. Rientrata a Parigi, si interroga sulla sua esperienza di quasi-morte, sospesa tra brillantezza di una luce accecante in cui si aggirano ombre indistinte e l'oscurità definitiva, alienandosi con la sua determinazione a voler soddisfare sino in fondo la propria irrequietezza epistemofilica, fidanzato ed editore.
Marcus è un ragazzino inglese che, con una madre tossicodipendente e poco attenta, sopravvive al fratello gemello travolto da un tragico destino: rimasto solo, cerca ostinatamente - ma invano - di entrare in contatto con Jason, di cui continua ad indossare il berrettino a visiera e conserva le ceneri, attivandosi in una ricerca - il più delle volte deludente - tra medium e sensitivi che promettono a clienti indifesi di essere in grado di stabilire un contatto con i loro defunti.
George Lonegan è un operaio americano in grado di vedere al di là della vita. Deciso a ripudiare quel dono (che per lui è divenuto una "maledizione" e fonte di profonda solitudine) e a conquistarsi un’esistenza finalmente normale, George si rifugia nella lettura consolatoria dei romanzi di Dickens e, contemporaneamente, frequenta un corso di cucina italiana.
Sarà proprio la sua passione per il grande scrittore britannico a condurlo fino a Londra, dove vive Marcus e dove Marie si è recata per presentare il suo nuovo libro ("Hereafter. The conspiracy of silence"), in cui sviluppa un'inchiesta sull'Aldilà e sui fenomeni di quasi-morte, proprio partendo dalla sua personale esperienza, e sulla "conspirazione" di silenzio (scaturente da negazione e/o rimozione) che avvolge tali fenomeni
L’incontro tra i tre, segnati da un comune destino, sarà inevitabile. George, Marcus e Marie (ciascuno dei quali è portatore di un pezzetto di esperienza scissa che deve essere integrata in quella degli altri due) troveranno soccorso alla loro inquietudine, conforto al loro profondo isolamento emozionale e risposte ai propri quesiti su ciò che sta al di là della vita. I loro turbamenti, la loro malinconia e la loro tristezza potranno finalmente ricomporsi.
"Nella compostezza di una straordinaria classicità, che si concede un momento di tensione quasi insostenibile nella sequenza lunga e spietata del maremoto, l’ultimo film di Clint Eastwood insegna qualcosa sulla vita confrontandosi con la morte, quella verificata (Marie), quella subita (Marcus), quella condivisa (George)"(Marzia Gandolfi, in www.mymovies.it).
Tutti e tre sono stati toccati dalla morte: Marie (Cécile De France), perchè è entrata in uno stato di quasi-morte e poi ne è venuta fuori; Marcus (Frankie McLaren) perchè, toccato dalla tragedia della morte del gemello (che rappresentava una sua viscerale metà), vuole andare a "vedere" cosa c'è nell'aldilà proprio per stabilire un ultimo contatto con Jason; George Lonegan (Matt Damon) perchè ha il dono di sentire e di vedere i morti degli altri (grazie al semplice tocco della mano di un vivente) e per questo viene cercato da tanti che sentono il bisogno di stabilire un ultimo contatto con i propri cari defunti, di sapere qualcosa di loro.
Ognuno dei tre personaggi fa da controcanto agli altri due, in una danza continuamente divisa tra l'aver visto, il voler andare a vedere e il voler riuscire a vedere.
Dall'incontro tra loro (incontri che avvengono sfalsati) queste tre modalità del vedere si ricomporranno in una visione più unitaria e, soprattutto, meno tormentata.
Il film di Clint Eastwood, pur offrendo una visione molto laica e secolare dell'Aldilà (un luogo in cui le "entità" dei defunti semplicemente "stanno" come ombre, avvolte in una bianca luminosità) senza alcun riferimento ad uno specifico credo confessionale, è stato apprezzato negli ambienti religiosi cattolici, perchè - in ogni caso - offre uno sguardo prospettico e di continuità tra la vita, la morte ed un ipotetico dopo-morte.
La fede - per chi eventualmente ha la fortuna di possederla e praticarla - aiuta a trovare un senso e a dare forma a questo ipotetico Hereafter prefigurato dal film, che - già in sé - è piuttosto consolatorio.
Clint Eastwood dimostra ancora una volta - con questa prova d'artista in cui il rigore documentaristico, assieme all'ampiezza e alla varietà degli scenari e dei contesti, si combina con la levità del tocco poetico con cui riesce a trattare così difficili questioni - di essere un regista grande e completo (anche la colonna sonora - come in Gran Torino - è sua).

Scheda film
Un film di Clint Eastwood.
Interpreti: Matt Damon, Cécile De France, Joy Mohr, Bryce Dallas Howard, George McLaren, Frankie McLaren, Thierry Neuvic, Marthe Keller, Jay Mohr, Richard Kind, Charlie Creed-Miles, Lyndsey Marshal, Rebekah Staton, Declan Conlon, Marcus Boyea, Franz Drameh, Tex Jacks, Taylor Doherty, Mylène Jampanoï, Stéphane Freiss, Laurent Bateau, Steve Schirripa, Joe Bellan, Jenifer Lewis, Tom Beard, Andy Gathergood, Helen Elizabeth, Niamh Cusack, George Costigan, Claire Price, Surinder Duhra, Sean Buckley, Paul Antony-Barber, Selina Cadell, Thomas Price, Céline Sallette, Celia Shuman, Joanna Croll, Jack Bence, Derek Jacobi
Drammatico, durata 129 min.
USA 2010. - Warner Bros Italia
Uscita mercoledì 5 gennaio 2011.

TRAILER

La Tabaccheria Riggio di Palermo: un luogo cult e trans-generazionale per gli estimatori del tabacco, e non solo

2011-01-06T08:58:00.002+01:00

Nelle città alcuni luoghi - non solo quelli monumentali e storici - contribuiscono a formare la memoria storica e affettiva dei cittadini che vi abitano. Possono essere, banalmente, degli incroci, dei giardinetti, una lapide commemorativa, una statua, una panchina, degli alberi dalla forma particolare, un'edicola votiva e,a volte, anche degli esercizi commerciali che persistono immutati nel tempo.
Sono punti di riferimento e di aggancio delle proprie memorie affettive. "Io ci andavo con mio padre", ad esempio, potrebbe dire qualcuno. Oppure: "Lì, mi incontravo spesso con i miei amici di scuola", affermerebbe un altro. O ancora: "E' stato lì che ci siamo dati appuntamento per la prima volta con la mia prima ragazza".
La memoria di tali luoghi si tramanda volentieri di padre in figlio, da una generazione all'altra: ed è così che si rafforza e si radica la propria identità.
Ed è così che in taluni contesti si mantengono nel tempo, degli antidoti efficaci contro l'anonimato dei "non-luoghi" (nel senso foucaultiano del termine) imposti dalla iper-modernità asfissiante e vuota (priva di storia e di memorie collettive) dei Centri commerciali, degli Outlet e di altre strutture similari.

La Tabaccheria Riggio di Palermo (da sempre in via Dante 82) appartiene indubbiamente a questa tipologia di luoghi e, a buon diritto - con la sua ormai venerabile età - si può considerare, un pezzo di storia della Palermo moderna, poichè ha sempre rappresentato un punto di riferimento dei fumatori raffinati e "amatoriali" per diverse generazioni, mantenendo tuttora - pur con alcuni adattamenti alla modernità - un suo stile peculiare.

Infatti, propone una serie di articoli destinati ai "gourmet" del tabacco, nelle sue molteplici declinazioni: diposendo di molteplici articoli: dalle sigarette ai sigari (specialista in "habanos"), alle pipe e ai tabacchi da pipa, ma anche ai tabacchi da sigaretta, inclusi tutti i diversi e più raffinati accessori che fanno del fumare un'arte che molti cercano di mantenere malgrado le restrizioni salutiste nei riguardi del fumo.

Il negozio dispone perfino di preparazioni del tabacco ormai desuete ed introvabili nella maggior parte delle tabaccherie "ordinarie", come il tabacco da fiuto e quello da masticare.

Insomma, la Tabaccheria Riggio promuove a pieno campo una "cultura" del tabacco e dei suoi accessori. Di ciò fanno fede alcune iniziative culturali che sono paragonabili alle degustazioni di vini pregiati. Per esempio, nel 2008, all'Ex-Deposito delle Ferrovie Sant'Erasmo di Palermo (tra il 28 e il 29 maggio), ha avuto luogo la manifestazione "E' tempo di cioccolata" nel corso della quale era possibile, senza nessun costo aggiuntivo rispetto a quello (modico: appena cinque euro) del biglietto d'ingresso, la degustazione di sigari Davidoff.

Un po' di storia
Dal 1920 tre generazioni si sono susseguite nella gestione della tabaccheria Riggio, ubicata a Palermo, in via Dante 82.. Fondata dal nonno dell'odierno proprietario, che volendo ampliare la sua attività lasciò il paese di origine nella provincia di Palermo per rilevare la già allora antica tabaccheria nel centro della città (già attiva dal 1870), negli anni, grazie all'aiuto dei figli Enrico e Giuseppe, si è specializzata sempre di più nel settore degli articoli per fumatori fino ad arrivare alla terza generazione e a più di 135 anni di storia. Oggi la ditta, guidata da Carlo Riggio (classe 1959) propone anche articoli per la scrittura, pelletteria, articoli da regalo, articoli per il gioco, cravatte, cinture e tanto altro ancora, ma tutto per gli estimatori più esigenti.
Nel 1999, la tabaccheria Riggio ha conseguito l'ambito riconoscimento comunale "Teatro Massimo" (una miniatura in argento, simbolo culturale della città, per i suoi primi 130 anni di attività).
Nel 2005, ha ricevuto dalla camera di Commercio di Palermo un riconoscimento specifico destinato ad attività commerciali rimaste imutate nel corso del tempo per ubicazione e tipologia: una Targa d'oro, datata 1870, per 135 anni di attività.
Nel maggio 2006, infine, è stata premiata come "Tabaccheria dell'anno" specializzata in sigari "Habanos".

La Tabaccheria Riggio si deve anche ricordare perchè negli anni del dopoguerra (e forse anche prima) aveva - per la gioia dei piccini, ma anche degli adulti collezionisti - un ricco assortimento di soldatini di piombo, prodotti con un antico stampo austriaco che, a detta degli esperti di modellismo, era molto pregiato.

Si trattava di soldatini in scala (i pedoni mediamente alti da 5 a 8 cm), appiattiti (lo stampo non era a tutto tondo), dipinti a mano in monocromia (dorati) oppure in policromia.

L'assortimento era ricchissimo e spaziava su tutte le epoche storiche, privilegiando - secondo tradizione - la storia militare, ma anche l'epopea western. Molto pregiati erano i soldatini a cavallo che erano di dimensioni maggiori (quasi 10 cme in altezza).

Erano disponibili anche tutti gli accesssori per rendere vivace il gioco o per creare scenari convincenti: cannoni e pezzi d'artiglieria, alcuni perfino con la vampa dello sparo, alberi, palme, muri sbrecciati. Molti, nati nel dopoguerra, ricordano che quando il proprio padre andava a comprare per sé gli articoli da fumo, indugiava a scegliere alcuni soldatini (allora a prezzo relativamente modesto) per il proprio figliolo o per sé (se li collezionava).

L'attuale proprietario Carlo ricorda che lui stesso, da piccolo (quando accompagnava il padre al negozio), soleva giocarci, anche se ormai - si era già oltre la metà degli anni Sessanta - la varietà dei "pezzi" si era molto assottigliata.

Molti dei bambini di allora quei soldatini li hanno conservati e adesso li espongono come pezzi da collezione, ma tanti - crescendo - se ne sono disfatti, manipolati dal baco della modernità e del rinnovamento.

Chi - avventatamente - se ne è disfatto, adesso li rimpiange.

Ma è ben difficile poterli ritrovare.

Quei soldatini, fatti con quel particolare tipo di stampo, sono ormai scomparsi per sempre ed è difficile reperirli perfino nei paesi dove la tradizione del soldatino fuso nel piombo è ancora viva, come l'Austria o la Cecoslovacchia.

La Tabaccheria Riggio ha un suo sito web: http://www.riggiodal1920.it/

L'essenza di un sogno inquieto

2011-01-02T06:45:00.005+01:00

Sentire il bisogno di gridare e non poter articolare parola.
Avere l'impressione di emettere forti grida di aiuto che nessuno, però, può sentire.
Sentirsi avviluppato in una coltre di ovatta sciropposa che impedisce ogni tentativo di liberazione.
Improvvisamente, una tempesta di neve oscura la vista.
E tutti i sensi sono andati.
In tilt.
I canali soliti di comunicazione con il mondo esauriti: all'inverso, il processo descritto da Condillac.
Quando ciò è avvenuto, rimane solo la possibilità di entrare in profondità in un mondo onirico che non può essere detto.
Un mondo in cui è avvenuta una catastrofe, forse.
Case desolate.
Strade vuote.
Piazze deserte.
Tutto è cadente e in rovina.
Un mondo che sembra disegnato da Piranesi: archietture immense, però vuote e cadenti, in tonalità di grigio e di nero.
Non c'è gente normale.
Uno mi si avvicina.
Tento di parlargli e, d'improvviso, si rimpicciolisce.
Guardo in basso e ciò che ne rimane sono solto abiti vuoti, un involucro accartocciato senz'anima.
I pochi altri in giro, annidati in anfratti ombrosi, sono loschi individui.
Bande intente in traffici oscuri di cui io non posso comprendere nulla, pur volendolo.
Dioscuri della notte.
Nel viaggio, un'ombra mi accompagna, quasi fosse "lo duca" di Dante nel lungo attraversamento dei gironi infernali.
E' un'ombra silenziosa e sfingea che, per quanto io interroghi, non mi dà risposte.
Eppure, c'è un viaggio che si dipana, per quanto insensato, sempre più proteso verso luoghi desolati e terre fangose e crepuscolari.
Più di questo non posso scrivere, se non che ciò che ho visto ha lasciato dentro di me una triste bava di vuoto desolato e di tristezza.
Posso solo sperare di poter risalire a "riveder le stelle".

"Le avventure di Sammy": un film di animazione che parla della nostra cattiva coscienza ecologica

2010-12-31T07:25:00.007+01:00

"Le avventure di Sammy" (di Ben Stassen, Belgio, 2010) è un film d'animazione che, senza possedere i fasti di un film della Disney-Pixar, si vede piacevolmente, essendo destinato - per le sue connotazioni fortemente didattico-didascaliche - ad un pubblico di piccini che possono apprendere attraverso una storia animata sia elementi preziosi sulla biologia e sulle fasi di vita delle tartarughe sia sulle azioni nefaste dell'uomo contro l'ecosistema.

Infatti, non è soltanto una semplice storia d'animazione per grandi e piccini, ma una storia costruita in modo tale che i bambini possano apprendere, da un lato, la bellezza e il mistero del mare e, dall'altro, i misteri della meravigliosa vita delle tartarughe marine, regolata da ritmi ancestrali e da potenti istinti migratori che le spingono, quando giungono all'età riproduttiva, a compiere lunghi viaggi, a volte di migliaia di chilometri per giungere alle spiaggie di cova, presumibilmente le stesse in cui sono nate.
Oggi le tartarughe marine sono insidiate, oltre che dai predatori naturali (soprattutto dal momento della schiusa delle uova alla prima immersione in mare dei neonati), da molteplici cause dovute all'insensibilità e alla disattenzione dell'Uomo nei confronti della salute del Pianeta: le navi ad elica che solcano i mari, la pesca indiscrimanata in alto mare, l'inquinamento da petrolio e da altre sostanze chimiche, i sacchetti di plastica e altri rifiuti gettati direttamente dalle navi in mare, sono tra le cause principali di nocumento alle tartarughe nel corso dei loro spostamenti.
Il film mostra tutto questo: gli anni trascorrono e Sammy, assieme ai suoi piccoli amici (la tartarughina Shelly, il compagno di "crescita" Ray), cresce (lentamente) e il suo corpo va facendosi sempre più grosso man mano che si avvicinano lamaturità sessuale e il tempo della riproduzione.
Cambiano anche i pericoli e le difficoltà con cui le tartarughe si confrontano nelle diverse fasi della loro vita e con il trascorrere del tempo.
Passano, tra una cosa e l'altra cinquantanni (le tartarughe sono creature longeve), e cambiano anche tante cose: se sono aumentati i pericoli, è cresciuta anche la coscienza ecologica degli Umani che mettono in atto una serie di sistemi per rimediare ai danni. Si passa così dai primi maldestri tentativi maldestri di "figli dei fiori" a quelli più organizzati e sistematici delle associazioni naturaliste nelle quali sono confluiti come dirigenti gli hippie di un tempo, anche se tanti altri pericoli difficilmente possono essere neutralizzati con interventi efficaci e mantengono intatta tutta la loro viruelenza: per eliminarli del tutto, occorrerebbe modificare radicalmente troppe cose e muovere i primi passi verso un altro mondo possibile e più sostenibile, contro il quale tuttavia le leve dell'Economia sono inamovibili.
Preoccupazione del regista è quella di essere "didattico" pur divertendo un pubblico essenzialmente di piccini.
Per questo motivo non ci sono trovate mirabolanti nella pellicola, nè vi è il tentativo di costruire il film come "storia di formazione", com'è nel caso di "Alla ricerca di Nemo della Pixar" della Disney.
E' uno di quei film che potrebbero essere proiettati efficacemente nelle scuole elementari per fare didattica con i più piccini, diveetendoli ed intrattendoli al tempo stesso, sia sul ciclo di vita delle tartarughe marine sia sui danni che l'Uomo ha prodotto e continua a produrre al loro ecosistema.
Di tanto in tanto è bello vedere arrivare sul grande schermo un film di animazione, prodotto altrove rispetto al regime di monopolio della Walt Disney-Pixar, più ruspante indubbiamente e meno "leccato" quanto ad effetti digitali, ma ciò nondimeno forte e robusto, espressione di una cine-diversità che, per la vitalità del cinema, va preservata in ogni modo, così come - per la salvaguardia del nostro Pianeta - occorre lottare in ogni modo per preservare la bio-diversità delle specie viventi e degli ecosistemi.

Scheda film
Un film di Ben Stassen. Voci: Melanie Griffith, Isabelle Fuhrman, Yuri Lowenthal, Anthony Anderson, Sydney Hope Banner, Ed Begley jr, Darren Capozzi, Pat Carroll, Chris Andrew Ciulla, Tim Curry, Tim Dadabo, Kathy Griffin, Denis Kacenga, Stacy Keach, Grant Klemann, Kierstin Koppel, Jenny McCarthy, Carlos McCullers II, Gigi Perreau, Geoff Searle, Heather Trzyna, Billy Unger, Eric Unger
Titolo originale Sammy's avonturen: De geheime doorgang. Animazione, Ratings: Kids, durata 89 min. - Belgio, 2010. - Eagle Pictures. Uscita mercoledì 22 dicembre 2010.

Il TRAILER

Le tartarughe marine (una nota wikipediana)

Le tartarughe marine (Chelonioidea) sono una superfamiglia di tartarughe che, appartenenti ai Rettili, nel corso della loro evoluzione si sono adattate alla vita in mare, grazie alla forma allungata del corpo, ricoperto da un robusto guscio o carapace, ed alla presenza di “zampe” trasformate in pinne.
Sono tra le più antiche creature della Terra.
Durante la stagione riproduttiva le femmine di tartaruga marina compiono delle lunghe migrazioni dalle aree di alimentazione, dove solitamente vivono, verso spiagge isolate, distanti anche migliaia di chilometri, le stesse dove probabilmente sono nate: e oggi si sa molto di più delle migrazioni che compiono grazie all'applicazione su alcuni individui di marcatori che, inviando un segnale radio, consentono di seguire nel corso del tempo i loro spostamenti.
L'accoppiamento può avvenire durante le migrazioni, o in aree vicine ai luoghi di deposizione, ma si ipotizza che le femmine possano utilizzare il seme del maschio per fecondare le uova anche dopo qualche anno. Nell'ambito della stagione riproduttiva, che varia a seconda della specie e della latitudine , le femmine possono compiere da 3 a 6 deposizioni, dopodichè intraprendono le migrazioni di ritorno verso i loro quartieri di residenza abituali per poi tornare sulla stessa spiaggia di deposizione al seguente ciclo riproduttivo.
Giunte a destinazione, le femmine emergono dal mare per lasciare le uova in nidi che scavano nella sabbia in un processo lungo e faticoso. Terminata la deposizione tornano in mare lasciando al calore della sabbia il compito di portare a termine l'incubazione. I piccoli appena usciti dalle uova si dirigono faticosamente verso il mare, guidati presumibilmente da contrasti di luce ed ombra sulla superficie del mare. La loro crescita è lenta e sono necessari molti anni perchè gli individui maturino giungendo alla capacità riproduttiva. Le prime fasi di vita sono quellle in cui i giovani individui sono maggiormente vulnerabili, insidiati da uccelli e pesci migratori.
Le tartarughe marine, oggi, devono confrontarsi per sopravvivvere non solo con i predatori naturali che ci sono stati sempre ma anche con le insidie generate dall'Uomo e dalla sua disattenzione neio confronti della salute del pianeta: navi che solcano i mari, pesca indiscrimanata in alto mare, inquinamento da petrolio, sacchetti di plastica sono tra le cause principali di nocumento alle tartarughe nel corso dei loro spostamenti.
Sono 7 le specie che popolano i mari di tutto il mondo:

Tartaruga verde (Chelonia mydas)
Tartaruga liuto (Dermochelys coriacea)
Tartaruga embricata (Eretmochelys imbricata)
Tartaruga bastarda (Lepidochelys kempii)
Tartaruga olivacea – Lepidochelys olivacea
Tartaruga piatta (Natator depressus)

Tartaruga comune (Caretta caretta)
Con una lunghezza massima di circa 140 cm di carapace è una delle tre specie di tartarughe marine che vivono in Mediterraneo. Il carapace presenta una colorazione marrone –rossiccia con 5 placche neurali, 5 paia di placche costali e 12 paia di placche marginali. Il piastrone ha una colorazione tendente al giallo. La sua alimentazione è costituita prevalentemente da crostacei e molluschi ma anche da organismi planctonici come ad esempio alcune specie di meduse. In alcuni contenuti stomacali sono stati ritrovati esemplari di cavallucci marini e pesci ago ( generi Hippocampus e Syngnathus ).
Il periodo della deposizione varia dai primi di maggio fino alla fine di agosto. Un nido è composto da un numero variabile di uova (fino ad un massimo registrato di 190).In Mediterraneo i maggiori siti di deposizione sono in Grecia, Turchia, Libia , Tunisia ed Italia. Questa specie è l’unica che regolarmente depone le uova in alcuni siti lungo le coste italiane ( es. Isole Pelagie).
ll WWF -Italia è impegnato nella salvaguardia e nella ricerca applicata alla conservazione delle Tartarughe marine dagli anni ottanta, quando fu avviato, in collaborazione con l’Università ‘La Sapienza’ di Roma, il primo programma nazionale su queste specie. Questa prima attività ha consentito lo sviluppo di molteplici attività a livello locale, con la promozione da semplici azioni di monitoraggio a complessi interventi e progetti di assistenza diretta su esemplari in difficoltà o recuperati dai pescatori.
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In "Il 36° Giusto" ritornano gli ammazzavampiri modenesi di Claudio Vergnani

2010-12-28T18:12:00.007+01:00

Claudio Vergnani continua a stupirci.
Con "Il 36° Giusto", di recente edito da Gargoyle (2010), ritornano gli ammazzavampiri modenesi con una nuova serie di avventure che si riallacciano immediatamente a quelle narrate in "Il 18° vampiro", anche se i due romanzi si possono leggere autonomamente con piena godibilità della trama.
La struttura del romanzo è semplice. Dopo l’attacco alla roccaforte vampiresca di Corsano, dopo il "caos vampirico" e la susseguente "mattanza" che concludono con uno scenario da apocalisse la storia precedente, i nostri anti-eroi sono momentaneamente "disoccupati" e sull'orlo del tracollo esistenziale, disgustati da ciò che hanno fatto e visto e, nello stesso tempo, psicologicamente svuotati, nel pieno di una sorta di spleen postraumatico.
Uno di loro, Gabriele, si ricicla come romanziere (e che sia la cifra dello stesso autore?), traducendo in romanzo le avventure di cui è stato protagonista.
Rossana, l'"amica", generosa finanziatrice delle imprese precedenti, ha deciso di tirarsi fuori da una partita sostanzialmente perdente per entrare in un ritmo di vita più normale e “borghese”.
Rimangono Vergy, roboante, spassoso e patetico assieme, e Claudio (il narratore, che qui per la prima volta esce dall'anonimato), a muoversi tra il senso di svuotamento, la depressione da mancanza di motivazioni e le nebbie di alcool e tranquillanti.
Poiché ci sono sempre vampiri-zombie da fare fuori e molti luoghi infestati da bonificare, per fortuite circostante, i due - dovendo sbarcare il lunario - riescono a rimettersi in pista al servizio di un ammazzavampiri di seconda generazione rampante, arrivista e atteggiato, tal Paride, che li prende al suo servizio per i lavori “sporchi”, che Vergy e Claudio svolgeranno sempre nel loro modo scassato e, in definitiva, da antieroi che, occasionalmente, si perdono - soprattutto il narratore Claudio, in pensose divagazione di stampo esistenzialista, in cui mostrano la loro natura di individui smarriti che cercano di dare un senso ad una vita latrimenti vuota.

"Non era generosità la nostra. Né altruismo. Cercavamo semplicemente di dare un senso a ciò che facevamo. Non che il senso in sé potesse bastare a giustificare tutta quella merda, ma non avevamo altro" (p. 296)

Le loro imprese (tra cui la lenta e perigliosa traversata d'un cimitero fatiscente, il sopraluogo al vecchio motel infestato, la sorveglianza prestata - a tipo di sgangheratissimo servizio body-guard - come contractor d'una ricca famiglia modenese che si reca in villa montana a trascorrere le feste di Natale, sino alla trasferta parigina, assoldati per libero un fatiscente e labirintico edificio - che tanto rievoca le atmosfere de "I misteri di Parigi" di Sue - per eliminare un vampiro solitario denominato "Il becchino") sono a dire il vero dei poemi grotteschi e tragicomici che servono all’autore per rappresentare lo sfascio delle metropoli, lo stato di abbandono di periferie urbane sempre più degradate, crepuscolari e decadenti, che tanto rimandano alle "Carceri" di Piranesi, dimostrando nell'autore una grande capacità evocativo-visionaria.

I vampiri-zombie, morti viventi che, pur corrotti e quasi cadenti a pezzi, continuano a rimanere attaccati ad una loro non-vita sono forse una metafora dell'inconcludenza che fa da pendant all'inettitudine esistenziale degli ammazzavampiri: entrambi condannati ad un ruolo di marginalità sociale e alla condizione di reietti della società produttiva.
Le avventure dei nostri eroi sono intercalate a periodi di riposo e di stanca, autentici momenti di “ozi di Capua”, in cui a farla da padroni sono ottenebramento alcoolico, mancanza cronica di donne e sesso, di soldi, di conforto domestico.
Le eroiche imprese servono ai due a ravvivarsi (ed è per questo che la ricerca di vampiri da quattro soldi da fuori diventa per loro un'urgenza, quasi una dipendenza non farmacologica), con il supporto di occasionali compagni di gesta: Alicia (l’avvenente segretaria di Paride), il nano ivoriano Matthew (che ricava di che vivere come macabro fotografo cimiteriale), la compiacente Elisabetta (che li riconduce al vigore di una sessualità sanguigna e promiscua), Gabriele (ex-compagno di "caccia" e neo-scrittore, che si aggrega a loro per un nuova impresa, avendo bisogno - dopo il suo primo exploit letterario - di materiale di prima mano per un nuovo romanzo).
L’essere eroi (o antieroi) per Vergy e Claudio (il narratore) è soltanto il prodotto secondario della loro tracotanza ed inconcludenza, al tempo stesso.
Alla fine, i due - malgrado tutto - riescono ad uscire indenni dalle loro imprese, sempre in condizioni pietose, ricoperti di sangue, brandelli di tessuti umani, deiezioni, vomito, fango putrido, e chi più ne ha più ne metta: disillusi, soprattutto. Perchè - uscendo sani e salvi per il rotto della cuffia da ogni impresa intrapresa - la loro vita non ha acquistato un briciolo di senso in più e, forse, è ancora più vuota di prima, perchè gli affetti "normali" e le possibilità evolutive di incontri se li lasciano alle loro spalle, bruciati dall'urgenza di sopprimere il vampiro di turno.
In un bilancio finale, tuttavia, nelle loro imprese non c’è un senso anche perché il loro uscirne per il rotto della cuffia, non cambia d'un millimetro le sorti del mondo e le sue derive inarrestabili: le loro vittorie sono del tutto ininfluenti nel modificare alcuni equilibri.
In un mondo così, fatto di rovine, di rifiuti, di cimiteri degradati, di periferie urbane disabitate e cadenti, non sorprende affatto trovare una residua popolazione di vampiri che agiscono dall’interno di corpi corrotti.
I veri vampiri – i cosiddetti “Maestri” – se ne stanno in disparte e le loro attività vanno avanti, malgrado e a dispetto degli ammazzavampiri che, per un paradosso di cui è piena la vita, vengono considerati proprio dai maestri come alleati nel tenere sotto controllo i vampiri-zombie che, imbarazzanti ed invadenti, rappresentano soltanto un sottoprodotto scomodo della loro attività che rimane il più delle volte occulta e poco evidente.
E' lecito chiedersi se nei romanzi di Vergnani non ci sia – nella contrapposizione tra “Maestri” e vampiri-zombie – una rappresentazione metaforica, appena velata, dell'agonismo/antagonismo tra capitalisti rampanti e onnipresenti e neo-proletari ridotti dai primi ad essere degli zombie, condannati a vivere una mezza vita (non caso il film-documentario di Sabina Guzzanti, sui fatti e misfatti successivi al terremoto aquilano è, evocativamente intitolato - con un abile neologismo - "Draquila", ovvero Dracula+Aquila).
Non è che, dunque, gli ammazzavampiri, esclusivamente polarizzandosi sui secondi, non stiano prendendo – in realtà – un granchio colossale, in quanto operano per il rafforzamento dei poteri occulti che governano la società?
Credo che in questa seconda opera narrativa di Vergnani, in maniera ancora più chiara rispetto a "Il 18° vampiro”, sia contenuta una grande metafora della società contemporanea.
Il linguaggio dei due amici, durante il compimento delle loro imprese, è istrionesco e picaresco, infarcito di frasi da caserma, puntualmente scandito da peti e scorregge. E ciononostante i personaggi (anche quelli minori) hanno tenuta ed esprimono una loro coerenza.
Ai loro discorsi, spesso scurrili e densi di termini scatologici, fanno da contraltare delle descrizioni paesaggistiche e di contesti urbani nelle quali Claudio Vergnani dimostra di essere un vero maestro, con un sapiente utilizzo del linguaggio per rappresentare vividamente luoghi ed ambienti, con intensa ed abile forza evocativa, con la sopresa di constatare che, prima o poi, ad impreziosire il testo arriva anche una citazione colta, che conferisce ulteriore profondità allo sguardo di Vergnani.

Dal risguardo di copertina
Pensavamo di aver smesso di uccidere i vampiri, invece abbiamo ricominciato a farlo. Ora che è accaduto quel che è accaduto, è diventato quasi un mestiere. Non devi più nasconderti per cacciarli. Sono reietti, emarginati, abbandonati dai loro stessi Maestri. Le retrovie di un esercito allo sbando. Non c'è posto per loro. Ma nemmeno per noi. E la loro presenza giustifica in qualche modo la nostra. La loro mancanza di futuro si intreccia con la nostra voglia di speranza. Loro e noi. I vampiri e i cacciatori. Una battaglia senza onore né gloria tra disperati, dove in mezzo stanno le prede innocenti. E forse c'è più colpa in noi, che possiamo scegliere, che in loro, schiavi di una sete che non possono spegnere. Loro sono nati assassini, mentre noi siamo l'estrema difesa, sempre sull'orlo dello sfascio. In qualche modo ambiguo e discorde, però, nell'inconsapevolezza innocente dei semplici, non cessiamo di confidare in un brevissimo e insperato momento di giustizia.

In "Balkan Bang!" una scatenata guerra balcanica tra bande rivali nella Sarajevo post-bellica

2010-12-27T08:49:00.004+01:00

Balkan Bang! è il primo romanzo di Alberto Custerlina, già pubblicato nella collana spionistica di Mondadori, "Segretissimo" e ora edito da Perdisa Pop (nella collana Walkie Talkie), 2008 .

La storia, ambientata in una Sarajevo, apparentemente pacificata dopo il sanguinoso assedio da parte dei Serbi, si sviluppa con un intreccio complesso in cui tutti sono contro tutti: poliziotti onesti, poliziotti corrotti, mafiosi desiderosi estendere il proprio potere per incrementare loschi affari, e - al di sopra di tutti - l'Ombra, un personaggio misterioso e senza volto che, manovrando molti fili, cerca di destabilizzare la situazione di pseudo-equilibrio tra gang rivali per ripristinare un ordine legale che, in definitiva, poichè - per essere realizzato - si avvale di mezzi loschi del tutto affini a quelli utilizzati dalle cosche, potrà avere - se dovesse essere realizzato - soltanto la parvenza della legalità.
In queste vicissitudini fatte di intrighi, i morti e le sparatorie non si risparmiano e nemmeno delle scene fortemente colorite e sanguigne di sesso, droga e lotte di cani con il contorno inevitabile delle scommesse clandestine truccate.
Il romanzo, appartenente al filone del "turbo-noir" (termine, peraltro, coniato dallo scrittore medesimo) e prima prova letteraria di Custerlina, mostra come - in tempi di destabilizzazione politica e di conflitti tra etnie rivali - le mafie organizzate possano trarre grandi vantaggi e come, quando - alla fine - si dovesse creare uno stato di pace apparente, ci siano molte possibili evoluzioni, da quella che porta all'incremento delle sfere d'influenza di alcuni malviventi, alla necessità di attivare nuovi conflitti per trarre dalla deregulation che ne consegue ulteriori vantaggi.
Il romanzo di Custerlina è molto ben scritto e si legge con grande interesse: sicuramente, mostra da parte dell'autore un'approfondita conoscenza dei luoghi e dei retroscena cui egli fa riferimento.
La letteratura d'intrattenimento, come può esserlo una spy-story, possiede grandi potenzialità nel condurre il lettore nel cuore di luoghi a lui ignoti, di ambientazioni e di intrighi di cui non ha conoscenza alcuna perchè - solitamente - i fatti narrati riguardano cose ed eventi di cui molto di rado giornali e notiziari parlano.

Dal risguardo di copertina
Cedomir e Karel sono due vecchi criminali che vogliono mantenere il potere. Normale per dei vecchi, se non fosse che qualcuno ha deciso per loro un altro destino. Emir e Lovro sono due giovani sbirri che s'infilano dentro una storia criminale. Normale per degli sbirri, se non fosse che loro ci sarebbero rimasti volentieri fuori. Un segretario cerca di tirare le somme, ma fa male i conti. Tre killer schizzati seminano morte e una schizzata che fa la killer raccoglie vendetta. Un'ombra che aspetta. Serbi, croati e bosgnacchi, insieme, come acido nitrico, acido solforico e glicerina. Sullo sfondo, una Sarajevo che tenta di rialzarsi, come un pugile mandato al tappeto già troppe volte. Un romanzo d'esordio che è un gioco delle parti dove le parti non sanno a che gioco stanno giocando.

(Un commento nel web)
Sarajevo, oggi.
In una realtà criminale di sopravvissuti all'orrore, dove l'odio razziale viene accantonato ma non dimenticato nel nome del dio denaro, due anziani boss della malavita - Cedomir Dragovic e Karel Banfic - studiano come mantenere il potere di fronte all'inarrestabile avanzata di un cartello rivale di cui non si conosce nulla.
Janez, Joze e Jurij, tre gemelli nonché killer psicopatici, mettono a ferro e fuoco la città con spettacolare ferocia, obbedendo agli ordini di un mandante misterioso.
Al bagno di sangue contribuisce ben volentieri anche Zorka Stoltz, assassina torturatrice croata con la passione per le sevizie sadomaso, tanto da impartire quanto da subire. Anton Karadic - gay cinquantenne dal sesso smisurato, quasi quanto la sete di potere che lo divora - cerca il suo posto al sole. Lovro, uno sbirro che non rispetta nessuna elementare regola procedurale, si trova a collaborare con Emir, giovane poliziotto appena arrivato dalle montagne, con la moglie incinta e qualcuno che lo ricatta.
Nell'ombra, un potente burocrate si adopera per distruggere con ogni mezzo, anche illecito, la malavita locale. Questi sono solo alcuni dei personaggi creati dall'autore in questo esordio che sarebbe un autentico delitto sottovalutare. Custerlina ci propone un libro spietato, adrenalinico, pulp.
Un noir a prova di proiettile per l'ambientazione originale, la totale mancanza di qualsiasi forma di pietismo, l'umorismo cattivo, la capacità di tenere alta la tensione.

Ne "L'isola della follia" una nuova avventura di Aloysius Pendergast, agente dell'FBI con poteri speciali

2010-12-16T09:54:00.010+01:00

L'isola della follia (Fever dream, Rizzoli, 2010) è il nuovo romanzo della premiata ditta Preston-Child, che non manca mai il consueto appuntamento annuale con i propri fan.
Anche questa volta si tratta di un'avventura appartenente al corpus di storie che hanno come protagonista l'agente speciale dell'FBI, Aloysius Pendergast ed alcuni suoi comprimari. In questo romanzo che - come i precedenti - presenta un fitto intreccio tra mistery, poliziesco e action thriller gli scenari si spostano ad un ritmo vorticoso, mentre Pendergast, spalleggiato prima dal tenente del NYPD Vincent D'Agosta e poi da Laura Hayward (capitano del NYPD, nonchè moglie di D'Agosta), seguono l'usta d'un omicidio commesso più di 12 anni prima, inizialmente rubricato come atroce incidente di caccia: la morte di Helen, moglie dello stesso Pendergast. I metodi di indagine di Pendergast sono del tutto non convenzionali e assolutamente reprensibili, eppure funzionano e sono efficaci.
Gli scenari sono continuamente mobili, anche se - alla fine - il nucleo più vivo della vicenda finisce con il concentrarsi nel profondo Sud degli Stati Uniti, nel cuore misterioso e paludoso della Louisiana.
Per svelare l'intreccio i due dovranno passare al setaccio i più tenui indizi per ridare vita ad una traccia ormai fredda, passando dall'interesse di Helen per John James Audubon (Les Cayes, Haiti, 26 aprile 1785 – New York, 27 gennaio 1851), un ornitologo statunitense di origine francese, famoso soprattutto per avere realizzato 435 illustrazioni di uccelli americani (date alle stampe in volumi di grande formato: The Birds of America), surclassando il lavoro precedente di Alexander Wilson, e dagli interrogativi posti dall'improvviso accendersi del suo genio rappresentativo, ai misteri loschi delle ricerche biologiche condotte da scienzati senza scrupoli per isolare nuovi farmaci dotati di possibilità d'applicazione promettenti e futuribili.
Come accade sempre più di frequente nella saga delle indagini svolte al nostro Pendergast il finale del romanzo rimane aperto.
Si giunge, sì, ad una parziale risoluzione dell'intreccio, è ovvio: altrimenti il lettore rimarrebbe deluso, ma nella stesso tempo c'è una coda di trama che, lasciata insoluta, promette un nuovo seguito altrettanto avventuroso, come pure rimane insoluta la vicenda della protegée di Pendergast, Constance Greene che, in questo romanzo fa una fugace comparsa in collegamento con un nuovo mistero (la morte del proprio figlio, ancora in tenerissima età, durante una traversata atlantica).
A questo punto, occorrerebbe un piccolo dizionario per muoversi a proprio agio nel complesso mondo delle indagini di Pendergast e dei suoi comprimari: insomma, ci vorrebbe una sorta di guida alla lettura, soprattutto per quanti - non ancora aficionados - abbiano la sorta di entrare nella saga con questa storia. Tra i romanzi che vi fanno capo citiamo Dossier Brimstone, La danza della morte, Il libro dei morti, La ruota del buio e Il sotterraneo dei vivi.
E' una lettura di puro intrattenimento che non lascia delusi i lettori desiderosi di storie: e quanto più queste sono interminabili e ad episodi successivi che si intrecciano l'un con l'altro, tanto meglio è. Preston e Child, in questo senso, sono tra i rappresentanti del moderno feuilleton di un tempo, riconettendosi direttamente in qualche misura, ad opere come I misteri di Parigi di Eugène Sue.
Douglas Preston e Lincoln Chil, in una nota conclusiva alla loro opera, annunciano che, senza abbandonare le storie di Pendergast, inaugureranno nel 2011, un nuovo filone di romanzi che avranno come protagonista un investigatore dallo strano nome, Gideon Crew.
"Ci stiamo divertendo come matti a scrivere il primo romanzo che verrà pubblicato nel 2011. Ci dispiace di non potervi fornire maggiori informazioni al riguardo, ad eccezione del titolo: Gideon's sword. Vogliamo che tutto il resto sia una sorpresa" - così scrivono.
Intanto, i due, inaugurano nel loro sito web ufficale i "Pendergast files" in cui - lungi dal volere essere celebrativi su se stessi e sulla propria attività - forniranno ai lettori una serie di anticipazioni su Pendergast o su Gideon Crew, propri inediti e testi scartati dalla produzione ufficiale a stampa, fotografie che documentano i viaggi di Douglas Preston e le ricette tratte dalla repertorio gastronomico di Lincoln Child nella sua veste di grand gourmet e tanto altro.
Nella first issue dei Pendergast files i due autori inteloquiscono, in un'intervista fittizia, proprio con Aloyisius Pendergast in persona.

Dal risguardo di copertina
Il tempo della verità è arrivato, per l'agente Aloysius Pendergast. Sono passati dodici lunghi anni da quel tragico incidente in Africa, quando lui e Helen, giovani sposi, stavano dando la caccia al Dabu Gor, un gigantesco leone dalla criniera rosso sangue mangiatore di uomini. Di fronte all'animale, però, Helen aveva mancato il colpo, e in un attimo da predatrice si era trasformata in preda. Impotente e disperato, Aloysius l'aveva vista morire davanti ai suoi occhi.
Ma il destino trova sempre il modo per sconvolgere qualunque certezza. E così quando a distanza di anni, nella dimora di famiglia in Louisiana, Pendergast imbraccia il fucile con cui Helen aveva sparato quel maledetto giorno, viene alla luce un dettaglio inquietante: l'unico proiettile rimasto è caricato a salve. Sua moglie non aveva sbagliato il colpo: non aveva mai sparato davvero.
È chiaro che Helen è stata assassinata. Inizia così per il geniale agente dell'FBI, in coppia con il tenente del NYPD Vincent D'Agosta, l'indagine più difficile che abbia mai affrontato. Perché questa volta la posta in gioco è una sola: la vera identità di sua moglie.
A guidare Pedergast in un vorticoso e inquietante viaggio nel suo passato, la misteriosa ossessione che Helen gli ha sempre tenuto nascosto: un virus sconosciuto e mortale che precipita le sue vittime nel cuore oscuro della follia. Con L'isola della follia ritorna l'agente Aloysius Pendergast, uno dei personaggi più amati usciti dalla penna di Douglas Preston e Lincoln Child, in un thriller teso e appassionante che si muove sull'ambiguo confine tra giustizia e vendetta.

Gli autori
Douglas Preston è nato nel 1956 a Cambridge nel Massachusetts, è laureato e inizia la sua carriera di scrittore con un volume sul Museo di Storia Naturale di New York, in questa occasione conosce Lincoln Child editor in una casa editrice. L'idea di scrivere un romanzo a quattro mani venne a Preston e Child accettò di buon grado: il risultato della loro prima collaborazione Relic da cui è stato tratto anche un film di discreto successo.
Lincoln Child è nato nel 1957 a Westport nel Connecticut, laureato anche lui, ha lavorato per vari anni nel campo dell'editoria.
Entrambi gli scrittori hanno scritto ottimi romanzi anche individualmente.

Se incontrate un nano da giardino, non fermatelo: sta facendo il giro del mondo

2010-12-04T13:17:00.015+01:00

Cos’è un nano da giardino?
Molti forse lo sanno. Altri no.
Molto semplicemente: un nano da giardino è una rappresentazione di uno gnomo o di un nano sotto la forma di una statua di piccola taglia, utilizzata per decorare i giardini. Tradizionalmente, il nano da giardino ha la barba bianca, la pelle rosa e un berretto rosso; è vestito d'un paio di pantaloni e da un soprabito di vari colori. La variabilità negli abiti, soprattutto nella foggia e nei colori del soprabito, è ammessa.
Inizialmente apparsi in Germania nel XVII secolo, i nani da giardino sono stati importati nel Regno Unito nel 1874 da un certo sir Charles Isham, che da un viaggio in Germania portò con sé ben ventuno personaggi in terracotta, disponendoli come ornamento del giardino della sua casa nel Northamptonshire.
Oggi, esistono diverse qualità di nani da giardino, dalla scultura autentica alla statua in plastica prodotta industrialmente. A volte, ai nani da giardino, è abbinata una Biancaneve, le cui fattezze sono ispirate alla Biancaneve di Walt Disney.
Negli ultimi decenni del XX secolo si è sviluppato un movimento spontaneo per la “liberazione” dei nani da giardino, a partire dalla con stazione che i nani messi in mostra in un’ostentata immobilità fossero delle povere “anime” prigioniere, cui doveva essere donata la libertà.
A partire da queste origini “spontanee”, si è costituito il Fronte [internazionale] di Liberazione Nani da Giardino (FLNG), di ispirazione “goliardica”, con lo scopo programmatico di liberare i nani da giardino. Secondo gli aderenti, i nani, essendo completamente indifesi, sono preda di malvagie persone che li imprigionano nei loro giardini; e, essendo creature nate nei boschi, soffrono enormemente nel dover vivere intrappolati nei giardini, costretti a mostrare con i sorrisi stereotipati che hanno dipinti sul volto una finta allegria.
I nani liberati, secondo il manifesto del FLNG è quello di riportare i nani nel loro habitat naturale.
Si ritiene che i nani ricambino la gioia della ritrovata libertà, portando fortuna al loro liberatore. Alcuni potrebbero sorridere dopo aver letto queste parole e sentirsi presi in giro da quella che ha tutta l’aria di una bufala.
No, invece: il movimento esiste davvero.
Ha un suo sito web che offre anche delle mappe, contenenti indicazioni sui luoghi in cui vi sono dei nani da liberare e un bollettino, tenuto costantemente aggiornato sui nani liberati, alcuni dei quali vengono spinti ad intraprendere il giro del mondo o viaggi più o meno lunghi, dei quali viene fornita frequentemente anche documentazione fotografica. Il FLNG affonda le proprie radici in Francia, intorno alla metà degli anni novanta e da lì si è espanso sempre più, oltrepassando anche i confini francesi ed approdando anche in Italia dove però i liberatori non si limitano a "riportare" i nani nel bosco come in Francia, ma provvedono anche a liberare le lo loro anime dalla prigione in gesso in cui sono racchiuse, rompendoli (ed evitando così una nuova cattura).
L’organismo italiano si chiama MALAG (Movimento Autonomo Liberazione Anime da Giardino) e possiede pure un suo sito web (dove si possono anche leggere notizie di nani da giardino liberati che stanno compiendo il giro del mondo). In Germania, esiste un movimento simile, ma forse (virtualmente) più cruento che si è auto battezzato Fronte per L'Olocausto dei nani: è volto infatti all'eliminazione dei nani da giardino anziché alla sola liberazione. Gli aderenti a questo movimento sono spesso sono protagonisti di atti clamorosi, quali ad esempio il sequestro, la decapitazione e l'esposizione pubblica dei nani rapiti. E’ recente la notizia di sette nani da giardino decapitati (evento verificatosi circa un anno fa a Ponzano, Pordenone).
Ma, senza andare a scomodare, questi inquietanti estremismi che rimandano a forme di giustizialismo cruento ed intollerante, piace forse conservare come sintesi gentile di questo movimento una delle “storie” narrate nel film “Amelie”, in cui la stessa Amelie rapisce uno dei nani dei giardino del padre (che ne possiede un’intera collezione) e, affidandolo ad un’amica hostess, lo fa viaggiare attorno al mondo, con una precisa e puntuale documentazione fotografica polaroid che il padre di Amelie riceve puntualmente a casa e che gli mostra il suo nano da giardino “liberato” in visita ai principali monumenti delle capitali dei cinque continenti: compiuto il giro del mondo il nano da giardino farà ritorno al punto di partenza.
Chiunque quindi potrebbe imbattersi in un nano da giardino “liberato”.
Se ne incontrate uno per strada lasciatelo libero, perché è sicuramente uscito dalle ristrettezze del suo giardino e sta viaggiando orse in giro per il mondo oppure, semplicemente cerca casa: di un anno fa la notizia che si cercava una dimora per 1500 nani da giardino liberati in Australia.

Qualche giorno fa ho incontrato un nano da giardino liberato: questo è il piccolo racconto che ho scritto per illustrare l'evento.

L'altro giorno ho incontrato un nano da giardino liberato. Camminavo con la mia auto diretto al mare, in un bel mattino di fine novembre, quando al passaggio mi è sembrato di intravedere qualcosa sulla linea bianca che segna il limite della carreggiata.
Qualcosa? No, sarebbe meglio dire una personcina...
Un minuscolo autostoppista, forse... Uno sguardo veloce nello specchietto me lo ha confermato. Ho piantato i freni, malgrado il traffico e sono schizzato giù, percorrendo alcune decine di metri di corsa dal punto in cui mi ero fermato. Ecco: era un nanetto da giardino, girato nel senso di marcia dell'auto, dunque in direzione del mare, dove ero diretto pure io.
Tutto è fatidico. "Avrà un senso, quest'incontro" - ho pensato
Il nanetto di plastica, alto poco meno di 10 centimetri, era disegnato con i colori canonici, ma aveva anche un paio di occhialetti e un libro sotto il braccio.
Era dunque un Dotto!
Forse era un Dotto liberato dal Fronte internazionale per la liberazione delle Anime da giardino o dal nostrano MALAG (o forse liberato personalmente da Amelie) e lasciato lì on the road a sbrigarsela da solo: forse, stava per iniziare a percorrere l'intero giro del mondo...
Quanti forse!!!
L'ho preso con me.
Soltanto dopo ho realizzato che, così facendo, stavo traendo il povero nano nuovamente in schiavitù, privandolo di quell'empito di libertà che aveva sperimentato soltanto per poco (il suo minuto corpicino non recava i segni di una lunga permanenza sulla strada: quando l'ho incontrato doveva essersi appena incamminato...).
Mi son detto che sarebbe stato soltanto per poco e che di lì a poco lo avrei liberato. Intanto, a scaricarmi la coscienza dal peso di questi muti rimproveri, l'ho portato con me al mare, assecondando i suoi desideri.
Arrivati sulla spiaggia l'ho posato proprio al limitare della risacca e lui era lì che contemplava incantato il mare, i frangenti, i gabbiani, il cielo azzurro le leggere nuvole cotonose.
Per quanto lo girassi anche verso di me che stavo alle sue spalle, si rigirava di nuovo per rimimare il mare: c'era molta nostalgia in questosuo volgersi verso l'orizzonte lontano. Forse nella sua schiavitù aveva sempre sognato il vasto mare o addirittura l'oceano...
Poi, l'ho portato con me e ho provato a fargli assaggiare il mio prosecco...
Insomma, l'ho davvero considerato un mio pari, un temporaneo ospite.
Da alcuni giorni il nano da giardino è con me: in questo momento mi guarda mentre io batto sulla tastiera.
Di notte, silenziosamente, quando nessuno lo vede, apre il libro che tiene sotto il braccio e legge qualche pagina di antica saggezza.
Lo dovrò liberare presto, per onorare la mia promessa.
Mi piace pensare che si metterà sulla strada per fare il giro del mondo...
Stai tranquillo, nano, ti ridarò la libertà che hai conquistato a duro prezzo, ma intanto non posso fare a meno di apprezzare la tua compagnia quieta e silenziosa.
Che non sia io stesso un nano da giardino?
O forse lo sono stato in una vita precedente.
Non so...
Ho sempre desiderato di poter fare il giro del mondo in un'unica tirata...
Aspetto di essere liberato per partire...

Bisogna anche chiedersi se i nani da giardino abbiano tutta questa voglia di essere liberati: in fondo, il movimento per la loro liberazione si basa su d’una presunzione, cioè che essi vogliano essere liberi…
Ma forse non è così…
Ricordiamoci di uno degli episodi della saga del maghetto Harry Potter.
Hermyone Granger scopre con grande disappunto che i maghi – anche quelli buoni - si servono degli Elfi domestici, che hanno con loro un rapporto molto rigido, servo/padrone. Questo rapporto può essere tuttavia spezzato: è sufficiente regalare un oggetto qualsiasi - anche di scarso valore - ad un elfo domestico per tramutarlo in “liberto”, susctando in lui più che manifestazioni di gioia, espressioni di sommo disappunto. Gli Elfi domestici, infatti non vedono altra possibilità di rapportarsi con i maghi, se non questa e non riescono a concepire di avere con essi un rapporto da pari a pari.
Hermyone, sulla base della sua convinzione di essere nel giusto, vuole portare una ventata di democrazia nel mondo degli Elfi domestici e attiva un “movimento per la liberazione degli Elfi domestici” che si propone appunto di liberare un elfo ogni volta che sia possibile.
Come? Facendogli un dono: ma il più delle volte in questa sua azione idealistica, non trova riconoscenza, ma solo rimbrotti.
I nani da giardino la fanno da protagonisti, proprio alle prese con una migrazione e un cambio di casa, assieme a gerbilli e ad altri animaletti domestici, in un bel racconto favolistico di Margherita Oggero (Così parlo il nano da giardino, Einaudi, 2006), di recente riedito con delle accattivanti e incantevoli illustrazioni di Guido Pigni. E’ lecito pensare, per aprire ulteriori scenari, che i nani da giardino possano liberarsi da soli e da soli partirsene per una migrazione da un luogo all’altro o per un viaggio intorno al mondo, nel corso del quale possono fermarsi per condividere alcuni momenti, più o meno o lunghi, con degli ospiti “sensibili” che comprendano le loro esigenze.
I nani, in una dimensione simbolica, come gli gnomi, loro congeneri, rappresentano in qualche misura un’integrazione complementare alla figura dell’angelo.

L’Angelo (e l’Elfo nella mitologia nordica) sta al cielo e alla trascendenza, come il Nano sta alla Terra.
Come l’Angelo è etereo e rarefatto, così il Nano è terragnolo.
Mentre l’Angelo è perfetto e incorporeo, il Nano è profondamente legato alla sua corporeità imperfetta e alle sue radici.
Mentre l’Angelo conosce i segreti del Cielo, il Nano terragnolo conosce quelli della Terra, è capace di scavarla e di trarne tesori incommensurabili, come gemme e metalli preziosi.
Se l’Angelo fa da tramite tra il Cielo e la Terra, il Nano porta all’uomo i segreti antichi della lavorazione degli elementi e della loro trasformazione e, in questo senso, è il prototipo e il precursore dell'Homo faber.
Per questi motivi, i Nani meritano rispetto, così come gli Angeli, di cui sono la controparte indispensabile.
Tra gli Angeli e i Nani, ci siamo noi, gli Umani, ai quali entrambi portano alternativamente i propri doni, se soltanto sappiamo comprenderli.
Anche gli Angeli, più volte raffigurati nella pittura e nella statuaria, siderati sulle pareti e sui tetti delle chiese in pose sublimi, potrebbero desiderare di liberarsi dalle loro catene e di scendere a terra, mescolandosi agli uomini: è esattamente così che comincia lo straordinario film di Wenders, Il cielo sopra Berlino.
In fondo, dividiamo egualmente la natura dell'Angelo e del Nano.

Cani e gatti - Frida e l'accappatoio

2010-11-29T09:02:00.002+01:00

L'altro giorno, di primo mattino, c'è stato un violento acquazzone e durante la corsa mattutina ce lo siamo beccato tutto, io e Frida.
Al ritorno, Frida era zuppa e sgocciolava acqua da tutte le parti, a rivoli.
Per questo motivo, le è stato precluso l'ingresso in casa e, contemporaneamente, come misura straordinaria, è stata paludata in un vecchio accappatoio appartenuto un tempo a qualche bambino e ora riciclato come accappatoio per cane.
Frida, come altre volte, non era molto felice di doverlo indossare, ma si è dovuta rassegnare, facendo buon viso a cattivo gioco...

"Guardate a cosa mi costringe il mio padrone" - sembra dire con il suo sguardo umido.

Poi, tale era la sua insofferenza, che alla fine è riuscita a sfliaserlo e se ne è scappata su per le scale del condominio, trascinandoselo con sé.
L'accappatoio ho dovuto recuperarlo qualche piano più su.

The way I was - Carcò, il mio compagno di banco di III

2010-11-18T16:39:00.005+01:00

Uno dei temi frequentemente assegnati dai maestri ai ragazzini delle Scuole primarie (un tempo "elementari) alle prese con i primi e faticosi cimenti della scrittura è relativo alla descrizione del mondo che circonda i bambini, l'immediato "vicino", anche nel senso antropologico del termine.

Un esempio di composizione, attinto dai miei personali ricordi:

Il mio compagno di banco
si chiama Carcò
Ha gli occhi marrone.
Ha i pantaloni marroni
Porta un maglione marrone
e ha le scarpe e le calze marroni

Fu il testo di un mio tema quando ero - se non ricordo male - in 3^ elementare.

Il titolo che ci aveva assegnato il maestro era: "Descrivi il tuo compagno di banco".

La mia composizione si distingue per la stringatezza ("stitichezza" compositiva, soleva dire mia madre raccontando l'episodio) e monotematicità.Parrebbe cheio vedessi il mio compagno di banco come un pezzo di cacca, né più né meno (considerando la profusione di marrone), forse perchè fui sollecitato dall'assonanza tra "carcò" e "cacò" (passato remoto del verbo "cacare") con un istintivo e spontaneo spostamento verso la "cacca", amata/odiata.

"Cacca", da piccolo, parola amata: spesso solevo dire, arrivando a casa dei nonni, provocatoriamente (o forse soltanto perchè lo trovavo divertente o perchè così ritenevo di manifestare il mio affetto), "Nonno Totò e Nonna Ia, cacca e pipì!".

Ma anche odiata: la nonna sentendomi pronunciare a ripetizione queste parole esortava mia madre a punirmi, pungendomi la lingua con uno spillo.Lei diceva che sì, l'avrebbe fatto ma poi non eseguiva mai. Cionondimeno io ero terrorizzato, ma non per questo riuscivo a tenere a freno la mia linguaccia.

Mia madre raccontava questa storiella su Carcò tutto marrone e ogni volta si faceva grasse risate, commentando: "Chi l'avrebbe mai detto che, dopo, da grande, ti sarebbe venuta la passione per la scrittura!".

Mi raccontava anche che, dopo quel tema, il maestro la chiamò per discutere con lei di questa mia scrittura "stitica" e monocorde,lamentandosi della mia scarsa fantasia e della mia pigrizia nell'aggiungere alla mia composizione altre parole che rendessero il racconto un po' più corposo.

Ed ora - mi chiedo - dove sarà finito il buon Carcò (di cui non ricordo nemmeno il nome)?

Con Unstoppable di Tony Scott un bell'esempio di cinematografia "ferroviaria".

2010-11-17T18:33:00.007+01:00

Con Unstoppable. Fuori controllo (di Tony Scott, USA, 2010) abbiamo modo di vedere un film di azione "ferroviaria". Ferrovie e treni in corsa hanno da sempre attratto i cineasti, sin dagli esordi della cinematografia, soprattutto perche le riprese dei film in movimento con la loro specifica cinematica ben si prestavano a creare effetti di "presenza" in sala di proiezione di rara efficacia e vividezza., in un connubio fertile tra le futuristiche macchine e vapore e la nacente cinematografia, arte legata in modo stretto alla ripresa di oggetti e persone in azione e, dunque, alla velocità e alla modernità.

Basti pensare ai numerosi esempi di questo tipo che punteggiano la storia del cinema, sia nell'ambito della cinematografia "seria" sia nelle comiche e nelle commedie.

Con i film di treni si è creato così un vero e proprio sotto-genere che percorre trasversalmente tutti i diversi ambiti "codificati" della cinematografia e che, nello stesso tempo, segue longitudinalmente la storia del cinema stessa.

Una regola accomuna tuttavia questi film: sempre, sin dagli esordi, le riprese - per essere efficaci nel loro impatto sul pubblco - dovevano riguardare "veri" treni in movimento. Ed è così tutt'ora: era ben più rimarchevole che ciò avvenisse agli esordi della cinematografia.

Ed è così che si giunge a quest'ultimo esemplare realizzato da Tony Scott, fratello del grande Ridley e maestro della cinematografia di movimento e di azione: per alcuni un vero autore cult.
La storia è semplice: un enorme convoglio merci si avvia - per una serie di sfortunate coincidenze - a lungo un binario, in accelerazione e senza nessun pilota a bordo. La sua traiettoria lo porterà ad attraversare la città di Stanton, Pensylvania, fittamente popolata piena di impianti che trattano sostanze pericolose. Lo stesso treno trasporta numerosi vagoni contenenti una sostanza chimica altamente tossica.

Inizia una corsa contro il tempo per cercare di fermare il convoglio. Falliscono i tentativi della dirigenza della Compagnia ferroviaria che, per limitare il possibile danno, dispone alcune misure sostanzialmente poco efficaci e che, nello stesso tempo, diffida dei suggerimenti e delle ipotesi ventilate dalle persone sul campo.

La soluzione verrà data da un macchinista "veterano dei veterani" (un Denzel Washington un po' imbolsito) che, alla guida del suo locomotore e, avendo a bordo, un capotreno novellino, neo-assunto (Chris Pine) parte a tutto gas all'inseguimento del convoglio fuori controllo per cercare di acchiapparlo da dietro.
Le riprese d'azione si fanno via via più coinvolgenti ed emozionanti man man che il convoglio macina i chilometri e, sino all'ultimo, lo spettatore rimane con il cuore in gola, mentre al passaggio del treno c'è l'inevitabile contorno di automezzi investiti e ribaltati, il dispiegarsi d'un mastodontico schieramento di polizia e Vigili del fuoco che isolano la zona per vietare l'accesso a tutta la popolazione civile e la massiccia copertura mediatica che solo gli Americani USA sono capaci di mettere in campo.
La parte debole del film - debole perchè si perde in luoghi comuni e dialoghi scontati - riscattata tuttavia dall'efficacia e dall'intensità delle scene di movimento è quella dei colloqui tra i due nella cabina di pilotaggio del locomotore che, alla fine, salverà la situazione: nei dialoghi va in scena, in modi un po' scontati, il confronto tra un veterano del lavoro ferroviario e tra un giovane neo-assunto, un pivellino che deve la sua assunzione al fatto di portare un cognome importante per la dirigenza (quindi, una specie di "raccomandato"), un confronto che, dopo la fase dell'insofferenza, dell'incomprensione, del dileggio e della mancanza di stima, si tramuterà alla fine in reciproco rispetto: ma entrambi sono piccoli proletari, onesti lavoratori, che - pur bistrattati dal proprio datore di lavoro e sfiduciati da esso - in modo molto "americano" sono pronti a rischiare il tutto per tutto per essere degli eroi.
Il film si basa su di una storia realmente accaduta in una zona della Pennsylvania, negli USA.

Scheda Film
Un film di Tony Scott
Interpeti principali: Denzel Washington, Chris Pine, Rosario Dawson, Ethan Suplee, Kevin Dunn, Kevin Corrigan, Kevin Chapman, Lew Temple, T.J. Miller, Jessy Schram, David Warshofsky, Andy Umberger, Victor Gojcaj, Adam Kroloff, Maxx Hennard, Eric Unger, Scott A. Martin, Christopher Stadulis, Kevin McClatchy, Joshua Elijah Reese, Jeff Wincott, Paul Vasquez, Elizabeth Mathis, Meagan Tandy, Keith Michael Gregory, Patrick McDade, A.J. Verel, L. Derek Leonidoff
Titolo originale: Unstoppable
Genere:Azione, durata 99 min.
USA 2010. - 20th Century Fox
Uscita venerdì 12 novembre 2010.

"La psichiatra", opera d'esordio di Wulf Dorn: uno psycho-thriller davvero ben costruito

2010-11-14T13:47:00.008+01:00

Lo psycho-thriller è un sotto-genere della più ampia categoria letteraria e cinematografica del thriller che accoglie in sè, tuttavia, anche elementi propri del mistery e del dramma (tipici e fondanti del thriller, non semplicemente d'azione), ma anche elementi ascriibili tout court più propriamente alla letteratura horror.
La psichiatra (dell'esordiente Wulf Dorn, publicato in Italia per i tipi di Corbaccio, 2010), che in Germania - grazie al passaparola tra i lettori - ha avuto un enorme successo di pubblico, appartiene appunto alla categoria del psychothriller, con elementi che all'inizio farebbero pensare al medical thriller, dal momento che l'esordio della narrazione è l'inquietante rapporto che si stabilisce tra una dottoressa, Ellen Roth, psichiatra molto apprezzata in una grande clinica privata (l'immaginaria Waldklinik) ed una misteriorsa paziente che sembra essere reduce da maltrattamenti e abusi (le appare sporca e ricoperta di lividi, alla prima visita) e che se ne sta rannicchiata, muta e spaurita, nell'angolo della stanza che le è stata assegnata. Chi è l'Uomo Nero che l'avrebbe maltrattata e sul conto del quale la misteriosa donna pronuncia delle frasi smozzicate, riottosa a qualsiasi tentativo di stabilire un contatto con lei??
Ellen Roth cerca di approfondire la questione, entrando maggiormente in contatto con la paziente, senonchè costei misteriosamente scompare, così come altrettanto misteriosamente era giunta nella Clinica il giorno prima (nessuno l'aveva vista, né ne serbava memoria).
Viceversa, compare un misterioso personaggio che prende a vessare la stessa dottoressa, sollecitandola ad andare avanti in una ricerca sempre più frenetica nel tentativo di salvare la donna scomparsa e, nello stesso tempo, mettendola in un confronto stretto con la convinzione degli altri che sia lei a manifestare segni di follia, forse perchè è sottoposta ad uno stress eccessivo.
Da thriller medico-psichiatrico lo scenario si trasforma in quello di uno psycho-thriller, leggendo il quale si scende nelle profondità insondabili di una mente umana gravemente turbata in uno scenario sempre più da incubo e il lettore, costretto a doversi calare verso il cuore oscuro di una follia antica, è trasportato con numerosi colpi di scena vieppiù incalzanti verso la soluzione del mistero.
Sul quale, ovviamente, non si può dire nulla, per non rovinare ai lettori il piacere della scoperta.
La narrazione di Dorn procede con grande slancio sino ad un certo punto, poi, rallenta: il punto debole di ogni psycho-thriller è il momento delle spiegazioni psicopatologiche, secondo una tradizione messa a punto , in modo magistrale, da Hitchcock con il suo celebrato Psycho che culmina con la descrizione icastica della follia profonda di Anthony Perkins e del suo sdoppiamento di personalità.
Ma la spiegazione psicopatologica - per essere efficace - deve essere data in modo fulminante, senza dare al lettore il tempo di razionalizzare: c'è il rischio altrimenti di fare scadere la propria narrazione alla pagina di un testo di psicopatologia oppure a quella di un volume di casi clinici.
Il romanzo di Dorn che rivela di possedere una grande maestria narrativa, con una scrittura agile ed incisiva, fornisce un'esemplificazione paradigmatica delle tematiche riguardanti il maltrattamento e l'abuso dell'infanzia, gli stati dissociativi della mente, l'incidenza di stati allucinatori e di tematiche deliranti nell'influenzare pesantemente il rapporto con la realtà, tematiche che, peraltro, l'Autore conosce bene per via del suo lavoro come logopedista presso una struttura psichiatrica.

Sintesi del romanzo (dal risguardo di copertina)
Lavorare in un ospedale psichiatrico è difficile. Ogni giorno la dottoressa Ellen Roth si scontra con un'umanità reietta, con la sofferenza più indicibile, con il buio della mente. Tuttavia, a questo caso non era preparata: la stanza numero 7 è satura di terrore, la paziente rannicchiata ai suoi piedi è stata picchiata, seviziata. È chiusa in se stessa, mugola parole senza senso. Dice che l'Uomo Nero la sta cercando. La sua voce è raccapricciante, è la voce di una bambina in un corpo di donna: le sussurra che adesso prenderà anche lei, Ellen, perché nessuno può sfuggire all'Uomo Nero. E quando il giorno dopo la paziente scompare dall'ospedale senza lasciare traccia, per Ellen incomincia l'incubo. Nessuno l'ha vista uscire, nessuno l'aveva vista entrare. Ellen la vuole rintracciare a tutti i costi ma viene coinvolta in un macabro gioco da cui non sa come uscire. Chi è quella donna? Cosa le è successo? E chi è veramente l'Uomo Nero? Ellen non può far altro che tentare di mettere insieme le tessere di un puzzle diabolico, mentre precipita in un abisso di violenza, paranoia e angoscia. Eppure sa che, alla fine, tutti i nodi verranno al pettine...

Wulf Dorn (Germania) è nato nel 1969. Ha studiato lingue e per anni ha lavorato come logopedista per la riabilitazione del linguaggio in pazienti psichiatrici. vive con la moglie e il gatto vicino a Ulm, in Germania.

La psichiatra è il suo primo romanzo ed è diventato un successo grazie al passaparola dei lettori.

Diario Islandese. Appunti di viaggio dell'estate del 2007

2010-10-25T09:24:00.014+02:00

Quelli che seguono sono gli appunti che andavo scrivendo sul PC portatile, durante il viaggio in Islanda nell’estate 2007.
Ero già stato in Islanda, tantissimi anni prima (una vita prima, si potrebbe dire) ed è stata una grande emozione tornarci.
Ho rivisto alcune cose che mi erano già note e che, ciò nonostante, mi sono sembrate diverse, perché tanto acqua era trascorsa nel frattempo anche per me.
Ma ho visto anche dei posti assolutamente nuovi.
Diverso è stato il modo di viaggiare: allora, con pochi mezzi, viaggiavo a piedi e in autostop, pernottando negli ostelli e in scuole durante la pausa estiva attrezzate come foresteria: questa volta con un auto a noleggio.
Nel corso di circa 10 giorni, abbiamo compiuto l’intero periplo dell’Islanda, spingendosi sino alla remota regione dei fiordi nord-occidentali.
E’ stata una splendida esperienza: la sua bellezza è consistita soprattutto nel fatto che questa volta c’era con me mio figlio, ormai abbastanza grande per potere apprezzare un viaggio “on the road” e un po’ avventuroso.
Una sorta di passaggio generazionale: anche se, a conti fatti, non so se il viaggio gli sia veramente piaciuto o se, piuttosto, non si sia annoiato.
Riguardando le foto che feci durante il viaggio, la mia impressione è che si sia divertito: ha sempre un volto disteso e sereno, corre, ride, fa le smorfie (quelle smorfie che ci fotografavamo a vicenda, sghignazzando poi a crepapelle per quelle che venivano più buffe e grottesche). Può anche darsi di no: ma questo sinceramente non lo posso dire.
Voglio sperare che il viaggio gli sia piaciuto e che un giorno se ne possa ricordare con piacere e magari anche con un pizzico di nostalgia, al punto da desiderare di poter ritornare negli stessi luoghi, così come ho fatto io a distanza di quasi trent'anni.
Cosa mi ha spinto a tornare alla ricerca di questi appunti islandesi? Tempo fa e di nuovo recentemente ho guardato un video dei Sigur Ross, un gruppo musicale islandese: il film racconta appunto il loro ritorno in terra d'islanda, nella loro Terra, dopo una lunga tournée musicale all'estero. Per celebrare questo ritorno, i Sigur Ross decisero di portare il loro concerto in tour per i luoghi più significativi e simbolici dell'Islanda, con una serie di spettacoli gratuiti realizzati solo per il puro piacere di farli, facendoli divenire spunto per stare assieme alla gente del posto (la loro gente) in una meravigliosa esperienza di condivisione.
Guardando il film, in diverse circostanze ho avuto modo di vedere ogni volta, gli stessi luoghi attraverso cui ero passato.
E anch'io ho sperimentato la nostalgia di quei luoghi e, per questo, sono voluto andare alla ricerca delle mie impressioni di viaggio, per ricalarmi dentro quell'atmosfera.
Il CD (con DVD) dei Sigur Ross, significativamente si chiama "Heima" (Patria) e lo consiglio vivamente a tutti quanti.
Se non si è ancora avuta l'opportunità di viaggiare attraverso l'Islanda, vederlo fa venire la voglia di farlo, immediatamente.
Questo il link su uno dei passaggi contenuti nel film.

Le chiese di Rejkyavik

Ci sono poche chiese qui a Reykjavik: una cattolica, una luterana, e due o tre minori. la popolazione della città, capitale dell'Islanda, assomma da sola a quasi il 70% del totale degli abitanti dell'intera isola (circa 115.000 su 300.000).
In Italia e nei paesi cattolici per servire la stessa popolazione ci sarebbero decine di edifici sacri.
Forse questa sobrietà deriva dalle caratteristiche di un popolo che ha sempre dovuto sottrarre faticosamente alla natura tutto ciò che serviva per andare avanti. Poche chiese costruite in pietra o in cemento: questi ultimi costruiti in epoca recente come, ad esempio, la Haldimirkja Kirkja costruita proprio alle spalle del monumento di inizio secolo dedicato al navigatore vichingo che secondo le scritture delle antiche saghe islandesi si sarebbe spinto sino alla mitica Vinland, l'odierna Terranova.
Che siano di antica costruzione o di moderna fattura (come quelle severamente rappresentate nei quartieri residenziali della città di più recente costruzione), esprimono - questi edifici - una grande sacralità senza pompa, ispirate come sono alla sobrietà pur nella solidità della costruzione: il loro stile neo-gotico trasmette al visitatore un'immediata sensazione di ascesa verso l'alto, anche se - nello stesso tempo - la grande luminosità degli interni esprime il desiderio (dei costruttori e dei fedeli che le frequentano) e il bisogno ben più antico di captare il sole, di esserne inondati dai suoi raggi.
I loro pavimenti di pietra, rallegrati da fasci di luce che piovono copiosi dalle strette vetrate, non comunicano una sensazione di freddo, bensì di calore e di conforto.

.

2.
Contro il freddo ed il buio, allegria e affabilità di modi

Gli Islandesi sono un popolo allegro, gentile, affabile: sostituiscono con il calore dei modi e con lo slancio nei confronti dell'altro ciò che la natura non ha dato loro.
Vivono in un paese freddo e buio per gran parte dell'anno: un islandese ha confidato ad un viaggiatore, proveniente da un paese molto più a sud ed appena giunto nella sua terra, che l'estate - per loro - è una stagione davvero effimera, soprattutto per quanto riguarda la possibilità di godere in pieno della luce del sole. Trascorsi appena quattro mesi (da maggio a fine agosto, quando le giornate sono lunghissime perché il sole non scende mai sotto la linea dell'orizzonte - maggio e giugno - oppure scende di poco per ripresentarsi dopo poche ore appena di una notte che non diventa mai veramente buia), le giornate (intese come ore di luce disponibili) si fanno sempre più brevi, sino al periodo triste e buio della parte centrale dell'inverno (dicembre-gennaio), quando il sole sorge a mezzogiorno per tramontare definitivamente attorno alle tre del pomeriggio (una nozione che, per chi vive in uno dei paesi che s’affacciano sul Mediterraneo, è davvero quasi impensabile).
Il buio, privando della percezione dei colori primari (che sono intimamente connessi con le emozioni) accresce la sensazione di freddo e desolazione. Forse per questo le case vengono dipinte di colori vivaci che con la loro brillantezza servono a ricordare la ricchezza della gamma cromatica dell’arcobaleno. Agli Islandesi non rimane altro da fare che riscaldarsi il cuore di gentilezza e buon umore. Per questo, è così frequente vedere un bel sorriso aleggiare sulle loro labbra. Altri non ce la fanno a sopravvivere al gelo dell'inverno e si tuffano nella consolazione effimera, ma devastante, dell'alcool.
Qui, a differenza di quanto accade presso altri popoli scandinavi in cui i cittadini sembrano chiudersi in un cupo isolamento, la salvezza viene dalla solidarietà reciproca e dall’operosità, qualità che contraddistinguono il popolo dell'Islanda, da sempre abituato ad una dura lotta per la sopravvivenza contro un ambiente ostile. Le temperature invernali non sono poi così rigide come in altri paesi del Nord, perché qui si sente l'effetto benefico della Corrente del golfo che stempera i rigori della latitudine (la Groenlandia che si spinge molto più a sud è ben più inospitale, proprio perché non ne è lambita) e non scendono mai al disotto dai -5° ai -10° (e, in alcune aree, come nella capitale Rejkyavik, è raro che scenda al disotto di +5°).
Il freddo, mescolato al buio della lunga notte artica (a volte ravvivato - come ricompensa - dalle fantasmagorie delle aurore boreali), tempra gli animi degli indigeni, rendendoli propensi a gioire del più piccolo raggio di sole e delle prime fioriture di primavera che quando è il momento giungono rigogliose. E' anche per questo che amano circondarsi, d’inverno, di piante e fiori finti (che cambiano ogni giorno, come se fossero freschi, appena colti) e di corone di rametti intrecciate con filari di lucine colorate e, d’estate, di piante da fiore: camminando per le loro città nel corso dei mesi estivi, è possibile ammirare meravigliose aiuole fiorite che trattengono e poi rilasciano in vivaci scale cromatiche il sole, anche nelle giornate in cui questo rimane nascosto da un cielo corruscato di nubi. Considerando le ristrettezze climatiche cui gli Islandesi sono sottoposti per “obbligo” di nascita, uno che vive a sud e che ha avuto il dono del sole pieno (in modo del tutto gratuito) per quasi 365 giorni all'anno, in fondo, non dovrebbe arrogarsi il diritto di lamentarsi se nel posto in cui vive fa troppo caldo d'estate, proprio prendendo ad esempio questo popolo del nord che, di anno in anno, d’inverno deve accontentarsi di quelle tre stentate ore di sole e sa attendere con pazienza e serenità d’animo l'arrivo dell'estate per poi godersela tutta in ogni singolo istante, come un dono prezioso del cielo e della sorte.

3.
Correre nel cuore dell’Islanda

Dopo una notte trascorsa in una guest house nel cuore dell’Islanda (a 28 km dalle imponenti cascate di Dettifoss, a nord ovest del Vatnajokull –il ghiacciaio più grande d’Europa), appena sveglio e animato da buona volontà, indosso indumenti e scarpette da corsa e me ne vado a fare un po’ di jogging. Fa freddo, perbacco!, come in uno dei nostri più freddi giorni invernali, tira un vento gelido e cade un’acquerugiola sottile ed impalpabile, la peggior forma di pioggia, perché non te ne accorgi quasi e subito senza capire come finisci con l’essere tutto inzuppato. La casetta a due piani in cui siamo stati ospitati è una tipica casa agricola islandese, tutta di legno, funzionale ed accogliente – per quanto antiquata, con il tetto spiovente, una ripida scaletta che conduce alle basse stanze da letto, confortevoli come tane; una costruzione al margine di un gruppetto di altre case simili e di edifici agricoli, al centro del nulla: da ogni parte si stende a perdita d’occhio un paesaggio sconfinato, piatto e vuoto e questa sensazione è accresciuta dal grigiore uniforme del cielo, dal fatto che niente sia in vista, e oggi nemmeno un animale intento al pascolo, benché queste siano fattorie agricole che hanno al centro della loro attività proprio la pastorizia. Per nulla contento d’immergermi in questo gelo, abbandonando il caldo confortevole della casetta-bomboniera che mi fa pensare a quella di Dorothy del mago di Oz, muovo i primi passi di corsa, volgendo le spalle al conforto delle abitazioni che, con il biancore delle pareti ed i vivaci colori di cui sono dipinti i tetti, risaltano nettamente sul grigiore del cielo e sul nero dei detriti lavici che occhieggiano tra le maglie dal rivestimento di stenta vegetazione che ricopre il terreno. Mi allontano, dunque, dalla piccola isola di civiltà, con un groppo in gola. Penso: potrei perdermi, non ritrovare più la via di casa e smarrirmi in questo nulla che sembra infinito.
Dopo alcune centinaia di metri lungo lo sterrato dal fondo di detriti lavici, nero e brullo, mi giro indietro a guardare e già le case non si vedono più, come inghiottite da un nulla minaccioso.
Continuo ad andare avanti: non un auto, non un rumore che indichi la presenza umana o delle bestie. Soltanto il fischio del vento nelle orecchie che canta ossessivamente la stessa strofa ed il rumore dei miei passi. Vado avanti per oltre mezzora e la sensazione angustiante d’essere immerso nel nulla, in un vuoto angoscioso, si fa sempre più forte ed intensa. Penso che non ho nemmeno il telefonino per chiamare qualcuno in aiuto se davvero dovessi perdermi, immagino scene tragiche, mi vedo intento a vagare senza costrutto per queste lande desolate, sino a morire di fame e di stenti. In questi casi, avere una fervida fantasia non è certo d’aiuto… Penso a come debba essere dura la vita di questi farmer islandesi che se ne stanno a vivere e a lavorare praticamente al centro del nulla. Penso alla benedizione della luce del sole quando il cielo non è coperto dalla coltre minacciosa di nubi. Mi viene da pensare anche a come deve essere duro abitare (e lavorare duramente) in queste lande d’inverno quando la luce del sole è così scarna e arriva con la sua benedizione soltanto poche ore al giorno.
Forse per questo gli islandesi amano addobbare le loro case con fiori anche finti (non importa) per avere chiazze di colore che rimandino all’idea della vita che brulica e palpita con i suoi mille colori e di lucine colorate e sfavillanti che tengono sempre pronte per accenderle anche al di fuori del periodo natalizio.
Quando faccio ritorno (anche se, in effetti, non ce ne sarebbe stato bisogno, all’andata avevo preso una serie di punti di riferimento per non smarrirmi) sono quasi contento di rivedere le casette tutte colorate che prima mi ero lasciate alle spalle: sotto il cielo corruscato ed immenso, sembrano piccine piccine, come i pezzi di un gioco di bambini, eppure sono tremendamente confortevoli e rassicuranti.
Due cani mi corrono incontri festosi per accogliermi e giocare a rincorrersi accanto a me, in un turbinio di vitale gioiosità.
(Dettifoss, il 11.08.2007)

4.
Correre in Islanda: alba, pecore e vento

Ricevo il saluto di un’alba dai colori strepitosi: il cielo si stria di rosa carico.
Poi, nell’ora in cui usciamo per correre un po’, sorge il sole. Il giorno della maratona di Rejkyavik s’avvicina e occorre tenersi in gamba… Siamo soltanto noi, io e Paola: il nostro albergo si trova su d’una strada asfaltata, ma, siccome siamo in un posto isolato per raggiungere il quale abbiamo percorso qualcosa come 400 chilometri in un'unica tirata, è come se fosse una baita di montagna. In queste prime ore del giorno, a voler essere generosi, passerà forse un auto ogni mezzora.

La strada, illuminata dai raggi radenti del sole che fanno tanta allegria è, dunque, tutta nostra. Senza alcun pericolo potremmo, volendo, correre al centro della carreggiata senza temere alcun male da parte di automobilisti dissennati. Ma - da bravi podisti - corriamo lungo il margine dell’asfalto tenendoci contromano: le abitudini di prudenza sono dure a morire.
Siamo soltanto noi: non è esatto, a dire il vero.
Oltre a noi, ci sono miriadi di paperelle che nuotano di primo mattino nelle acque increspate del fiordo la dove si frangono in lievi ondine su strette strisce di sabbia, con la compagnia di alcuni gabbiani che volteggiano capricciosamente e, infine, le pecorelle.
Già, le pecorelle, qui in Islanda, hanno un posto d’onore visto che in un censimento risalente al 1985 circa erano già circa 800.000, in tutta l’isola.
Le pecorelle le incontri dovunque: Se ne stanno in semi-libertà, avendo a disposizione distese sterminate di terreni su cui pascolare: dovunque giri in Islanda, vedi pecorelle. Sono autenticamente una compagnia costante, una presenza,
Dunque, nella nostra corsa ci hanno fatto compagnia tantissime pecorelle che ci osservavano curiose, in alcuni casi, allarmate. Alcune pascolavano, altre s’aggiravano indolenti piluccando qua e là, alla ricerca forse del boccone sfizioso, dopo essersi ben pasciute, altre ancora s’accingevano ad accosciarsi a terra per iniziare la loro beata ruminazione, dopo aver fatto il fatto il pieno (data l’ora del giorno, la loro prima colazione…), altre – più timide – nel vedere le nostre strane sagome – per loro decisamente insolite ed inquietanti – e le nostre ombre allungarsi minacciose sino a loro – fuggivano come fiocchi cotonosi spostati da una folata di vento (e, in fuga, si mostravano buffissime perché quando corrono all’unisono sembrano globi di lana svolazzante su gambine sottili come stuzzicadenti). Altre, infine, si spostavano isenza premura lungo le spiaggette preparandosi ad un piacevole picnic in riva al mare. Curiosi di vedere cosa sarebbe accaduto, abbiamo provato ad imitare il loro richiamo. Beeeeeee! Beeeeee!
Ci hanno guardato piegando la testina in basso con fare interrogativo, alcune hanno anche risposto con un “beeeee” giusto oppure abbiamo avuto l’impressione che, da brave comari quali sono, si parlassero tra loro: “Ma che vogliono ‘sti due balordi?” (tradotto approssimativamente dal pecorese).
La cosa veramente buffa è che le pecorine se ne stanno il più delle volte in gruppetti di tre: è raro veramente vederne una isolata. Se così è, dopo poco ne spuntano altre due (che non erano subito in vista). Forse ciò accade perché – come tanti altri mammiferi sociali - in tre costituiscono l’unità elementare del branco, perché in tre possono guardarsi meglio da tutte le diverse direzioni per proteggersi in maniera cooperativa dai pericoli. In effetti, in ogni gruppetto di tre, accadeva che ce n’era una che si drizzava in piedi e se ne stava ad osservarci attentissima, senza perdere nemmeno uno dei nostri movimenti, mentre le altre due continuavano a starsene intente nelle loro attività. A volte però davano anche l’idea di essere molto curisose nel loro modo, ludiche e gioiose nella fuga, poiché la loro corta coda si agitava come in uno scondizolio..
Insomma, la nostra corsa s’è svolta in compagnia delle paperelle, delle pecore e del vento che come ogni altro giorno ha soffiato furioso: poi, per il resto, abbiamo avuto la sensazione che questo posto, benché fossimo stranieri, ci appartenesse e ci accogliesse in un tutto armonioso con le altre creature viventi che lo abitano.
Alla fine, quando siamo rientrati in albergo, il nostro cuore era pieno della sensazione d’aver fatto qualcosa di più di un semplice allenamento e d’aver vissuto una profonda esperienza interiore.

Islanda: pernottamento presso la fattoria di Raudsdal (fiordi nord-occidentali)

Una casa isolata e, di fronte, l’oceano vasto e sconfinato, indistinto nell’azzurrina lontananza il profilo montuoso della grande penisola Snaefellsnes.
Il fronte del mare s’è ritratto con la bassa marea e ha lasciato scoperta una larga striscia di sabbia chiara su cui spiccano sparsi come un gregge di pecore grossi massi neri.
Il vento soffia incessante e fa piegare l’erba che ricopre il soffice pendio che si stende tra il mare e l’erta montagna di nera lava.
Due cavalieri spingono i loro cavallini al passo sulla striscia di sabbia lambita dalle onde.
Pecorelle bianche, nere, con il manto bicolore, rigorosamente a gruppetti di tre se ne stanno a pascolare, mentre altre si sono accosciate e ruminano beate.
Sulla strada asfaltata più in basso, là dove finisce il pendio erboso, ogni tanto passa un’auto: nei momenti di punta, se ne vedono sfrecciare al massimo sei in un ora, ma nelle prime ore del mattino e la sera tardi ne potrà passare una ogni mezzora.
La cittadina più vicina che possa dirsi tale è a più di un’ora di viaggio in auto. Attorno, non c’è niente se non la nuda natura, i campi d’erba battuti dal vento, i monti di neri detriti vulcanici erosi dalle intemperie..
L’unico suono è l’ululato del vento e il fruscio dell’erba smossa di continuo.
Davanti al tavolo dove sto scrivendo c’è una grande finestra che s’affaccia sul mare infinito in cui leggere onde, mentre la marea va salendo pian piano, si infrangono con creste di spuma bianca. Subito fuori dalla finestra battuta dal sole del tramonto che poi scenderà di poco sotto la linea dell’orizzonte per lasciare soltanto un lieve chiarore sino al suo nuovo sorgere appena poche ore dopo c’è un impiantito di legno con un tavolo e delle sedie per chi volesse godere del calore del sole, appena più in un là, un grosso barbecue corroso dalla ruggine, ma con segni di uso recente, e un prato delimitato da una bassa staccionata di legno che serve a chiudere la dimensione domestica rispetto all’infinito del cielo e del mare.
Chi sta seduto a questo tavolo può apprezzare cose essenziali: il colore del cielo e del mare, il soffiare del vento, la pacata inquietudine delle onde che si infrangono, il passaggio delle auto che evocano luoghi lontani, eppure familiari, perché qui su quest’isola – in fondo – non ci sono molti luoghi in cui andare.
La staccionata serve a racchiudere l’infinito rassicurante nelle giornate di sole, ma ancora di più deve avere una funzione consolatoria nei mesi invernali, quando per lungo tempo il sole sale al disopra della linea dell’orizzonte soltanto per poche ore e per la maggior parte del tempo di ogni giorno domina una semi-oscurità dai colori smorti e bigi. Forse per questo le pareti della stanza sono intonacate di un bianco abbagliante, proprio per restituire allo sguardo reso opaco dalla mancanza di colori un po’ di luce. D’inverno, la staccionata serve a racchiudere uno spazio magico che tiene a bada i fantasmi del buio e della notte.

6. Correre in Islanda: la leggerezza che ti dona il vento

Siamo su d’un lungo nastro d’asfalto, anche oggi in corsa…
La strada si dipana tra verdissimi campi per la foraggiatura ed il pascolo ed una lunga spiaggia nero-grigia, su cui si frangono leggere onde capricciose. In lontananza, si intravede il profilo azzurrino dei monti di una lunga penisola che oggi raggiungeremo con un ferry per risparmiarci un centinaio di chilometri lungo un’interminabile sterrato. Là, basse nubi contornano le cime, qua è sereno. Qui non c’è più una sola nube a differenza di ieri, là invece sembrano essersi raccolte tutte. Perché, non so. La capricciosità dei venti, forse, oppure su questo versante dei fiordi il clima è più asciutto, chi sa!
Il nastro d’asfalto scorre sotto i nostri piedi, sparse sui campi le solite pecorelle ingentiliscono il paesaggio e fuggono veloci al nostro passaggio, cercando di mantenere sempre una distanza di sicurezza di un centinaio di metri. Fedeli alla logica del branco, si danno anche il richiamo non appena ci vedono.
Alcune si spingono in basso verso il mare; una, apparentemente isolata, è scesa laggiù sino ad un piccolo promontorio di roccia nera e sembra starsene appoggiata alla scabra parete, un puntolino bianco a ridosso della scogliera nera…
Il vento soffia incessante: ci sarà mai un giorno qui senza venti? E’ difficile pensarlo: comunque, è certo che il vento accresce il senso di solitudine e di malinconia; con il suo soffio costante porta via i pensieri, li stordisce e li ottunde, a volte opprime il petto. Però, nello stesso tempo, dà l’idea che tutto è movimento, tutto scorre: forse, per questo a questo paesaggio e a questo clima si addice così bene la corsa. Accresce il senso di leggerezza e ci fa pensare di poter essere trascinati via dal vento.
(15.08.2007)

7.
In attesa della Glitnir Reykjavik Marathon

Già, a distanza di più di 15 giorni dall giorno della maratona si respira a Rejkyavik, capitale di una nazione con la vocazione di cittadina quieta, tranquilla e a misura d’uomo, l’avvento della maratona.
La città è tappezzata di grandi manifesti che raffigurano giovani uomini e donne in abbigliamento sportivo dai grandi piedoni sollevati intenti in un gesto che dovrebbe essere quello della corsa, ma che appare come una sua divertente parodia. I corridori sono ripresi con un grandangolo dal basso, una ripresa che fa diventare davvero enormi i piedi calzati in scarpette di corsa di cui viene ad essere in primo piano il battistrada. I corridori esprimono un’idea di gioiosità e spiccano dovunque sulle pareti di alcuni edifici pubblici in formato gigantografia, sulle paratie laterali degli autobus, sulle pareti laterali delle pensiline dei mezzi pubblici. Dopo che hai capito che si tratta di immagini promozionali della prossima maratona, non puoi più fare a meno di notarli…
La città non sembra particolarmente ansiosa di vedere lo svolgersi della maratona ma nemmeno ostentatamente respingente.

Intanto, in attesa del marathon-day chi è arrivato in terra d’Islanda con un certo anticipo non può che starsene a curiosare in giro e ad esplorare alcuni degli splendidi scenari naturali che questa immensa isola nordica offre al viaggiatore. Tra il 4 e il 6 Agosto hanno avuto luogo le celebrazioni del Ferragosto degli Islandesi, mentre alla fine della settimana successiva avrà luogo nell’arco di tre giorni la ben nota manifestazione del Gay-pride internazionale che ormai da alcuni anni si celebra qui in Islanda, mentre nello stesso giorno della maratona si svolge il festival nazionale dei saltimbanchi e dei teatranti da strada (busker) che attrae da ogni dove la popolazione dell'Islanda.
Questo è uno dei motivi per cui i maratoneti che arrivano da altre nazioni e che non hanno avuto l'accorgimento di prenotare con molto anticipo, hanno molte difficoltà a trovare un alloggio a prezzi convenienti.

18 Agosto 2007
Glitnis Reykjavik international marathon

Nella fredda Islanda,
la Glitnis Reykjavik Marathon
ridente ed accattivante

Quella di Reykjavik è davvero una maratona internazionale dall’aspetto familiare ed accattivante.
Modesti i risultati delle due competitive maggiori da parte dei top runner, mentre è grande il successo di partecipazione. Tanti gli Italiani che l’hanno corsa.
Una certa preoccupazione ha pervaso l'attesa di questa maratona: un Italiano - nostro conoscente che aveva partecipato alla precedente edizione - nel raccomandarcela, ci aveva però detto: "Badate bene che è ventosissima! Avete mai corso una maratona disturbata dal continuo soffiare del vento? Ebbene, questa di Reykjavik è molto di più di qualsiasi maratona con vento abbiate mai sperimentato!!!"
In attesa del giorno della maratona, questa affermazione riecheggiava nelle nostre orecchie, trovando conferma nelle condizioni climatiche con cui ci dovevamo confrontare giorno dopo giorno...
Freddo? Sì, abbastanza per i nostri parametri: dai 12-13° nelle giornate migliori a 5°-6° in quelle più rigide...
Pioggia? Parecchia, a funestare soprattutto il viaggio nella parte orientale e nord dell'isola, fredda e fastidiosa, nella forma di quella sottile nebbia d'acqua che dalla mie parti veniva chiamata "azzuppaviddani" (ovvero “che inzuppa i panni del contadino”). E quando non pioveva, nubi basse e cupe che spesso chiudevano l'orizzonte e privavano del piacere di un raggio di sole e di uno squarcio d'azzurro.
Vento? Tantissimo, giorno per giorno, quasi incessante: soprattutto quest'ultimo rendeva la temperatura più difficile da sopportare. Man mano che si avvicinava il giorno della maratona, si costruiva forte e chiara l'aspettativa di dover correre una maratona funestata dal vento e da condizioni atmosferiche avverse.
Eppure (un autentico miracolo!), la mattina della maratona siamo stati "graziati" con il dono di un giorno straordinario sotto tutti i profili: cieli quasi del tutto liberi da nubi, temperatura mite (attestata al culmine della giornata attorno ai 16-17°), assenza pressoché totale del vento che rendeva particolarmente accattivante la visione del golfo di Reykjavik dove nel 874 DC approdò il primo colonizzatore “storico” dell'Islanda, Ingòlfur Arnaldson, seguendo la rotta tracciata dal cuscino del suo seggio che egli aveva buttato in mare abbandonandolo al capriccio dei venti e delle correnti, giurando che si sarebbe fermato per costruire la sua casa nel punto in cui si fosse arenato.
Insomma, dobbiamo ringraziare gli dei dell'Islanda (Odino, Thor e Freya in testa) se, in occasione di questa 24^ edizione della "Glitnis Reykjavik Marathon, c’è stato fatto dono di un giorno così speciale, particolarmente apprezzabile soprattutto per la calma di vento, dopo giorni di un soffiare incessante..
Le condizioni atmosferiche favorevoli hanno dato alla maratona un tocco di gentilezza e di gioiosità in più, dando modo soprattutto ai maratoneti provenienti da paesi di norma più caldi di apprezzarne tutte le bellezze.

La maratona si è snodata lungo un percorso cittadino decisamente “anomalo” rispetto ai nostri parametri “continentali” di abitatori di città affollate, affastellate e caotiche, poiché, il più delle volte, non aveva assolutamente l'aria di essere tale: e ciò per la natura stessa dell'edilizia abitativa e pubblica della capitale dell'Islanda, fatta di edifici bassi, distaccati l'uno dall'altro e intercalati da ampi spazi di verde; ma anche per la presenza quasi costante del mare, incombente con i suoi suoni e i suoi odori; infine, per il fatto che – in massima parte - il percorso era tracciato lungo una rete ampia ed articolata di piste ciclabili e camminamenti pedonali all'interno di parchi ariosi, abbellita dall’attraversamento di graziosi ponti di legno nei pressi di fiumicelli e piccole cascate gorgoglianti.
Lungo un percorso vitale e piacevole, movimentato e rallegrato dalla presenza di molti cittadini della capitale intenti in varie attività di svago all'aperto, di anziane coppie a passeggio, di intere famigliole in bici (qualcuno in pieno relax, disteso sui prati a godersi il sole) e da i numerosissimi i bimbi di tutte le età, perché sembra che l’Islanda non sia toccata dal calo demografico e dall’incombere del punto demografico di “crescita zero”, è capitato ai partecipanti di sperimentare una maratona tranquilla e gioiosa al tempo stesso, perfettamente integrata nel contesto, armonicamente accettata dalla popolazione e vissuta con quieta partecipazione.
Solo in alcuni punti ci si è ritrovati a percorrere le stesse strade per cui si era già passati prima, ma siccome il percorso seguiva traiettorie diverse, utilizzando "cammini" differenziati, della sovrapposizione (specie negli ultimi sette chilometri) non ci si accorgeva nemmeno, poiché la prospettiva da cui ci si ritrovava a guardare era diversa, ma era anche diversa la luce e - nei tratti in cui si costeggiava il mare - il ritrarsi della marea con la messa a nudo di floride distese di alghe multicolori e di scogli nerastri laddove prima vi era la distesa delle acque che rifletteva il cielo e le nuvole creava un cambiamento.
Il percorso della maratona è risultato vario anche per il continuo altalenare di piccole salite e discese: nelle note informative diffuse dall'organizzazione era specificato che, "essendo il dislivello altimetrico complessivo di soli 30 metri”, non si era ritenuto utile includere nella brochure illustrativa un profilo altimetrico della maratona. In realtà, il percorso ondulato, con i numerosissimi cambi di pendenza e le frequenti piccole colline da scalare, indurrebbero a pensare chi ne ha fatto esperienza ad un dislivello altimetrico complessivo positivo decisamente superiore... Forse i 30 metri menzionati rappresentano soltanto la differenza di altimetria tra il punto più alto e quello più basso del percorso. Ovviamente, nel fare queste affermazioni, procedo a lume di naso: ma, in ogni caso, se imprecisione c'è stata, questa svista agli organizzatori gliela possiamo tranquillamente perdonare....: si tratta di un'inezia, una minuzzaglia, rispetto alla piacevolezza dell'insieme di questa maratona...
Peraltro, il percorso era davvero ben segnato, con strisce di plastica di un bel giallo vivo incollate sull’asfalto che – nei punti critici – creavano una sorta di sbarramento virtuale verso le strade laterali. I cambi di rotta erano egualmente ben segnalati e frequentemente presidiati da addetti che, sempre con gentilezza e con il sorriso sulle labbra, davano indicazioni sulla strada da seguire. Perfino nelle zone più deserte, come ad esempio durante l’attraversamento della nuova zona portuale, era praticamente impossibile sbagliarsi.
La movimentazione di podisti è stata ampia.
Per la sola maratona, oltre 500 sono stati i partenti (e quasi tutti – 501 - classificati al traguardo finale) di cui circa 50 quelli partiti alle 8.00 con un 1h 10’ di anticipo rispetto allo start ufficiale, avendo dichiarato all’atto dell’iscrizione un tempo stimato di percorrenza dell’intera distanza tra le 5 e le 7 ore: davvero un’ottima iniziativa che ha consentito ai podisti più lenti di partecipare con relativa tranquillità senza essere confinati alla coda della corsa con tutti quegli inconvenienti che ne conseguono sia a loro stessi sia all’organizzazione. Una misura davvero lodevole, pratica e pragmatica insieme che, consentendo certamente uno snellimento nell’impianto della gara, i nostri organizzatori potrebbero prendere ad esempio.
Un notevole impulso nell’incremento delle iscrizioni in questa edizione del 2007 è stato dato dal prendere piede, anche in questa maratona (a somiglianza di altre più affermate come la Maratona di Londra) dell’abitudine di correre la gara in nome di organizzazioni caritatevoli – le cosiddette Charities – con il fine di raccogliere fondi a loro favore. Tuttavia, considerando che nell’evento podistico convergevano ben cinque diverse gare (oltre alla maratona, una mezza maratona, una competitiva di 10 km, una non competitiva di 3 km e la garetta per i più piccini - nata solo nel 2006 - su di un circuito all’interno di un parco cittadino), la movimentazione di persone coinvolte è stata davvero notevole: la notizia ufficiale fornita dall’organizzazione parla di un totale di 11.300 individui presenti nel corso dell’intera manifestazione e a diverso titolo coinvolti in uno dei diversi eventi sportivi..
Ospitalità: davvero grande ed evidente anche in piccole attenzioni e cortesie per gli ospiti. Oltre al pasta party in cui il cibo non è stato lesinato a nessuno degli accompagnatori ed in cui il momento “istituzionale” s’è tramutato in una bella festa, vi è stata l’opportunità per tutti gli iscritti di frequentare gratuitamente (sia alla vigilia sia nel giorno della maratona) tutti gli impianti dotati di piscina in Reykjavik ma anche a random sono stati offerti vari doni ai podisti che via via tagliavano il traguardo della maratona (borse sportive Asics, libri fotografici sull’Islanda)…
Cos’altro si può aggiungere?
Si è avuta l’impressione che la maratona di Reykjavik sia in continua e costante crescita, anche se a piccoli passi: ma è così che procedono le cose in Islanda. Gli Islandesi non vogliono le cose eclatanti e, di gran lunga, preferiscono quelle che si svolgono in maniera sommessa, delicata, quasi in punta di piedi. Tantissime sono state le presenze straniere sia dai diversi paesi dell’Europa, i confratelli paesi scandinavi e il Regno Unito in testa, vista la vicinanza e la facilità nei trasporti, ma anche molti i Canadesi (tra cui una nutrita squadra di podisti appartenenti ad un’associazione di diabetici) per i quali l’Islanda è – per così dire – proprio ad un tiro di schioppo; e, d’altronde, non fu un Islandese, il mitico Leifur Heirikson, il primo colonizzatore europeo a giungere nel Nord America, nell’antica Vinland (l’odierna Terranova)?
Il numero dei partecipanti alla maratona aumenta ogni anno con regolarità, come ogni anno si incrementa il numero dei visitatori dell’Islanda che, nel 2006 ha visto oltre 440.000 presenze. Afferma il Sindaco di Reykjavik, Vihjálmur þ. Vihjálmsson: “Il numero dei runner che partecipano è aumentato ogni anno. Ciò significa che la maratona di Reykjavik oggi non soltanto un importante evento in calendario per la città, ma anche un momento importante di pubblicità e di marketing di Reykjavik all’estero.
La maratona di Reykjavik è sia per i residenti sia per i visitatori il modo migliore per acquisire una buona conoscenza delle vie e delle strade pedonali della città.”
Ma non solo la maratona di Reykjavik l’evento clou della giornata: in concomitanza, prendendo le mosse sin dal mattino, si svolge un grande evento-happening, detto la “Notte culturale” che è caratterizzata da un fitto susseguirsi di spettacoli artistici, mostre, recital e spettacolazioni da strada lungo le vie e nelle piazze principali della città che attraggono gli Islandesi da ogni parte dell’isola, tanto che è impresa ben ardua trovare qui a Reykjavik un alloggio per questi tre giorni se non lo si è fatto con largo anticipo.
Prosegue il Sindaco: “Tenere la maratona nello stesso giorno della ‘Cultural night’ è stata un’iniziativa di grande successo che ha creato una simpatica mescolanza di esercizio fisico e di cultura. Dopo aver completato la gara podistica, le migliaia di partecipanti possono passeggiare indolentemente per il centro della città e godere dei numerosi eventi culturali e degli happening che vi si svolgono a rotazione continua sino a tarda notte”.
In effetti è stato proprio così: al termine della maratona, confortati da una bella doccia bollente, è possibile ritornare in strada, adesso gremita di cittadini, di bimbi festanti, di turisti e fermarsi ad osservare i clown, i mangiatori di fuoco, i venditori di palloncini colorati dalle più diverse fogge, i musicanti improvvisati ma abilissimi, oppure entrare in uno dei tanti edifici pubblici per soffermarsi ad ascoltare le performance di big band jazzistiche, oppure ancora ammirare una danzatrice del ventre esibirsi con l’accompagnamento di una banda di percussionisti, con l’intercalare di coloratissime bancarelle (molto mediterranee che vengono dolciumi, cibarie, bibite varie). Osservando le spettacolazioni “di strada” e, al contempo, la pittoresca movi
mentazione della folla variopinta e festosa, si è sorpresi dalla quantità di bimbi che sono portati in giro dai genitori. Alla fine, a notte tarda (ma è ancora possibile osservare un barlume di luce nel cielo, laddove per poche ore soltanto il sole si è tuffato sotto l’orizzonte), sono esplosi i giochi pirotecnici con il contorno di fragorosi botti, degna conclusione d’una giornata così turbinosa ed eccitante, che ha visto il pieno coinvolgimento della popolazione locale. Il giorno successivo dopo la piena immersione nel mondo dello sport e dell’atmosfera festosa, molti dei runner, partendo da una città ancora addormentata ed insonnolita, dalle vie quasi deserte e di nuovo piovigginose dopo il fulgore del giorno della maratona, si sono diretti verso le piscine termali di Blue Lagoon, situate al centro delle brughiere laviche e lunari della parte meridionale della penisola di Rejkyanes, per vivere l’esperienza unica dei un lungo bagno rilassante nelle acque riscaldate dai vapori che fuoriescono copiosi dal sottosuolo.
Se si vuole fuggire via dalla pazza folla, se si amano i luoghi spettacolari dal punto di vista naturalistico, se si nutre una forte predilezione per le cose che si svolgono sommessamente e con gentilezza, la maratona di Reykjavik non deluderà le attese e soprattutto potrà rivelarsi una bella occasione per avventurarsi in un indimenticabile ed affascinante viaggio.
Un consiglio rivolto a tutti quelli che volessero partecipare a questa maratona è quello di considerare la maratona puramente “incidentale” e di pianificate piuttosto il viaggio con l’idea di andare alla scoperta di un paese capace di offrire intense emozioni a chi ama i paesaggi incontaminati e luoghi semi-desertici dal fascino selvaggio, ricordandosi alla partenza di provare a rileggere il famoso “Viaggio al centro della terra” in cui gli avventurosi esploratori capitanati dal bizzarro ed intraprendente professor Otto Lidenbrock si recano in Islanda seguendo le indicazioni di un’antica iscrizione runica in cui si danno indicazioni di un viaggio d’esplorazione nelle cavità della terra compiuto dall’islandese Arne Saknussemm, scienziato alchimista del XVI secolo, che nel suo viaggio ebbe accesso all’affascinante mondo sotterraneo in corrispondenza di uno dei crateri spenti dello Sneffelsjokull (nome che tuttora possiede una forte risonanza mitica nella mente di coloro che da adolescenti assorbivano con passione le storie di Verne). La parte iniziale del romanzo offre una lettura densa di suggestioni perché vi viene descritto il lungo viaggio per mare verso l’Islanda, rappresentata come un paese selvaggio ed inaccessibile e poi l’avventuroso attraversamento a cavallo delle lande desolate per giungere da Reykjavik all’estremità della penisola di Snefells.
Come in molti dei romanzi di Jules Verne in cui l’intreccio avventuroso era l’occasione per fornire informazioni e conoscenze sulla geografia dei luoghi e fare divulgazione sulle più scoperte scientifiche che in quel periodo si susseguivano con rapidità (dando l’idea di un progresso inarrestabile e senza limiti), anche qui non manca l’accurata (e gustosa) la descrizione della capitale dell’Islanda (da leggere anche per verificare quante cose siano cambiate in una cittadina che viene descritta come un semplice agglomerato di basse case di legno dalle facciate dipinte a vivaci colori, pur essendo rimasto intatto lo scenario selvaggio ed incontaminato che contorna la città) e lo spostamento con mezzi di fortuna per raggiungere la penisola di Snefells.
Fare un viaggio di durata congrua, spinti dal desiderio di conoscere ed esplorare e motivati dal pensiero che non capiterà tanto facilmente di tornare in questi luoghi una seconda volta, implicherebbe la rinuncia preventiva all’ habitus mentale di quella tipologia di maratoneta che si muove per partecipare alla gara podistica con lo stile “mordi e fuggi”: il suggerimento è piuttosto quello di “perdersi” nel viaggio e lasciare che la partecipazione alla maratona rimanga un evento puramente marginale, ma ciò nondimeno godibile. D’altra parte, la distanza da coprire per guadagnare l’Islanda e i costi da coprire, suggerirebbero di prolungare il più possibile la permanenza in Islanda. È chiaro che gli incorreggibili maratone, “quelli che siamo qui soltanto per correre…” sono degli ossi duri da convincere: ma gli stakanovisti “puri” della maratona, maratona, maratona sono sempre di meno, mentre crescono quelli che vedono nella maratona l’occasione e lo stimolo per compiere esperienze di vita e di viaggio…

Gorbaciof: vita e morte di un piccolo guappo

2010-10-21T17:31:00.006+02:00

Gorbaciof (Stefano Incerti, 2010) ha avuto una lunga gestazione e giunge come settima fatica di Incerti alla regia.
Forse proprio per via della lunga gestazione, avvatasi agli esordi della carriera cinematografica del regista, secondo alcuni, risulta essere una prova "incerta" e zoppicante.
Vede la buona interpretazione di Toni Servillo che, impersonando una parte sgradevole, mostra pienamente la sua stoffa di grande attore, pur con delle riserve espresse da più parti.
Marino Pacileo, detto Gorbaciof per la voglia rossastra che porta sulla fronte, è un oscuro ragioniere che lavora nelle carceri di Poggioreale, occupandosi della registrazione e della custodia delle somme che i familiari dei detenuti versano per il sostentamento dei propri congiunti.
Il più delle volte si tratta di veccchie banconote stropicciate e gualcite di tutti i tagli da quello da cinque a quello da cento che formano mazzette umide e puzzolenti e che Gorbaciof, a fine del turno allo sportello, ripone in una cassaforte antiquata, non mancando di intascare di tanto in tanto qualche banconota per il suo uso personale.
Gorbaciof trascorre una vita solitaria e squallida, occupando una casa spoglia talmente anonima e priva di segni di vita vissuta da farla apparire piuttosto come albergo.
La casa è lo specchio dell’anima, si dice.
Ed appunto questa casa vuota, perennemente in penombra, illuminata da fioche lampadine è l’anima del nostro Gorbaciof che però possiede un altro volto che è quello di piccolo guappo e di frequentatore dei tavoli da poker nelle bische clandestine che vedono la partecipazione di malavitosi con la doppia vita. E a Gorbaciof, che pur vince di tanto in tanto, più frequentemente le sorti sono avverse: la sua intima guapperia - più di facciata che reale - non gli consentirebbe mai di tirarsi indietro di fronte al bluff e al bisogno di vedere le carte dell’avversario.
In questo trantran quotidiano di Gorbaciof, fatto di abitudini piccole e meschine, tutto comincia a precipitare a scapito dela sua illusione di poter tenere tutto sotto controllo.
Il punto di svolta è dato da una rustica attrazione che il nostro comincia a sperimentare nei confronti di Lila, una giovane e avvenente cinese, figlia del proprietario del ristorante nel cui retro è ubicata la bisca clandestina, al cui tavolo partecipa lo stesso cinese.
L'interessamento per la giovane donna comporta che Gorbaciof si attivi con sollecitudine per proteggerla e per sanare dei debiti di gioco del padre di lei, indebitandosi lui a sua volta e aprendo delle voragini non più colmabili nella sua "fonte" di liquido, dalla quale i prelievi si fanno sempre più corposi.
Il vento cambia: Gorbaciof comincia a perdere al gioco ingenti somme e accumula debiti insanabili. A nulle vale il tentativo di tentare la sorte con altre forme di gioco d'azzardo: il giro delle scommesse e delle corse dei cavalli, perfino il bingo.
In carcere, diventa ricattabile: alcuni dei secondini sanno che lui si intasca i soldi.
Gli vengono fatte proposte alternative "Più hai bisogno di soldi, più i soldi costano", gli dice un secondino che, nel tempo libero, gestisce losche attività.
Nel suo modo poco comunicativo Gorbaciof decide di cambiare vita e di andarsene via con la cinesina, ma ormai è troppo tardi: non arriverà più in quell'aeroporto.
Il regista si sofferma a descrivere la zona grigia di transizione da un modo di vivere in cui Gorbaciof ha la sensazione di controllare il modo in cui le cose girano, con modi rustici e da piccolo guappo, ad una situazione in cui è sempre più in balia degli eventi e non gli rimane più né la possibilità di aggredire con spavalderia, né quella di difendersi.
Il suo mondo gretto e di solitudine va rapidamente in rovina. Di tutti questi aspetti, vengono mesi in evidenza lo squallore di una vita che si muove tra la coazione della vita carceraria, l'ossessione dei soldi, il mondo dei biscazzieri e dei malavitosi dalla doppia vita, perché ostentano un lavoro "rispettabile".
Ci vuole pancia per vedere questo film, in cui gli unici sprazzi lievi sono il delicato rapporto che si va costruendo con la ragazza cinese e i momenti di spensieratezza che Gorbaciof riesce a vivere con lei (niente di che: andare a passeggiare, visitare un Outlet), sino all'apertura verso un sogno impossibile di cambiamento e la speranza.
Alcuni critici (come Marianna Cappi, in www.mymovies.it) hanno rilevato che Toni Servillo in questo film rimane troppo legato al personaggio di Gomorra e che non riesce a districarsi dallo stereotipo: in ogni caso, nell'abbigliamento, nelle pose, nei modi da piccolo guappo che ostenta sicurezza, ma che in definitiva ha ben poche armi per difendersi in un mondo di squali, Gorbaciof riesce a rappresentare, da solo, gli aspetti della "napolitanità" più deteriore.
In ogni caso tutto il film è interamente giocato su di lui: tutti gli altri hanno la funzione di comprimari.

I graffiti di ultramaratona di Antonello Martucci: dall'applicazione sportiva all'esplorazione dell'interiorità

2010-10-15T19:54:00.018+02:00

"Graffiti di ultramaratona" (2010) è l'opera prima di Antonello Martucci, trentaquattrenne di Cuneo, laureato in Scienze Politiche, di mestiere impiegato, atleta di endurance podistica (le cui esperienze si sono avviate nel 2008, con una prima partecipazione alla 100 km del Passatore di quell'anno) e Tecnico federale di Atletica leggera.
Correndo sulle lunghe distanze si attivano i pensieri: è un processo strano che accade a tutti quelli che praticano la corsa di endurance, anche se con intensità diverse e in forme diverse, a volte senza consapevolezza.
Murakami Haruki, un grande scrittore giapponese contemporaneo che, da decenni, pratica la corsa lunghissima (maratona, con qualche sporadica incursione nel territorio delle ultramaratone e del triathlon) ha descritto in un suo libro autobiografico (L'arte di correre, Einaudi, 2009) questo singolare fenomeno, specificando che i pensieri che passano per la mente, mentre si corre, sono come le nuvole che - e qui viene naturalmente in mente la famosa canzone "recitata" del nostro Fabrizio De André - "vanno, vengono, indugiano, poi se ne vanno e talvolta ritornano".
Non c'è mai alcuna preordinazione in questi pensieri, sogni, visioni. che non possono essere controllati, né decisi in anticipo. Per alcuni aspetti, come sa chi ha praticato la corsa in solitudine, sono come dei ghirigori o arabeschi, tracciati su di uno sfondo bianco, o come ombre proiettate da una sorgente di luce su una superficie di stoffa, ombre che s'allungano, diventando gigantesche, o che si rimpicciolliscono a seconda della distanza interposta tra la figura, la sorgente luminosa e lo schermo, come ben sa chi ha avuto modo di assistere ad uno spettacolo di teatro delle ombre.
Correre ci predispone ad un'esperienza intensa di interiorità e meditazione, rendendoci più propensi - anche se in modi decisamente più intuitivi che razionali, ad entrare in contatto con la trascendenza o con il divino immanente nelle cose che ci circondano: la nostra mente si fa più permeabile, trasformandosi in un canale di comunicazione energetica tra la nostra singolarità e l'immensità dell'universo e, nello stesso tempo, ci consente di entrare in contatto pulsante con l'interiorità e con i nostri serbatoi pù riposti e profondi di ricordi.
Qualche volta una simile esperienza può diventare tanto intensa da sfociare in forme assimilabili alle cosiddette "estasi selvagge", quegli stati alterati di coscienza che, senza la mediazione di sostanze chimiche esogene, possono verificarsi in individui comuni al di fuori delle cornici epistemiche delle religioni codificate.
Alcuni, tornando dalla loro corsa, arricchiti da questa esperienza interiore possono sentire l'esigenza di scriverne, per comunicarla meglio a se stessi, innanzitutto, per evitare che questo "tesoro" di pensieri ed emozioni vada disperso. E, secondariamente, per cercare di comunicarlo ad altri, nell'ottica della condivisione della propria esperienza.
E' quello che ha fatto, appunto, Antonello Martucci, prima scrivendo i suoi ghirigori mentali ed emozionali, poi dandoli alle stampe in questa forma. I ghirigori di pensieri, riflessioni ed emozioni, tracciati grazie a migliaia di chilometri percorsi in gara e in allenamento, sono potenzialmente infiniti e dai mille volti.
La scrittura e la costruzione d'un volume impongono a chi scrive, tuttavia, di dare una struttura ai mille volti dei propri graffiti mentali, tracciando una strada che faccia da filo conduttore all'interno di una struttura che rischierebbe di essere altrimenti labirintica.
E' stato così che Antonello Martucci ha scelto come elemento selezionatore e "ordinatore" un criterio temporale che è quello della cronologia del suo approccio all'esperienza dell'ultramaratona.
Cos'è l'esperienza del runner di endurance, come è descrivibile?
Antonello Martucci, avvalendosi di diversi riferimenti letterari o anche citando la parola scritta di altri runner (come ad esempio, quella di "Diavolo Rosso" Vitaliano Grassi), mette in campo diverse metafore: quella dell'eremita/anacoreta, quella del pellegrino, del guerriero, superuomo, ma anche quella dell'uomo "eguale tra eguali" (che propone l'immagine dell'ultramaratona come "incubatore" di democrazia non teorizzata ma vissuta concretamente attraverso l'empatia, la solidarietà e la condivisione, di gioie, passione, sangue, sudore e lacrime.
L'ultramaratoneta è un po' tutte queste cose e vivendo l'esperienza dell'ultrarunning mette in assetto dinamico la propria vita, vincendo i fantasmi di solitudine profonda e vacuità esistenziale insidiosamente, nascoste dietro il clamore del consumismo sfrenato da cui siamo sollecitati e circondati, e rendendoci più propensi a trovare un Uno da perseguire che, se può essere di volta in volta reificato nel traguardo di un'ultramaratona, assume nello stesso tempo una valenza quasi mistica - come osserva Martucci - attraverso il continuo gioco del due che si fa Uno per poi tornare a scindersi in un due che tende nuovamente ad essere Uno.
Un gioco che finisce con il contaminare profondamente la mente dell'ultramaratonenta predisponendolo a vivere - con il suo esempio vivente - delle forme intense di religiosità spontanea.
Non è un caso che la pratica della corsa di lunga distanza sia stata assunta da alcuni movimenti religiosi orientali per la pratica meditativa: per capire questo concetto è sufficiente citare due esempi.
Quello - indubbiamente occidentalizzato - dello Sri Chimnoy Marathon Team, i cui membri accettando la guida del loro guru Sri Chimnoy vedono nella consuetudine della corsa di lunga distanza un potente strumento per la meditazione e la trascendenza; e quello - forse ancora più cogente - dei cosidetti "marathon monk" (anche conosciuti come monaci Kaihigyo appartenenti alla setta buddista Tendai) che – veri e propri atleti spirituali - dal loro tempio situato sulle pendici del Monte Hiei (che fronteggia Kyoto, antica capitale del Giappone) partono per lunghissime corse (su distanze variabili tra 40 e 100 chilometri in cicli di 100 consecutive per sette anni di seguito, nella forma più completa) a ritmi incredibili, che - se partecipassero a gare competitive, li renderebbero atleti di altissimo livello dell'endurance podistica, ma loro - interessati unicamente all'aspetto meditativo e alla ricerca dell'illuminazione, connessi alla loro pratica della corsa - non sono propensi a mescolarsi alla folla e perseverano nel correre in solitudine, senza avversari e senza spettatori, non essendo esentati nei periodi in cui si susseguono le loro performance giornaliere dal sottostare a tutti i doveri quotidiani inerenti alla loro condizione monastica.

Architettura dell'opera - Il libro di Antonello Martucci è diviso in diversi capitoli tematici, anche se poi in ciascuno di essi ritornano o sono anticipati i contenuti degli altri in un intreccio di tematiche ricorrenti (e anche questo intersecarsi è è anch'esso parte del graffitismo).
Nel primo capitolo (Il deserto della solitudine) si parla della solitudine e dell'esperienza della corsa come approfoondimento dell'esperienza della solitudine, ma anche come superamento di dell'isolamento esistenziale e modo per procedere verso la condivisione; nel secondo (L'ultra storia) Antonello prende le mosse dall'analisi/rievocazione di alcuni miti che fondano l'ultramaratona e soprattutto di alcune immagini metaforiche che consentono di rappresentare l'ultrarunner contemporaneo, spiegando alcuni "perché" della sua scelte sportive che naturalmente - in un unicum di sfumature - sono anche esistenziali e che - riportandolo alle origini - lo fanno un po' pellegrino, un po' guerriero, un po' "cercatore" e sempre nomade; nel terzo (Ultra filosofia) vengono presi in considerazione alcuni aspetti numerologici (e - per quel che concerne l'ultramaratoneta - l'Uno e il Due) e l'immagine primigenia della spirale come fondazione dell'esistere che porta, poi, alla riflessione sull'abbraccio (delle persone che ti abbracciano dandoti forza, ma anche da parte dei luoghi che - a volte - ti avvolgono in un loro abbraccio e ti trasmettono così la loro forza rinvigorente); nel quarto (Ultra emozioni) viene raccontato con brevi ed intensi flash, ricchi di emozioni, l'immergersi di Antonello nel mondo delle ultramaratone e il dipanarsi delle sue successive esperienze nell'arco di un anno all'incirca (dalla 100 km del Passatore 2009 alla 100 km di Seregno 2010), un periodo che ha visto il crescere e l'affinarsi delle sue attitudini di ultramaratoneta, assieme all'intrecciarsi e il crescere dei contatti con altri ultrarunner, fondando in lui l'esperienza dell'abbraccio, della condivisione e dell'egualitarismo in cui vi è la dimensione dell'essere in tanti che, pur diversi, si ritrovano eguali tra eguali a fare la stessa cosa, a vivere intensamente le stesse avventure sportive e, soprattutto, esistenziali e di Uomini.
L'ultimo capitolo, in particolare, rappresenta la sintesi tra l'elaborazione teorica e l'esperienza pratica della corsa che è fatta di cose, di luoghi, di eventi, di storie, di miti, di incontri e di persone, che rendono la partecipazione ad ogni singola manifestazione podistica di endurance una cosa unica ed irripetibile, che lascia nell'animo una propria inconfondibile traccia di segni e graffiti, e in ogni caso un'esperienza che travalica di gran lunga la semplice partecipazione sportiva e finisce con il contribuire alla costruzione di una filosofia di vita.
Il volume smilzo, ma denso (138 pagine) è corredato di una prefazione scritta da Andrea Accorsi, anche lui ultrarunner-scrittore (all'attivo due romanzi "di corsa": "12 ore" e il recente "Fino all'ultimo fiato").

Fatica e solitudine appaiono come due elementi essenziali (e, a volte, indissolubili) per compenetrare la vicenda umana, quando essa si pone al centro della nostra attenzione, reclamando il suo legittimo ruolo prioritario. (...)
Rosi Manari [qui il riferimento è al volume Hanno il sorriso e la malinconia, per i tipi di Aliberti, 2008], scrittrice e appassionata studiosa del territorio e della sua memoria storica, ha detto a suo tempo "La corsa è un moto dell'anima".
Antonello Martucci ha avuto il coraggio di descriverlo attraverso il tempo, quel moto. Nella visione personalissima dell'ultramaratona, lui non complica quel che è semplice, ma vede quel che c'è da vedere. (dalla prefazione di Andrea Accorsi, pp.13-14).

Non possiamo che ringraziare Antonello Martucci del bel dono che ci ha fatto con il suo "Graffiti di ultramaratona".

The way we were: il gioco del Giro d'Italia

2010-10-14T07:17:00.005+02:00

Da piccoli (e si parla, grosso modo, della generazione degli anni del dopo guerra, quella che sostanzialmente - con un'ampia approssimazione - fece il Sessantotto) uno dei giochi preferiti per riempire le lunghe giornate estive trascorse in spiaggia a Mondello, era "Il giro d'Italia" che noi chiamavamo anche "La pista".
Per poterci giocare erano essenziali due componenti: una statica e l'altra dinamica.
Quella statica era costituita da una lunga pista a circuito, realizzata sulla sabbia molle in modo uniforme mediante il trascinamento per le gambe del più pesante dei candidati al gioco, in modo tale che con il suo deretano si scavasse un lungo solco regolare con le sponde rialzate e le curve sopraelevate lungo il margine esterno. Secondo la fantasia del "trascinatore" nella "pista" così realizzata potevano dominare i rettilinei, le curve, le doppie curve e persino le serpentine. Oppure potevano esservi tutti gli elementi assieme per realizzare un percorso irto di difficoltà: se si voleva, si poteva aggiungere - con un po' di lavoro manuale in più - anche una chicane.
Quella dinamica era data da grosse biglie di plastica colorata (in giallo, azzurro, rosso, viola, nero) per metà, e trasparente per l'altra metà. All'interno, sul piano sagittale della piccola sfera era allocata la foto di un ciclista (uno dei grandi campioni di quegli anni), raffigurato nel volto soltanto oppure a figura intera in piena azione. Qualche volta, nel tondino centrale c'era l'effige di calciatori, oppure di piloti di Formula Uno.
Le regole erano semplici: ciascun giocatore si attribuiva una o più biglie e con queste si partiva. Si decideva chi dovesse fare il primo lancio con uno spareggio a chi mandava più distante la propria biglia.
Era previsto un lancio a turno, che consisteva nello spingere a velocità la biglia in questione con uno zicchettone delle dita (l'indice fatto scattare come un grilleto dal pollice), il più velocemente possibile nei rettilei, con accortezza nelle curve. Chi, alla fine del primo giro di lanci, era in testa rilanciava per primo. Chi usciva di pista, passava un turno e riprendeva alla serie successiva di lanci.
Presto c'erano i doppiati e i bi-doppiati. Altri ragazzini - non giocatori -si raccoglievano attorno alla pista e facevano il tifo per i diversi ciclisti in lizza.
In presenza di tiri che richiedovano una traiettoria difficoltosa, il giocatore - come nel bigliardo - studiava a lungo la strategia di lancio migliore.
Per tutti noi - giocatori e spettatori - quelle biglie colorate erano veramente i ciclisti o i piloti di formula uno.
E ciascun giocatore s'identificava pienamente con il ciclista o pilota di cui era presente soltanto l'icona.
Il ciclista era lì sul circuito di gara e noi, al tempo stesso, eravamo lui.
Erano questi i nostri gioci virtuali...
Si potrebbe dire - con linguaggio moderno - che ciascuna biglia con l'icona del ciclista preferito fosse l'avatar di ciascun giocatore.
Si stabiliva in anticipo quanti dovessero essere i giri da compiere per ultimare la gara.
Potevamo passare ore e ore intenti in questo gioco che ebbe un notevole impulso quando (io avevo un po' meno di dieci anni) un mio cugino più grande si trasferì con tutta la famiglia a Palermo. Lui, già più maturo, si interessava molto di ciclismo e automobilismo e, quindi, con l'aiuto di una fantasia fervida, divenne presto organizzatore e animatore assieme del gioco.
Mi sono ricordato di tutto questo, guardando al cinema Una sconfinata giovinezza di Pupi Avati: il protagonista è fortemente vincolato al ricordo d'infanzia di un gioco di questo tipo fatto tuttavia in povertà, essendo i "corridori" realizzati con tappi di bottiglia di metallo (del tipo da birra o da gassosa), sulla cui superficie concava venivano incollati i volti dei ciclisti ritagliati dall'album delle figurine o da riviste periodiche o da quotidiani.
Ma le modalità del gioco e l'infiammarsi di entusiasmo per i propri ciclisti con la rievocazione di gesta note - realmente accadute - del Tour de France o del Giro d'Italia erano identici.
Quelle "pedine", chiuse in un sacchettino di stoffa, il protagonista della storia le porta sempre con sé da un decennio all'altro e rimangono con lui come aggancio ultimo ad alcuni ricordi del passato mentre la sua memoria si dissolve nelle nebbie dell'Alzheimer.

La magia dell'acquedotto di Segovia: una meditazione sull'impermanenza

2010-10-06T15:13:00.010+02:00

Ho trascorso una notte intera ai piedi del quasi bimillenario acquedotto romano di Segovia.
Cosa è stato attendere l'alba quasi schiacciato dall'incombere delle sue gigantesche arcate e dei suoi potenti piloni di pietra!
Mi mancano le parole più adatte per descrivere appieno le sensazioni e le emozioni che ho sperimentato...
L'ho visto emergere a poco a poco dall'oscurità e acquistare via via definizione e pregnanza.
Alla sua presenza, mi sentivo piccolo, minuscolo e anche effimero: guardando quei piloni fatti di enormi conci di pietra tufacea, perfettamente aderenti l'uno all'altro e senza tracce di malta per tenerli assieme.
Mentre minuscoli runner arrivavano correndo, dopo aver percorso chi al passo chi correndo più di 100 chilometri, mentre si alternavano nella piazza antistante miserabili vicende umane, alimentate dai frequentatori avvinazzati di una discoteca che alla spicciolata si riversavano all'esterno, da schiamazzi, clamori e grida volgari, da una compagnia - altrettanto ebbra - reduce dal festino di uno sposalizio, e ancora quando con il raffreddarsi ulteriore dell'aria, nelle ultime strettoie della notte, sono arrivate ad ondate successive le squadre di pulitori con i loro strumenti meccanizzati ad asportare via la sozzura del passaggio umano, mi sono ritrovato a meditare sulla mia piccolezza, sull'impermanenza, sul fatto che, malgrado la loro meschinità, alcuni uomini - grazie ad uno sforzo collettivo - riescono a creare qualcosa che dura - nel tempo - le vite di tanti uomini: opere anch'esse impermanenti, tutttavia, se commisurate con l'eternità.
Eppure gli uomini che costruirono quell'acquedotto sono morti da secoli (anzi da quasi due millenni) e la loro opera è ancora là, a possente, a marcare con la sua presenza imperscrutabile lo scorrere del tempo...
L'arrivo dei podisti ai piedi dell'acquedotto sotto un gonfiabile ad arco, di quelli utilizzati in simili circostanze (che nel raffronto sembra un bruscoletto insignificante) è anche un omaggio alla potenza intrinseca di questa struttura immensa e magica.
Noi passeremo e le arcate dell'acquedotto di Segovia saranno ancora là per molto, molto tempo.
Forse saranno là, imperturbabili, quando noi non ci saremo più.
Chi o cosa raccoglierà quest'eredità?
Lo avevo visto da bambino, accompagnato da mia madre.
Ci sono tornato adesso dopo quasi 50 anni: solo adesso ho potuto vedere la sua grandezza.
Io sono un uomo maturo, forse alle soglie della vecchiaia.
L'acquedotto di Segovia, ancora giovane e possente, si erge intatto proprio dove i Romani lo vollero, a perenne testimonianza dell'ingegno dell'Uomo.

Una nota wikipediana
L'Acquedotto di Segovia è uno dei monumenti più importanti e meglio conservati tra quelli lasciati dagli antichi Romani nella Penisola iberica. È uno dei simboli della città di Segovia, come evidenziato anche dalla sua presenza nello stemma cittadino.

Nel 1985 è stato inserito, insieme alla città vecchia, tra i Patrimoni dell'umanità dell'UNESCO.
Dal momento che mancano iscrizioni leggibili (una sembra trovarsi sopra alla porzione superiore dell'acquedotto), la data di costruzione non può essere determinata con precisione. Gli studiosi l'hanno identificata tra la seconda metà del primo secolo d.C. ed i primi anni del secondo secolo, durante il regno dell'imperatore Vespasiano o in quello di Nerva. Anche la data di fondazione della stessa Segovia è dubbia. Si sa che i Vaccaei popolarono l'area prima della conquista romana. Le truppe romane che presero il controllo della regione, che cadde sotto la giurisdizione romana (in latino conventus iuridici, in spagnolo convento jurídico) situata a Clunia, si stabilirono in questa zona.

L'acquedotto trasporta acqua dalla sorgente della Fuenfría, situata nelle montagne vicine, a 17 chilometri dalla città, in una regione nota come La Acebeda. Percorre oltre 15 chilometri prima di arrivare in città. L'acqua viene prima raccolta in una vasca chiamata El Caserón (la grande cisterna), e quindi incanalata verso una seconda torre nota come Casa de Aguas, che funge sia da dissabbiatore, che da torrino piezometrico. In questo luogo, infatti, l'acqua viene fatta decantare in modo che la sabbia si depositi prima di riprendere il viaggio e nello stesso tempo si assicura una quota certa alla linea piezometrica. Da qui viaggia per 728 metri con una pendenza di circa l'1% fino a raggiungere il Postigo, un affioramento roccioso al centro della città vecchia, dove sorge l'Alcazàr.
Una volta raggiunta Plaza de Díaz Sanz la condotta compie una brusca deviazione dirigendosi verso Plaza Azoguejo. È qui che l'opera si mostra in tutto il suo splendore. Nel punto più alto l'acquedotto raggiunge i 28,5 metri, inclusi circa 6 metri di fondamenta.
È composto sia da archi singoli sia da doppi archi supportati da pilastri perfettamente centrati gli uni sugli altri per assicurare la perfetta staticità a quest'opera che altrimenti difficilmente avrebbe superato tanto brillantemente quasi due millenni di storia.

Gli ammazzavampiri di Claudio Vergnani alle prese con gli orrendi succhiasangue-zombie del Modenese

2010-09-22T20:45:00.005+02:00

Claudio Vergnani è uno scrittore emergente: dopo una vita in cui s’è dedicato alle cose più disparate sfuggendole nel contempo, sembra aver trovato nella passione per la scrittura un filo conduttore e una sorta di “porto” in cui soffermarsi. Il 18° vampiro (Gargoyle, 2009), suo poderoso esordio, offre una capacità di scrittura che va indubbiamente al di là della letteratura di genere e – come si intuisce – che potrà produrre opere di più ampio respiro. Il romanzo ci mostra, forse, anche qualcosa dell’autore attraverso il protagonista (che possiede un po’ alcune qualità intermedie tra il soldato di ventura e l’ebreo errante) e altri suoi comprimari (come “l’amica”, Vergy o Gabriele), costantemente in “fuga” o comunque condannati a una vita “nomade” nel perseguimento d’una missione comune che è quella di sopprimere quanti più vampiri possibile.

In questo senso, siamo di fronte a una vicenda di veri “ammazzavampiri” che si muovono tra Modena, Venezia e l’Appenino tosco-emiliano. E, per far ciò, sono costretti a condurre un’esistenza randagia, senza troppi legami, senza un lavoro stabile, senza amori: la loro è una vita declinata in una condizione di costante precarietà e di continua esposizione al pericolo. Ciò che è apparentemente routine, può in effetti trasformarsi di colpo in una situazione di pericolo, dal momento che anche quanto gli ammazzavampiri credono di sapere è molto fragile e parcellare: in realtà, come uno di loro ammetterà in seguito «...dei vampiri non sappiamo nulla».

Dei vampiri viene data per scontata l’esistenza: semplicemente, ci sono. Vergnani non si preoccupa di spiegarci da dove siano venuti e quando. I suoi vampiri sono del tutto originali: innanzitutto, sono ferocissimi – il “classico” morso sul collo, con l’ausilio di canini appuntiti e aguzzi, è al confronto una pratica gentile e quasi erotica –, vampiri che lacerano e straziano corpi, abbeverandosi del sangue delle loro vittime come da un idrante reciso. In secondo luogo, sono assai simili agli zombie sia nel loro aspetto “verminoso” e disfatto, sia nel loro modus operandi.

Gli amazzavampiri modenesi sembrano essere i perfetti praticanti delle indicazioni enciclopediche di autodifesa contenute in Manuale per sopravvivere agli zombi (Max Brooks, Einaudi, 2006): i vampiri-zombie, peraltro, rappresentano un avamposto della genìa dei vampiri e ne costituiscono soltanto la fanteria d’assalto. Dietro s’intravede un secondo livello di “eletti”: esseri potenti e dalle molte vite, come Grimjank, mutuato da una famoso racconto horror di W.T. Webb (che, di vite, ne ha avute ben 18) e che vive in una rocca antica, oppure come i “Maestri” – maggiormente rispondenti ai canoni del vampiro “classico” – crudeli e vendicativi e implacabili al punto di scatenare una cupa apocalisse finale. La storia è, poi, in realtà la narrazione delle vicissitudini on the road di questi tormentati ammazzavampiri che non trovano mai quiete e la cui esistenza va incontro a livelli di crescente complicazione, via via che i vampiri realizzano che essi rappresentano delle “moleste minacce” al loro status quo, dunque di cui sbarazzarsi con scherzi macabri e sinistri.

Vergnani si sofferma minuziosamente a descrivere i movimenti, il modo di organizzarsi, le perplessità ed incertezze di questo gruppo di trasandati avventurieri, in un flusso lento e ipnotizzante dove le apparizioni dei vampiri finiscono con l’assumere un ruolo marginale, mai dominante. Personaggi dal passato militare (e ciò riflette alcune delle fugaci esperienze di vita dell’autore), con la stoffa degli anti-eroi, sostanzialmente sfigati e marginalizzati dalla vita: se non ci fosse l’obiettivo di distruggere i succiasangue (che non ha alcuna risonanza pubblica, e dunque non porta ad alcun riconoscimento) non avrebbero nulla in mano e sarebbero delle nullità.

Claudio Vergnani in quest’opera mostra indubbiamente una grande creatività nel modo in cui manipola gli elementi propri del genere: non soggiace a quasi nessuna delle convenzioni letterarie che a esso sono proprie (a parte il topos dei vampiri=creature della notte, ma anche questo utilizzato in modo non rigido) e ricorre ampiamente alla contaminazione per dar vita a figure sui generis che suggeriscono una pagina nuova e assolutamente originale nella letteratura horror.

Interessante la modalità di una scrittura molto nello stile hard-boiled che presenta, soprattutto all’inizio e alla fine, due diversi piani temporali che si intersecano tra loro con un continuo rimando dall’uno all’altro (e rimarcati dall’uso di un differente carattere di stampa): un artificio che consente all’autore di coprire un arco di tempo molto maggiore.

Il volume, con delle notazioni redazionale precise ed esaurienti – secondo lo stile consolidato della casa editrice – è arricchita di una stimolante introduzione dello sceneggiatore e saggista Dario Maria Gulli.

Esce adesso, sempre per i tipi di Gargoyle Books, Il 36° giusto che si pone come un seguito delle vicende narrate nel primo romanzo: nella conclusione de Il 18° vampiro c’erano già le premesse di una ripresa della storia degli ammazzavampiri modenesi, piombati nell’occhio del ciclone e ora al centro dell’attenzione dell’antica genìa dei “Maestri”.

Dal risguardo di copertina de Il 18° vampiro
«...sbarco il lunario uccidendo vampiri. Non è un compito difficile, ed è sempre meglio che lavorare. lo e i miei compagni li distruggiamo durante il giorno, mentre dormono il loro sonno di morte, nascosti nei loro miserabili covi. Non possono reagire. Un paio di colpi di mazzuolo ed è fatta. Forse non è il mestiere più bello del mondo, ma è facile e socialmente utile. Non occorrono coraggio o particolare determinazione. Non serve essere animati dal sacro fuoco della giustizia. Serve solo un po’ di pratica e tanta disperazione. Per certi versi è come la disinfestazione di topi o insetti: fai quello che devi fare, sopportando il disgusto, e poi te ne torni a casa. Sempre che non si finisca per esagerare, per passare la misura. Il problema è che non sapevo che esistesse un confine. L’ho saputo solo dopo averlo oltrepassato. E, a quel punto, tornare indietro non era più possibile...»

L’Autore. Nato a Modena, svogliato studente di Liceo Classico, ancor più svogliato studente di Giurisprudenza, preferisce passare il tempo leggendo, giocando a scacchi e tirando di boxe. Allontanato dai Vigili del Fuoco, dopo una breve e burrascosa parentesi militare ai tempi del primo conflitto in Libano, sbarca il lunario passando da un mestiere all'altro, portandosi dietro una radicata avversione per il lavoro. Dalle palestre di bodybuilding alle ditte di trasporti, alle agenzie di pubblicità, alle cooperative sociali, perso nei ruoli più disparati ma sempre in fuga da obblighi e seccature. Il 18° Vampiro è il suo primo romanzo.

A Genova, un gruppo di Argentini sta realizzando un grande Murale sull'emigrazione

2010-09-20T06:38:00.014+02:00

Un gruppo di Argentini sta lavorando per la realizzazione di un grande Murale icon la tecnica di mosaico in ceramica sul tema dell'emigrazione, significativamente a Genova che fu la più importante città portuale d'Italia dalla quale partivano i grandi bastimenti carichi di nostri emigranti, pieni di speranze di potersi costruire una vita diversa nel Nuovo mondo: di quegli emigranti che, assieme a cittadini di altre nazioni europee, hanno contribuito attivamente al farsi di alcune delle nazioni moderne del Sud America, tra le quali appunto l'Argentina.Questo lavoro possiede indubbiamente un profondo significato simbolico: come se qualcuno fosse tornato indietro nel luogo di origini delle proprie radici, rappresentadone lo stato nascente su di una "soglia" che, da un lato, guarda verso l'ignoto (ma anche la speranza) del Nuovo mondo che verrà e che, dall'altro, lancia un ultimo sguardo nostalgico su ciò che si sta lasciando alle proprie spalle, forse per sempre.
Un'occasione cogente per riflettere sul dramma e la fatica dei tanti che, nel XXI secolo, continuano ad abbandonare le proprie patrie e arrivano da noi - un tempo emigranti - erranti in cerca di accoglienza e ospitalità.

Lunedì 6 settembre, alle ore 11.30, il sindaco di Genova Marta Vincenzi, insieme all'artista argentina Munù Actis Goretta, hanno posto la prima piastrella del murale che in occasione del Bicentenario Argentino verrà realizzato in Largo Taviani, accanto al Galata Museo del Mare, in omaggio all'emigrazione italiana che partì dal porto di Genova verso l'Argentina. La consegna dell'opera e la successiva inaugurazione sono previste per novembre.
Le dimensioni del muro da decorare sono di 28 metri per 4,50 metri nell'estremo sinistro e 3,50 metri nell'estremo destro.
L'opera è sponsorizzata dal calciatore della Sampdoria Fernando Tissone che ha voluto aderire come sponsor privato pnel progetto e realizzazione di questa grande opera , come modo per esprimere il suo sentito attaccamento all'Argentina (sua patria di nascita, dove ha vissuto fino all'età di 16 anni) e a Genova (provincia di origine dei nonni paterni).

Di seguito il racconto della stessa Munu Arctis Goretta, inviato ai suoi amici e corrispondenti argentini.

(Munu Actis Goretta) Hoy es domingo 19 de septiembre y estoy en Genova trabajando en un mural de 3,80m x 28m sobre el tema de la migracion que sera realizado con la tecnica del mosaico. Llegue el 26 de agosto y el lunes 30 comenzo el trabajo. La tarea de encarrilar la situacion y ponerla en movimiento es tan bella como dificultosa.

En el equipo de trabajo basico seremos cuatro y ya estamos todos. Rafael, un amigo argentino que vive en San Francisco, Elisabetta, genovesa, egresada de Bellas Artes y Cristina, tambien genovesa, arquitecta en decoracion. Nos reunimos por primera vez el 6 de septiembre, verdadera fecha de comienzo del trabajo. Antes, con Elisabetta habiamos dibujado. Hace dos semanas que estamos juntos y nos llevamos bien, nadie es demasiado nada, todos somos mas o menos comprensivos, amables, divertidos, malhumorados, respetuosos del trabajo y de los tiempos de cada uno… gente casi “normal”. Hablamos itañolo y nos entendemos. Mas adelante se incorporaran alumnos de Bellas Artes.
En la pared estamos 9 horas con una de pausa para almorzar. Ha hecho bastante calor, varios dias de 30 grados. Trabajamos al sol y es agotador. Ademas parece que los años no pasan en vano, como dice Asia: la cronologia es inexorable. No me quejo, solo que lo siento. Dentro de poco voy a cumplir 65 y estoy subida a un andamio!!!

Como siempre la busqueda del material es interminable. El mural tiene 60 colores (juro que intente los menos posible) y hay que encontrar ceramicas de todos ellos. Tenemos 3 fabricas que son sponsor pero no bastan y entonces hay que hacer cambios en el boceto… y volver a calcular los metros cuadrados de cada color… todo lleva mucho tiempo. Espero terminar con esto en el transcurso de la semana. Luego viene el otro tema que es que se toman 20 dias para el envio… y nosotros vamos de a pedacitos con lo que tenemos, pero en fin, vamos.
Recien ahora, y estando aca, voy tomando conciencia de lo visible que sera la obra cuando este terminada. El lugar es optimo porque pasa todo el mundo, autos, colectivos, subte… El Puerto no es cualquier lugar en Genova. Y de aquí partieron tantos… y llegan otros tantos. Creo que ha sido una muy buena eleccion. Siempre hay una pared esperandome en el lugar indicado. Hace tiempo ya que estoy buscando una en Buenos Aires.

Como en cualquier ciudad las cosas no son faciles y los mismos que participan en el proyecto no entienden como se pudieron poner en marcha tantas instituciones y empresas, con sus respectivas burocracias, para que en menos de un año lo concreto comience a andar (aunque yo venia trabajando desde hacia tres años). Consulado Argentino, Municipalidad de Genova con sus miles de permisos para usar el espacio publico y modificar la vision desde lo estetico y lo historico, Bellas Artes, Escuela de la Construccion, Museo del Mare, andamios, seguros, sponsor de los mas variados, desde las ceramicas al ticket para comer. El tema fue convocante y ademas hay una cordobesa que vive aquí, Karina, que se puso el proyecto al hombro y le dio y le da como una topadora. Entre ella, la intendente y yo tenemos a todos los hombres a los piques, para decirlo medianamente elegante.

El dia 6 se hizo el acto formal de inauguracion donde estuvieron todas las autoridades y los sponsor y se colocaron los primeros mosaicos en el muro. El primero lo pego la intendente y luego los demas. Yo ponia el pegamento y ellos colocaban los pedacitos. Uno de los sponsor, que aporto bastante, es un jugador de futbol argentino, Fernando Tissone, que tiene abuelos italianos y desde hace algunos años juega aquí. El acto fue simpatico, muy italiano. Banderas, discursos, el mio incluido y noticia en los diarios

Vivimos en un departamento, Rafael y yo, muy lindo y grande en una calle bella y complicada (se huelen algunos negociados no muy santos). Estamos a 200 metros del mural, lo cual es muy bueno, en el centro historico. Todo tiene miles de años. Nuestra calle, Via di Pre, tiene mucho movimiento y pocos cristianos, la mayoria deben ser musulmanes. La gente tiene rasgos muy diversos y colores otro tanto. Estan los marroquies, los ecuatorianos, los chinos, gran cantidad de africanos largos y flacos con tunicas multicolores y nosotros. Muchos locutorios con internet donde la gente habla a traves de la compu y se convierten en una especie de Torre de Babel. Los pocos italianos son del sur. El mejor lugar para comprender el fenomeno de la migracion. La calle del frente es angosta, tendra 5 metros, empedrada, sin vereda y la del costado apenas 0,80m. Te podes dar la mano con el vecino.

La ciudad es muy bella, es el casco historico mas grande de Italia aunque no tiene edificios monumentales como Roma. Se pueden ver las puntas del golfo y el puerto tiene mucho movimiento: pescadores junto con cruceros monumentales y barcos de carga, todo el tiempo todo se mueve. El terreno es siempre colina por lo que las calles y pasajes suben y bajan serpenteando, no hay una sola cuadricula y cuando crees que ibas paralelo volves a aparecer otra vez en el mar o te fuiste a otro lado. Tiene algunos lugares restaurados pero gran parte no, es fundamentalmente gris con olor a ciudad habitada, con olor de humanos, perfumes de los unos y de los otros.

Gente querida, estoy bien, haciendo lo que amo, tengo presente permanentemente a Argentina y a mis intereses de alli. Pero hoy estoy en Genova, a las 20hs de un dia domingo y desde aquí los abrazo.

MUNU

La fine del Ramadàn a Palermo: un modo diverso è possibile

2010-09-17T19:31:00.005+02:00

Il 10 settembre scorso, con l'avvio del nuovo ciclo lunare, si è concluso il Ramadàn, la più importante tradizione religiosa dei musulmani.
A Palermo, la consuetudine vuole che tutti i musulmani, abbigliati a festa con gli abiti tradizionali dei diversi luoghi da cui provengono e propri delle etnie di appartenenza, partecipino ad una preghiera collettiva che si svolge, con la guida dell'Imam, sulla terrazza della "Villa a mare" al Foro Italico Umberto I.
Si tratta d'un incontro tra molte etnie diverse tutte accomunate dalla stessa fede religiosa e, quindi, è possibile vedere Africani, Mahgrebini, Medio-orientali, Pakistani se ne stiano accanto gli uni agli altri, assiepati, quasi gomito a gomito, a formare una folla variopinta che palpita di uno stesso empito.
Gli uomini, con il capo coperto, sono tutti vestiti di bianco e si prostano a terra nel gesto della preghiera su spessi tappeti portati per l'occasione, mentre le donne - pure abbigliate con vesti tradizionali - stanno un po' in disparte, poichè nel momento della preghiera non è consentito loro di mescolarsi agli uomini (se ci fosse una Moschea rimarrebbero all'esterno).
Siccome i convenuti sono numerosi si celebrano due successivi momenti di preghiera, entrambi affollatissimi malgrado il tempo incerto e qualche accenno di pioggia.
Alla fine dei due cicli di preghiera, l'atmosfera è festosa: il Ramadàn s'è concluso e il digiuno rigoroso può essere spezzato. La sera ci saranno dei momenti di festa e di incontro: in particolare, è prevista una festa con musica e danze all'Oratorio Santa Chiara.
Alla conclusione della preghiera, i fedeli tornano a suddividersi in gruppetti etnici, in pacifica convivenza, chiacchierano, indugiano rilassati e si concedono momenti di ludicità, e si fotografano a vicenda in posa con lo scenario magnifico del Foro Italico come fondale (e poi le foto verranno poi inviate - adesso con i moderni sistemi di posta elettronica, a parenti e ad amici lontani).
Si respira un'aria di accoglienza e ospitalità nei confronti dei non musulmani che sono venuti ad assistere, con curiosità e, soprattutto, con rispetto.
Anzi, i "visitatori", se in possesso di una macchina fotografica, sono invitati a scattare delle foto e a unirsi ai gruppetti che si mettono in posa. Tantissimi i giovani musulmani, alcuni dei quali sono sicuramente nati qui e che, da un certo punto di vista, sono naturalizzati: se parlano in Italiano, si riconoscono nelle loro parole delle palermitanissime inflessioni dialettali
Ciò che si vede al Foro Italico è una grande lezione di tolleranza che rimanda direttamente al passato, quando ancora non era nato il "fondamentalismo" (di cui in larga parte sono stati responsabili le dissennate politiche medio-orientali di Israele e degli Stati Uniti. In tutto il Medio-oriente e nei territori dell'attuale Israele, come ci racconta anche Yehoshua in Il signor Mani, così come appare anche dalle testimonianze di numerosi viaggiatori (ampiamente esaminate da William Darlymple in Dalla Montagna sacra. Un viaggio all'ombra di Bisanzio, Rizzoli, 1998), le tre grandi religioni monoteiste derivate da una comune matrice in questi luoghi convivevano pacificamente ed era consuetudinario che i seguaci di una fede si recassero alle feste religiose di altri culti, come anche accadeva che i musulmani andassero a pregare e a chiedere miracoli in luoghi di culto ortodossi, per i quali avevano una speciale devozione. E tutto ciò era all'insegna della convivialità e della reciproca accoglienza.
Insieme, si può andare avanti e sono possibili forme di integrazione e di convivialità. La festa conclusiva del Ramadàn qui a Palermo lo dimostra.

Il merchandising appiana tutte le differenze: di tale assunto l'amaro Il Padrino ci fornisce un'esemplificazione

2010-09-12T10:07:00.005+02:00

Una legge di mercato dice che ogni cosa diventa "buona" se se ne può ottenere un "prodotto" da vendere a dei "consumatori", in linea con la concezione che il sociologo Zigmunt Baumann tratteggia dell'uomo postmoderno in quanto "homo consumens" e con la trasformazione di gran parte del mondo in un grande ipermercato globalizzato in cui tutto può diventare oggetto di una transazione commerciale. In quest'ottica anche le imprese del serial killer più efferato, trasformate in libro o in film possono essere vendute diventando oggetto di consumo.

Corleone è stata per decenni un cupo feudo mafioso e ha prodotto alcuni dei più temibili personaggi della "cupola", del malaffare e del malgoverno siciliano (basti pensare ad alcuni potenti in odore di mafia anch'essi di origini corleonesi). Dietro a questi personaggi, aleggia no la fiction e la matrice "originaria" della rappresentazione dell'uomo di mafia, cioè il don Vito, protagonista ed emblema de "Il Padrino" di Francis Ford Coppola, che per caso o per necessità di cognome faceva appunto "Corleone", quando ancora non si parlava esplicitamente della mafia corleonese.

Dopo i duri colpi inferti dalla Giustizia alla mafia e dopo l'eclissi di alcuni corleonesi di spicco, Riina e Provenzano in testa a tutti, Corleone ha cominciato a cambiare e a trasformarsi, tentando di mettere da parte un passato ancora recente di cui i cittadini benpensanti adesso si vergogano.

E sono state tante le iniziative a favore del ritrovato piacere della legalità, come - nel 2008 - al ricorrere della strage di mafia in cui perì Giovanni Falcone con la sua scorta si celebrò una corsa podistica che, partendo alle prima luci dell'alba dal "covo" di Provenzano arrivò a Palermo sino all'Albero Falcone, trasportando un messaggio di legalità da leggere ai tanti che si erano raccolti nella dolente commerazione.

Nello stesso tempo, se un tempo la Mafia e Cosa Nostra rendevano Corleone un luogo ostile in cui tutti i cittadini camminavano a testa bassa e gli stranieri in visita o di passaggio non erano ben visti, oggi vi è un fiorente flusso di turisti che arrivano in una cittadina bella e, forse, più ridente di prima - meno cupa - e che indubbiamente presenta numerose bellezze architettoniche e punti di interesse storico di rilievo: non dimentichiamo che Corleone viene definita "la città dalle cento chiese".

Corleone, interessa come meta turistica, non solo per questo motivo, ma proprio perchè è stata città di mafia e può quindi essere inserita in una sorta di "mafia tour": molti stranieri possono arrivare qui con questa motivazione. Si assiste dunque ad un paradossale rovesciamento di valori: se prima la mafia era un motivo per non visitare Corleone, oggi invece è diventata sicuramente uno dei motivi per andarci per un certo tipo di "consumatori" turistici.

Se si entra nella pasticceria-bar ubicata nel corso proprio davanti alla Matrice (Central Bar dei fratelli Ruggiriello) e si chiede un caffè, si rimarrà sopresi nel vedere che alle spalle del bancone sono in esposizione svariate bottiglie targate "Il padrino". Numerose sono quelle di un amaro (Amaro Il Padrino), ma vi è anche un Limoncello e poi un vino rosso (un Nero d'Avola) e uno bianco, presentati in un'allettante confezione cartonata di due bottiglie e con etichetta personalizzata "Il Padrino"). Tra le bottiglie in evidenza si intravedono anche delle tazze stampate con l'effigie di Don Vito Corleone ("il Padrino" cinematografico), che emblematicamente, essendo nella rappresentazione letteraria (Mario Puzo) e filmica, il "padre" di tutti i padrini rimanda per ellissi ad altri "padrini" corleonesi, e questi realmente esistiti purtroppo.

La presentazione dei prodotti è accativante e segue tutte le regole del merchandising e del marketing: l'etichetta è un omaggio alla Corleone d'altri tempi, visto che porta il dettaglio di una foto d'epoca con il corso principale e la Matrice, ma assieme alla bottiglia acquistata viene consegnata all'acquirente una grande brochure con tutti i dettagli tecnici del prodotto e, eventualmente, anche una più piccola di cui una parte ritagliata diventà una cartolina che sul fronte reca una foto vedutistica di Corleone. Inoltre, i prodotti acquistati vengono consegnati in un sacchetto di carta decorato con la stessa immagine dell'etichetta e con la dicitura "Amaro Il Padrino": tutto molto elegante e perfettamente studiato, con criteri decisamente moderni e orientati dalla volontà di fideizzare i clienti e diffondere la conoscenza del proprio prodotto.

Questa la presentazione, rinvenibile anche nel web (e, tra l'altro, L'Amaro Il Padrino ha addirittura un suo sito web costruito in modo egualmente accativante: http://www.amaroilpadrino.com/).

L'amaro "Il Padrino" nasce grazie all'intraprendenza dei fratelli Ruggiriello, da un antica ricetta Corleonese che combina numerose erbe siciliane, unite in maniera armoniosa, tal eda conferire al liquore che si ricava dalla lavorazione un sapore unico ed inimitabile. Nel corso degli anni l'amaro il Padrino ha riscosso ottime critiche da vari degustatori ed è consigliato come digestivo.

I turisti entano vocianti, eccitati e allegri e comprano o l'Amaro o il Limocello o il vino, ben certi che con tali prodotti potranno fare ad amici e parenti lontani un dono gradito ed "esotico".

Lo confesso: non si può che rimanere turbati da questo stravolgimento "commerciale" di un fenomeno sociale e delinquenziale che tanto male ha fatto e che tante vite ha spezzato crudelmente.

Ma il commercio è commercio: tende ad omologare tutto in un unico pastone indifferenziato.

In "Giustizia privata" un film interessante con un'evoluzione, nel finale, alla James Bond

2010-08-26T13:46:00.007+02:00

Giustizia privata (di F. Gary Gray e con Jamie Foxx e Gerald Butler, 2009) rimanda al filone dei film incentrati sulle gesta dei "giustizieri", in parte mutuati dal fumetto (V per vendetta di Alan Moore, per esempio) e dalla cinematografia (in cui domina il personaggio interpretato da Charles Bronson).
Il titolo italiano del film sembra rimandare proprio a questo filone, per l'appunto, ma quello originale - Law abiding citizen (come spesso accade) ci dice di più.
La storia di Clyde (Gerald Butler) non è soltanto quella di un cittadino che, sentendosi tradito dalla Legge (o meglio dal sistema giudiziario - americano, precisiamo- e dal modo in cui la Legge viene applicata) decide di farsi giustizia da sè, ma diventa un confronto serrato tra un cittadino "danneggiato" e quel sistema giudiziario cui - seguendo senza pietà e senza rimorso delle vie immorali e non lecite - vuole insegnare ad essere morale e ad abbandonare un sistema di amministrazione delle Legge fatto di compromessi più che di aderenza salda a dei principi univoci.
Quindi c'è in apertura il legal thriller, ma c'è anche la narrazione d'un articolato e raffinato sistema di vendetta che si mette in moto a distanza di tempo (la vendetta è un piatto che va degustato freddo), messo a punto nei minimi dettagli. C'è, infine, il confronto tra Clyde (la parte che si ritiene offesa) e la Legge, quest'ultima impersonata da Nick (Jamie Foxx che abbiamo visto recentemente in "Il solista"), al tempo dei fatti avvocato rampante ed ambizioso (pronto al patteggiamento, pur di "vincere" la causa) e 10 anni dopo ancora avvocato di punta nell'ufficio del Procuratore legale di Philadelphia di cui è con certezza il delfino designato (come collezionista di cause vinte).
Su questi due aspetti la narrazione procede in modi credibili, per quanto già visti (anche se la "ricetta" è alquanto diversa, con qualche sbrasata splatter).
Poi il film ha un'impennata verso l'incredibile - se non il fumettistico - quando Clyde si trasforma - pur chiuso tra le quattro mura di una prigione di massima sicurezza - in vendicatore , pronto ad uccidere chiunque intralci la sua strada verso il trionfo di una giustizia sanguinaria e folle.
Da questo momento in poi, come osserva Gianfranco Zappoli in mymovies, il film si segue come una trama di James Bond, sorridendo delle trovate sfoderate dal regista e chiedendosi quale sarà la successiva, sino ad una conclusione abbastanza ironica se non fosse per la scia tragica di cadaveri di cui la storia è stata disseminata.

In Splice, il dilemma morale dello scienziato che vuole farsi demiurgo

2010-08-17T12:01:00.006+02:00

Tanto, troppo, si legge oggi di clonazioni, manipolazioni genetiche, creazioni di ibridi e chimere, di tutto ciò che riguarda le applicazioni dell'ingegneria genetica sia quelle possibili, sia quelle avveniristiche e futuribili.
Si tratta d'un campo controverso in cui le attività di ricerca scientifica non sempre sono animate da intenti chiari e soprattutto da motivazioni limpide.
In alcuni casi, a muovere le cose sono interessi economici di grandi holding farmaceutiche alla ricerca di possibili campi d'applicazione di nuove scoperte, in altri casi è un desiderio epistomofilico nei confronti della realtà portato alle estreme conseguenze, senza alcun rispetto del più elementare principio di precauzione, che impone di evitare di importare modelli semplici a realtà complesse dotate di un numero enorme di variabili, poichè i risultati possono essere diversamente orientati verso imprevedibili esiti e soprattutto andare fuori controllo (il ben conosciuto Jurassic Park è un esempio calzante di questo tipo di riflessione, sul tema della clonazione di specie estinte).
Gli scienziati e i ricercatori si trovano in un punto di snodo nevralgico tra le proprie motivazioni personale a fare ricerca, la "pura" curiosità epistemofilica e l'industria che invece insegue il progetto del profitto, nel senso che la conoscenza non è fine a se stessa ma funzione delle applicazioni e dei guadagni che potranno scaturirne.
In ogni caso, attrono a tutto ciò che che si agita dietro le manipolazioni del genoma, vi è la fantasia onnipotente di poter essere come demiurghi sostituendosi alla natura o - per chi crede - ad un'Entità superiore.
Questo è il motivo di base per cui la Chiesa cattolica è tanto contraria alle manipolazioni genetiche e alle relative applicazioni.
Tanti film sono stati realizzati su queste tematiche, alcuni stressando l'attenzione sul "mostro" che attraverso le manipolazioni veniva prodotto, altri ponendosi degli interrogativi sulla liceità di simili pratiche e sui rischi connessi.
Splice (del regista canadese Vincenzo Natali, 2009) si innesta per l'appunto su questa riflessione.
La storia è semplice Clive (Adrien Brody che abbiamo visto recentemente in Predators) ed Elsa (Sarah Polley), entrambi biochimici, lavorano in un Laboratorio di genetica e, oltre ad essere colleghi di lavoro, sono anche compagni nella vita, formando una coppia (senza figli). Non contenti dei successi già ottenuti (successi, peraltro, discutibili), vorrebbero andare oltre, esplorando ulteriori applicazioni di quanto hanno giò scoperto e, soprattutto, mescolando il materiale genetico di specie animali diverse con il DNA umano e producendo, senza avere assolutamente idea di quale potrà essere il risultato finale, una chimera.
Il loro tentativo va in porto, ma il prodotto del loro esperimento - una creatura apparentemente di sesso femminile che dai due viene battezzata Dren (che è l'acronimo di NERD, sigla del laboratorio presso cui lavorana) esce rapidamente fuori controllo (nell'interpretazione da adulta di Delphine Chanéac).
La possibilità di controllo in simili esperimenti, sembra volerci dire il regista, è una pura illusione, perchè non si sa nulla di quello che può venir fuori quando si combinano assieme geni appartenenti a specie diverse e soprattutto quali saranno gli esiti "evolutivi" della nuova creatura sia dal punto di vista ontogenetico sia da quello filogenetico.
L'interesse del film sta anche nel fatto che il regista si sofferma a guardare con occhio attento la psicologia dei due personaggi coinvolti, lasciando emergere una preoccupante delle motivazioni che li spingono ad andare avanti caparbiamente in questa strada, sicuramente condizionate da fantasmi che albergano in oscuri recessi della loro mente, ma - sino ad un certo punto - sembra volere osservare la psicologia del "terzo", cioè di Dren che sembra quasi crescere all'interno di una triangolazione edipica (anche se con esiti - anche in questo caso -imprevedibili).
In questa dinamica complessa, è soprattutto Elsa che vuole andare avanti spinta da un inconfessato desiderio di maternità e di prole, sulla quale - in seguito - proprio in quanto frutto di esperimento - ella potrà esercitare, se lo vuole, il totale controllo ed anche potere di vita e morte.
Le cose - come vedrà lo spettatore in una sequenza di colpi di scena - non sono così semplici, perchè la neo-creatura - a tutti gli effetti una chimera nel senso biologico del termine - riserverà ai due genitori-scienziati ben più di una sorpresa.
Vincenzo Natali, con maestria, riesce a muovere di continuo il suo sguardo dalla creatura in crescita alle dinamiche della coppia e alle motivazioni individuali di ciascuno dei due, con tutto il corteo di perplessità, indecisioni, ma anche di caparbia voglia di andare avanti, non trascurando anche l'interrogativo della responsabilità morale connessa ad esperimenti in cui si dia vita ad una essere vivente e senziente ("Cosa fare dopo aver dato la vita?", "E' poi così semplice dispensare la morte, qualora l'esperimento debba essere terminato?").
La parola "splice" che dà il titolo al film, mutuato dal gergo della genetica, significa in modo assolutamente generico "aggiungere, innestare" ("splicing": saldatura di materiale genetico), mentre il significato esatto del termine è il riferimento ad un passaggio fondamentale nel passaggio dal DNA cromosomico all'RNA attivo, cioè pronto per determinare la sintesi proteica, prevedente l'eliminazione di intere stringhe di materiale genetico, tenendo conto che l’intero patrimonio cromosomico umano è solo per il 27% composto da geni e che questi sono codificanti per solo il 10% (ovvero il 2,7% dell'intero genoma umano è attivo nel determinare attività di sintesi proteica). All’interno d'un medesimo gene sono presenti sequenze chiamate esoni, che verranno conservati nell’mRNA maturo, ed introni che verranno eliminati prima della traduzione, con un processo denominato appunto di "splicing".
L'efficacia del film sta nel fatto che per tutta la sua durata provoca nello spettatore un certo malessere, innanzitutto perchè lo mette brutalmente di fronte alla nascita di quella che è, a tutti gli effetti, una specie aliena - diversa ma, nello stesso tempo, affine - e, in secondo luogo, perchè si sofferma a lungo sul dramma della responsabilità morale e sui dilemmi che la creazione di ibridi genetici pongono.
Da vedere, perchè va al di là del semplice genere.
Per alcuni aspetti, il film potrebbe considerarsi come una grande metafora del Male che afflige la modernità, in cui l'ansia demiurgica di conoscere e di fare diventa causa di un Male che poi si propaga e finisce con il crescere autonomamente: fatte le debite differenze, lo si può considerare come una declinazione scientista (e terribilmente crudele) di un film "demonico" come fu Rosemary's baby di Roman Polansky, autentico e perturbante antesignano d'un intero genere cinematografico.

Lacrime e commozione all'arrivo della 100 km delle Alpi

2010-08-11T13:13:00.008+02:00

All'arrivo d'una gara di endurance (e, nel nostro caso di un'ultramaratona) si possono sempre cogliere degli stati d'animo diversi.
A volte è la gioia straripante a dominare, a volte invece si coglie un'espressione di stizza e dispiacere, a volte può capitare di intravedere la commozione e il pianto incontenibile.
Sono modi diversi di dare una via di sfogo alla tensione mentale che si è accumulata nel corso della gara, chilometro dopo chilometro, quella tensione interiore che rappresenta l'asse portante della ressitenza mentale, assieme - paradossalmente - alla capacità di mettere da parte (sospendoli temporaneamente) memoria e desiderio.
Una strana combinazione che spinge molti a continuare anche se il risultato non sarà quello atteso (al momento della partenza) quello pianificato (sulla base delgi allenamenti compiuti) oppure quello desiderato.
E non è vero che il risultato che si consegue in un'ultramaratona è matematicamente determinato dal lavoro che si è fatto in allenamento nelle fasi precedenti la gara, perchè le variabili in gioco sono molteplici (e non sempre predicibili a tavolino) e per quanto sia stato scrupolosa sia stata la preparazione il crono finale può essere pur sempre influenzato da altre variabili, tra le quali ha un ruolo di primo piano la cifra specifica del singolo atleta.
Gnôthi seautón (Γνῶθι σεαυτόν) era scritto sul frontone del Tempio dell'oracolo di Delfi: è il "Conosci te stesso" che - più di altre frasi lapidarie e apodittiche - riassume l'insegnamento socratico, in quanto esortazione a trovare la verità dentro di sé anziché nel mondo delle apparenze.
Niente è più vero di questo piccolo aforisma applicato nell'approccio mentale all'ultramaratona.
Sara Valdo ha concluso la 100 km delle Alpi, lottando contro una serie di crisi subentranti che hanno influenzato il risultato finale che è stato al disotto delle aspettative. Eppure, Sara ha tenuto duro e ha voluto proseguire caparbiamente sino alla fine. Nel modo di combattere contro le crisi che incrinavano la sua volontà di andare avanti ha sicuramente conosciuto se stessa nel senso socratico del termine, proprio perchè anziché dare rilievo al mondo delle apparenze (un buon piazzamento, un crono all'altezza delle aspettative), ha guardato dentro di sé concentrandosi sulla necessità di arrivare sino alla fine, vincendo la sua debolezza e una sensazione di fragilità.
Tagliando il traguardo, Sara ha pianto: il suo è stato un pianto liberatorio, un pianto di scioglimento della tensione vibrante che aveva sentito dentro di sé nella seconda metà della gara e che le ha consentito di lottare contro un'insidiosa sensazione di svuotamento interno e di perdita delle forze, ma - credo - è stato anche una manifestazione di gioia per essere arrivata sino al traguardo finale.
In questo modo, lottando sino alla fine per arrivare al suo traguardo, ha aggiiunto un ulteriore tassello per una migliore conoscenza di se stessa (sia sotto il profilo personale e umano, sia sotto quello pù specificatamente sportivo e agonistico) e, sicuramente, ha attivato nella sua mente dei circuiti neurologici virtuosi (volendo vedere della sua esperienza anche il versante neurofisiologico).
Ha trasformato le sue crisi in "esperienza" e tutto questo si tradurrà sicuramente in una migliore resilienza in gare future.
Il suo pianto, credo, è stata la sintesi di questo complicato percorso mentale ed emozionale.
Ed è anche un insegnamento per tutti, vorrei aggiungenre, quello che ci ha dato la piccola ultrarunner veronese: arrivare sino in fondo e piangere al traguardo è un'esperienza ben più intensa e "fondante" di chi si ritira quando comprende che non riuscirà a realizzare il risultato sperato e non è capace di stare a lottare sportivamente con se stesso sino alla fine (quella del ritiro - a meno che non ve siano validi e fondati motivi, come un infortunio fisico grave - è infatti, piuttosto, una "mancata" esperienza e un minus decostruttivo della propria resistenza mentale).

In Gone la rivisitazione in chiave moderna de Il signore delle mosche di Golding

2010-08-10T10:44:00.011+02:00

Come sarebbe un mondo senza adulti? Nessun lampo di luce. Nessuna esplosione. Un istante prima erano lì, come sempre. Un istante dopo erano scomparsi. Tutti. Tranne i ragazzi. E il romanzo di Michael Grant, Gone (Rizzoli, 2009), stranamente pubblicato in una collana per ragazzi e consigliato a lettori da 12 anni in su, racconto le loro prime 299 ore.

Il signore delle mosche di William Golding, premio Nobel per la letteratura 1983, ipotizza una situazione-limite (si tratta di un romanzo a tesi, per alcuni aspetti) in cui, nel corso della II guerra Mondiale, un aereo che trasporta gli studenti di un college in un luogo più sicuro precipiti poco al largo di un’isola del Pacifico. La maggior parte dei ragazzi (maschi e femmine) si salva, ma tutti gli adulti che li accompagnano e che ne hanno la responsabilità muoiono, compresi i piloti dell’aereo. I ragazzi si trovano nella necessità di organizzarsi in un modo “democratizzante” con un’equa ripartizione degli oneri e delle responsabilità (e l’attivarsi di un atteggiamento protettivo nei confronti dei più piccini) e di predisporsi alla sopravvivenza in un ambiente ostile. Subito, si delineano delle differenze tra gli uni e gli altri e, sotto stress, di alcuni emergono maggiormente alcune derive caratteriali, prima tenute sotto controllo dalle istanze educativa. Presto il gruppo si spacca in due fazioni, una costituita da quei ragazzi che hanno introiettato un codice etico, e l’altra a cui aderiscono quelli più sensibili al fascino della violenza, del sopruso e della prevaricazione.

L’emblema di tutto ciò è una testa di maiale selvatico che viene conficcata su di un ramo aguzzo e che, pur ricoperta dalle mosche, diventa per i secondi una sorta di animale totemico ed ispiratore (Il signore delle mosche, appunto).

La situazione rapidamente precipita sino all’attivarsi di una vera e propria guerra e al primo morto; peggiorerebbe ancora se non arrivassero gli adulti, nella forma di autentico deus-ex-machina, a riprendere in mano la situazione e a riportare tra i ragazzi smarriti la legge morale (anche se si tratta di una legge morale debole, dal momento che proprio gli stessi adulti assenti sono stati in guerra e si sono uccisi a vicenda).

In ogni caso, dopo la contaminazione da parte del Male, niente sarà più come prima.

Il romanzo alimenta con forza una visione del mondo molto pessimistica e esprime un atto di accusa nei confronti di un’eccessiva fiducia nella ragione, nel progresso e nella tecnologia, mentre è tangibile la convinzione che sempre si deve fare i conti con il Male che, senza argini e senza comportamenti “controllo” tenderebbe a dilagare e a prendere il soppravvento anche tra coloro, che sarebbero in una cornice “normata” tendenzialmente retti e buoni. In altri termini, la tesi proposta da Golding è che in un mondo anomico si genera, quasi autonomamente, il male.

Il recente romanzo di Michael Grant (sua prima prova narrativa), Gone, propone una situazione simile, ma senza la conclusione liberatoria di Golding, cioè senza l’arrivo salvifico degli adulti portatori di un codice morale.

In una cittadina costiera degli Stati Uniti (Perdido Beach) dominata da un’inquietante centrale nucleare subito nell’entroterra, all’improvviso, in un istante, tutti quelli al disopra di 16 anni scompaiono nel nulla, mentre la città e il territorio circostante vengono chiusi all’interno di una bolla o cupola invisibile o campo di forza (forse sostenuto da un campo di forza), all’esterno del quale il resto del mondo potrebbe essere scomparso.

Il romanzo racconta le prime 300 ore di questo mondo (un po’ meno di 13 giorni).

I ragazzi scoprono anche, con angoscia, che anche chi si trova a compiere il 16° anno scompare in un attimo, ma hanno anche la sorpresa di constatare che molti di loro hanno acquisito dei poteri straordinari, quasi fossero dei mutanti.

Come ne Il signore delle mosche i più grandi si organizzano in una parvenza di società in cui vige la distribuzione dei compiti e delle responsabilità sulla base delle abilità e delle competenze individuali: tutto potrebbe andar bene se non fosse per gli studenti della Coates Academy, una sorta di collegio per ragazzi deviati che capeggiati dal malvagio Caine (il nome è tutto un programma) vogliono prendere il controllo su gli altri ragazzi e soprattutto asservire (e neutralizzare) quelli dotati di super-poteri.

Si assiste, attraverso molte vicissitudini ad una degenerazione progressiva dei rapporti tra i due gruppi e ad un’escalation della conflittualità sino ad uno stato di guerra aperta.

Sam (che scopre di essere fratello gemello di Caine), a capo del gruppo dei buoni, alla fine, malgrado tutto riuscirà a trionfare, ma la prosecuzione del conflitto è solo rimandata. Caine, risparmiato dalla clemenza di Sam, infatti, architetta la sua vendetta, volgendosi al Male.

Gone è interessante, indubbiamente per la tematica che pone e per il modo in cui la tratta, visto anche il suo antecedente illustre. Ma Il signore delle mosche riesce ad essere ben più metafisico, senza peraltro tirare in ballo ipotesi fantascientifiche e spiegazioni esoteriche.

Gone, alla fine, lascia i lettori più esigenti un po’ delusi, perché non fornisce alcuna spiegazione stringente sulla genesi della cupola, né sull’origine dei super-poteri dei ragazzi.

Du essi non si comprende bene se siano un effetto secondario della cupola oppure se non siano stato slatentizzato (o potenziato) qualcosa che era già preesistente in loro. Forse c'entra in qualche misura la centrale niucleare. Non si sa.

In più, in modi che rimangono narrativamente poco sviluppati, viene tirata in ballo, come spiegazione ultima l’Oscurità, in altri termini un principio malefico che s’è infiltrato all’interno della cupola e che è pronto ad asservire chi sia disposto ad abbandonarvisi.

Il finale di Gone non è una vera conclusione ma prelude, secondo me, ad un sequel prossimo venturo che, in qualche misura, preconizza una situazione analoga alla fiction fantascientifica Lost.

In ogni caso, è un libro godibile anche per le sue importanti affinità (non dichiarate esplicitamente dall’autore, ma sicuramente derivanti dal suo background formativo) con Il signore delle mosche di Golding, anche se qui la storia non si pone in termini di apologo morale, perché non ci sono gli adulti salvatori che ritornano per riprendere in mano le cose, ma solo la presenza d’una Forza oscura dilagante che, forse, prenderà il sopravvento.

Questa la sintesi del romanzo proposta nel risguardo di copertina

Non ci sono state esplosioni quando è successo. Niente esplosioni, lampi o fremiti nell'aria. Semplicemente, un attimo prima gli adulti c'erano e quello dopo non c'erano più. Nessuno sa spiegare che cosa sia successo, né perché, né tantomeno che cosa sia la forza impenetrabile che impedisce a chiunque di uscire dalla città. Ma i telefoni non funzionano, e chiedere aiuto (a chi, poi?) è impossibile. Abbandonati a se stessi, i ragazzi si riuniscono in bande, litigano, eleggono capi, meditano tradimenti. Il mondo non è più quello che conoscevano, ma anche loro sono diversi, e non solo perché l'assenza di insegnanti e genitori rileva il vero carattere di amici e compagni di scuola, ma soprattutto perché alcuni si accorgono di possedere strani, pericolosi poteri...

Il solista: un virtuoso del violoncello tra gli homeless di Los Angeles

2010-08-08T08:21:00.012+02:00

Il solista (The soloist di Joe Wright, 2009), fondato su di una storia vera, è la riduzione cinematografica del libro/documento scritto dal giornalista Steve Lopez, muovendosi su almeno due diversi livelli narrativi.

Il primo è la storia umana di Nathaniel Ayers, giovane musicista nero talentuoso che, frequentando l’Accademia musicale di New York va incontro ad un breakdown psicotico, non reggendo alla competizione e al confronto crudele in un mondo in cui ancora non c’è molto spazio per gli Afro-americani. Questo piano narrativo viene costruito partendo dal presente, in cui Ayers vive alla deriva come homeless estroso e farneticante, al passato con una serie di flashback della sua infanzia e della sua adolescenza che sono l’equivalente per immagini della storia che Steve Lopez, giornalista quotato di Los Angeles, cerca di costruire per ridare quota, con un caso toccante, alla sua rubrica.
L’altro livello che fa da sfondo, pur costituendo gran parte del film, è dato da una rappresentazione-denuncia della vita dura e allo sbando degli homeless d’America: una rappresentazione ben più cruda di quella più edulcorata nel film di Muccino “Alla ricerca della felicità”, in cui la vita dell’homeless è intesa solo come un regresso temporaneo, prima del rilancio verso l’affermazione di una nuova fortuna: nel personaggio di Muccino (Chris Gardner, interpretato da Will Smith) vi è una costante tensione positiva e il persistere di una forte integrazione e coesione del Sé del protagonista, mentre invece, qui, il mondo degli homeless, interpretato senza finzioni ed edulcorazioni da “veri” senzatetto, è dato in tutta la sua tragica realtà.
Gli homeless di Los Angeles sono 90.000, annuncia una didascalia che compare nei titoli di coda, quasi a sottolineare la volontà del regista di dare con il suo film anche un contributo alla loro causa, ma senza cadere nel tranello di rappresentarli pietisticamente come vittime di un destino avverso (d’un tracollo economico, per esempio, o della perdita del lavoro).
Diventare homeless, ci dice, può anche essere una scelta ricostruttiva del Sé (come mostra bene la storia di Nathaniel): in momenti di passaggio esistenziale in cui il mondo interno sembra andare in pezzi, la vita dell’homeless aiuta a ricompattare un guscio esterno utile a “tenere assieme i pezzi” della rottura psicotica nel rapporto con la realtà, forse proprio in funzione dell’estrema semplificazione delle incombenze di vita ma anche per l’attivarsi di rituali ossessivi e rigidi, funzionali alla sopravvivenza, ma anche alla “tenuta dell’Io.
Ma, nel bell’apologo costruito da Wright (e, a monte, nella storia di Steve Lopez) si legge un terzo crinale narrativo che è quello della forza e del potere “terapeutico” della relazione tra esseri umani, anche quando questa relazione non nasce inizialmente da motivi esattamente altruistici.
Nel suo approccio iniziale Steve Lopez (Robert Downwey Jr) è alla ricerca della “sua” storia e, quindi, l’approccio con Nathaniel (Jamie Foxx) è puramente strumentale, anche se velato di apparenti buone intenzioni.
Tuttavia, a partire da questo movente, grazie al potere cementante (alla magia) della musica che si sprigiona dallo scassato violino di Nathaniel, con sole due corde residue, e poi dal violoncello che gli viene donato da una lettrice, ex-musicista, commossa dalla lettura del “caso” lanciato da Lopez nella sua rubrica, si approfondisce e diventa bilaterale: un rapporto difficile, tormentato, conflittuale e che implica la consapevolezza e il peso della “responsabilità” derivante dalla fiducia che Nathaniel – pur nel suo modo malato e fragile – comincia a provare nei confronti del giornalista e dall’abbassamento delle sue difese schizoidi.
Ed è una relazione che, malgrado tutto, riesce ad andare avanti e ad evolversi, rafforzandosi. Una volta attivato un simile processo, non è più possibile voltare le spalle al “caso” che intanto è divenuto “persona” e individuo nei cui confronti s’è attivato un legame di affettività profonda implicante, tra le altre cose, il “rispetto” e l’accettazione della diversità, una “diversità” inemendabile, perché negli anni è divenuta cifra dell’individuo.
Se lo spettatore rapito dai virtuosismi musicali di Ayers pensa di ritrovarsi davanti ad un caso simile a quello raccontato in Shine del 1996 (che espone la storia vera di David Helfgott, diretta con brio e profondità dal regista Hicks, con l’abile interpretazione di Geoffrey Rush ) si sbaglia. Mentre in Shine, grazie al potere dell’amore, un pianista di grande talento riesce a riprendere la sua strada ripartendo dal punto in cui si era interrotta a causa di una grave crisi psicotica – che ha alle sue spalle le vessazioni di un padre-padrone ossessivo e assillante - per giungere a calcare le scene come pianista di primordine, qui la storia è minimalista.
Non ci sono grandi successi che aspettano Nathaniel, ma semplicemente una vita più integrata, supportata dal piacere di suonare con talento uno strumento musicale, traendo conforto dalla musica (fatta, ma anche ascoltata) e, soprattutto, da una forte e salda amicizia.
La lezione morale che se ne trae è che la salvezza per qualcuno che è “caduto” non deriva dal fargli fare ciò che, mettendosi nella posizione elevata e presuntuosa del “salvatore”, si ritiene sia giusto, ma dal consentirgli di usufruire di un contesto di relazioni rasserenanti che non metta alla prova il livello di adattamento raggiunto con prove che siano troppo al di là delle forze di un Io che – malgrado tutto – rimane fragile e segnato.
Splendida la colonna sonora che alterna pezzi di Beethoven con brani di musica moderna del repertorio folk-pop che danno i giusti cromatismi all’inferno in terra degli homeless di Los Angeles (nel quartiere di Skid Row, uno dei più degradati della città degli Angeli).

Il film è tratto dall’omonimo libro (Ted Lopez, Il solista, Rizzoli, 2010). Eccone la scheda.
Non si separa mai dal suo carrello, indossa quello che gli capita e dorme per strada a Skid Row, il quartiere più degradato di Los Angeles (90.000 homeless), dove bazzicano solo prostitute, tossici e diseredati dimenticati da Dio. Però quando suona il violino di fronte alla statua di Beethoven, Nathaniel Ayers diventa un altro: non più il farneticante senzatetto di colore, ma un virtuoso capace di esprimere con quello strumento scordato tutta l'armonia e il sentimento della musica. Il giornalista Steve Lopez lo sente e ne resta affascinato. Giorno per giorno, ne raccoglie le parole sconnesse, i ricordi, le sfuriate e i deliri, fino a ricostruire la storia di una promessa della musica che, nero in un mondo di bianchi, era riuscito a entrare nella più celebre accademia musicale americana, la Juilliard School. Dove, la competitività esasperata e l'ansia di raggiungere un'inarrivabile perfezione avevano scatenato la sua schizofrenia e l'avevano confinato in un mondo di paranoie e ossessioni, estraniandolo gradualmente dalla scuola e dalla famiglia. Non dalla musica, però, unico legame rimasto fra lui e il mondo. Questa è la storia vera di un'amicizia inattesa, complessa e a tratti straziante tra un giornalista affermato e un barbone, che insegna a entrambi il senso più profondo di se stessi, ma è anche una riflessione sui limiti e sulle potenzialità del genio.

Storie di incuria e degrado

2010-08-06T17:21:00.004+02:00

(Palermo, via Principe di Paternò; foto di Maurizio Crispi)

In Via Principe di Paternò a Palermo, da alcuni giorni giace, pericolosamente di traverso sul marciapiedi riservato ai pedoni, un cartello stradale.

L'amministrazione comunale di Palermo sembra davvero sollecita nel ripristinare i cartelli della segnaletica stradale verticale abbattuti.
Tra l'altro, un passante potrebbe anche farsi del male inciampandoci sopra... e poi, in questa evenienza, chi pagherebbe il danno?

Cloro al clero: cosa significa?

2010-08-05T11:17:00.008+02:00

(Palermo, via Maqueda; foto di Maurizio Crispi)

Camminando per le vie della mia città mi sono imbattuto talvolta nella scritta murale "Cloro al clero".
Cosa significa? mi sono chiesto, alquanto incuriosito. Potevo soltanto argomentare tra me e me, a lume di naso, che fosse un modo per dire "avveleniamo" o "gasiamo" il clero. Non ero molto lontano dal vero.
Facendo una ricerca in internet, mi sono imbattuto in questa spiegazione.

"Cloro al clero" era uno slogan della contestazione degli anni settanta:" Cloro al clero, diossina alla DC, piombo piombo piombo MSI". Probabilmente la coniarono associazioni studentesche e politiche estremistiche perché volevano distruggere tutte le istituzioni dominanti. Se ne sono appropriati oggi ragazzini che non ne sanno nemmeno l'origine, nè hanno vissuto gli anni di piombo
E' chiarissimo il significato: avvelenare ciò che si odia, volerne la morte.

Ma la mia sorpresa non indifferente è derivata anche dall'aver trovato dei gruppi FB intitolati proprio con questo slogan. Per esempio, uno è intitolato proprio così "Cloro al clero" (di generica opposizione e contro) con oltre 1000 simpatizzanti (fan), mentre un altro gruppo recita nel suo titolo "Cloro al clero e all'incoerenza italiana" che, con poco meno di 300 iscritti, espone nel suo incipit le seguenti linee programmatiche:

"Questo è un gruppo contro la chiesa e i suoi membri, NON CONTRO IL MESSAGGIO CRISTIANO, ma contro solo le istituzioni che SPECULANO su un messaggio di amore e fratellanza.
E' un gruppo contro l'ingerenza della chiesa nelle faccende dello stato, e contro tutti i politici che fanno della religione cattolica un vezzo partitico, asserendo che la famiglia è sacra, e divorziando il giorno dopo.
E' un gruppo che si batte contro le strumentalizzazioni della fede e contro le incongruenze dei politici connesse al rapporto Chiesa/Stato.
Ovviamente, è un gruppo che non attacca quella parte della Chiesa e del clero impegnate in opere che rispecchiano il messaggio di fratellanza e di amore che la religione cristiana agli albori diffondeva, che non boicottano la scienza quando si tratta di fecondazione assistita, mentre la chiamano in causa quando si tratta di non far morire chi per morte naturale sarebbe gia morto, e che riescono a porsi in maniera aperta e critica a discussioni riguardanti alcune incongruenze della loro religione, senza sfociare in discorsi politici che non competono al clero.

I misteri dell'agenda rossa: Viviano e Ziniti rintracciano un filo conduttore nella palude delle collusioni tra le istituzioni e Cosa nostra

2010-07-30T10:34:00.008+02:00

Alcuni giorni fa (poco prima del ricorrere della strage di Via D'Amelio) è uscito, per i tipi di Aliberti, il libro "I misteri dell'agenda rossa" (Aliberti) degli inviati di Repubblica Viviano e Ziniti che riporta l'attenzione sulla scomparsa della "agenda rossa" da cui il giudice Borsellino, secondo le testimonianze di quanti conoscevano i suoi metodi di lavoro, non si staccava mai (perché lì - non amando particolarmente l'utilizzo dei moderni sistemi di scrittura - egli annotava i suoi pensieri, le sue intuizioni, spunti da sviluppare successivamente) .

Benchè la sua borsa sia stata rinvenuta intatta sul luogo dell'esplosione, l'Agenda rossa era scomparsa.

L'Agenda rossa avrebbe avuto nello svilupparsi delle indagine un'importanza cruciale in quanto avrebbe consentito di collegare Falcone e Borsellino alle dichiarazioni che entrambi, in momenti diversi, avevano raccolto da Gaspare Mutolo e che avevano ambedue solo annotato infomalmente, poichè non c'era stato il tempo di verbalizzarne ufficialmente, ne ve ne era stato il contesto.

Infatti, facendo un passo indietro, risulta che dell'incontro "segreto" (un colloquio "fondamentale") che Giovannni Falcone ebbe con Gaspare Mutolo nel Carcere di Spoleto nel 1991, Riina era venuto a sapere. Di quell'incontro non verbalizzato ufficialmente, Falcone aveva fatto sicuramente delle annotazioni nella sua agenda elettronica e forse nel suo PC (ma a parte una traccia in un appunto digitale rinvenuta da Giovanni Genchi), i file contenuti nei PC del giudice era stati manomessi e l'agenda elettronica si era (o era stata) smagnetizzata.
Mutolo dopo la morte di Falcone ritornò alla carica e volle parlare con Borsellino.

Anche in questo caso (si incontrarono per ben tre volte) il contenuto delle dichiarazioni di Mutolo non venne verbalizzato, ma sicuramente Borsellino ne trascrisse alcune annotazioni sulla sua agenda.

"Sicchè le morti di Falcone e Borsellino si portano dietro due singolari coincidenze: la scomparsa delle loro annotazioni e, e l'argomento prinicipale di quelle stesse annotazioni. E cioè le dichiarazioni di Mutolo sulla connivenza tra istituzioni e mafia. Dichiarazioni di cui nessuno o quasi nessuno doveva sapere nulla.(dall'introduzione di Edoardo Montolli, dal titolo "Le troppe verità ignorate", p. 10).

Il libro contiene due esclusive interviste inedite, una a Gaspare Mutolo, il quale (le sue testimonianze sono considerate addirittura più importanti di quelle di Tommaso Buscetta, che spiegò Cosa nostra a Giovanni Falcone) ribadisce l'esistenza di forti connessioni tra stato e mafia, e al giudice Luca Tescaroli che - sostituto procuratore a Roma e pubblico ministero nel processo per la strage di Capaci - ha condotto le indagini sui mandanti occulti per gli eccidi di Giovanni Falcone e Paolo Borsellino.
Nel volume inoltre viene riportato un manoscritto di Vito Ciancimino in cui è indicato per la prima volta il nome del misterioso “signor Franco” in una lista insieme a ex alti commissari per la lotta alla mafia, ex capi della polizia, ex dirigenti del Sisde.
Il volume contiene altri importanti documenti: quali, ad esempio, l'elenco di annotazioni scritte a mano, in allegato agli atti sulle stragi, in cui sono elencati i punti da dettare a Scarantino per la verità che il “falso” pentito doveva raccontare su via D’Amelio, e il documento in cui Massimo Ciancimino, ipotizzando la sua prematura scomparsa, nomina Francesco Viviano depositario del suo testamento.
Nel libro è contenuta anche la lettera inviata da Vito Ciancimino alla Commissione parlamentare antimafia il 29 ottobre 1992 in cui l’ex sindaco di Palermo chiede nuovamente di essere ascoltato in merito all’omicidio dell’onorevole Lima, lettera che non ebbe alcun esito perchè nessuno lo volle ascoltare.

Oggi a Caltanissetta hanno riaperto le indagini sui mandanti occulti delle stragi del '92. Si ipotizza che Borsellino sia stato ucciso perché si pponeva a una trattativa tra lo Stato e Cosa Nostra per far cessare una scia di sangue mai vista prima: E un sacco di gente sembra avere ritrovato la memoria, ricordando episodi e fatti che Mutolo aveva narrato quasi vent'anni fa. Si va alla ricerca di quel "quasi nessuno" che sapeva e che di fatto fece da trait d'union tra la mafia e lo Stato, una talpa o forse un'entità in grado di interagire con entrambi gli apparati (dalla prefazione di Edoardo Montolli, p. 11)

Il "quasi nessuno" potrebbe essere stato, secondo quanto dichiarato da Massimo Ciancimino, il misterioso “signor Franco”, che sarebbe stato a tutti gli effetti l’anello di congiunzione tra Cosa nostra e alcune istituzioni italiane, in particolare servizi segreti e alcuni politici che ancora oggi tacciono o ricordano solo vagamente.

C'è dunque un filo rosso che collega sempre, in ogni strage e delitto o suicidio, elementi di Cosa Nostra ed elementi dei segreti, ufficiali o ufficiosi. Un filo che si manifesta sin dal 1989 e che fa pensare che tutto sia cominciato molto prima e non certo per iniziativa dei caprai corleonesi. (ib., p.13)

GLI AUTORI

Francesco Viviano, inviato di «Repubblica», ha seguito tutti i maxiprocessi di mafia, analizzando l’evoluzione di Cosa nostra dalle stragi a oggi. Inviato in Iraq e in Afghanistan, è stato insignito di numerosi riconoscimenti e nominato Cronista dell’anno nel 2004, 2007 e nel 2008. Per Aliberti ha pubblicato Michele Greco, il memoriale (2008), Mauro De Mauro. Una verità scomoda (2009), Morti e silenzi all’università. Il laboratorio dei veleni (2010) e I maledetti e gli innocenti (2010).

Alessandra Ziniti, inviata di «Repubblica», ha seguito tutte le grandi inchieste di mafia e di cronaca in Sicilia. Insieme a Francesco Viviano ha vinto il premio Cronista dell’anno nel 2008 e sempre con lui ha pubblicato per Aliberti Morti e silenzi all’università. Il laboratorio dei veleni (2010) e I maledetti e gli innocenti (2010).

Il CURATORE
Edoardo Montolli dirige Yahoopolis, la collana di Aliberti, in cui è inserito il volume di Viviano e Ziniti. E' autore, oltre che di numerosi saggi e romanzi, di un corposo studio sul Caso Genchi.

In Solomon Kane un personaggio partorito dalla fervida fantasia di Robert Ervin Howard

2010-07-29T10:50:00.014+02:00

Solomon Kane, il film di Michael J. Bassett (2009), porta sul grande schermo un personaggio partorito dalla fervida fantasia di Robert E. Howard, creatore della più nota saga di Conan il Barbaro. Solomon Kane, benchè protagonista d'una saga molto meno corposa di quella di Conan (Howard scrisse su di lui una sequenza di racconti, alcune composizioni poetiche ed un romanzo breve), ha avuto molta parte nell'immaginario dei cultori del genere fantasy, con delle sue originalità. Solomon Kane, infatti, è uno spadaccino che vive ai tempi dell'Inghilterra di Elisabetta I, un'Inghilterra cupa, triste, oppressa dalla pioggia e dal fango, in cui - lontano dalle grandi città - il confine tra la vita e la morte è estremamente labile e in cui con estrema facilità si aprono le porte a pratiche di stregoneria radicate in culti arcaici. Quindi la storia fantasy con il suo intreccio non è proiettata in un lontano passato arcaico oppure in un artefatto Nord scandinavo, come si può supporre per il cimmeriano Conan.
Solomon Kane, inoltre, viene considerato dai critici letterari e dai conoscitori dell'opera di Howard un personaggio più maturo e di maggiore spessore di quanto non sia Conan: dopo aver vissuto una vita violenta ed avere appreso che qualcuno, a sua insaputa, ha vincolato la sua anima ad un patto con il diavolo, comprende che deve cambiare strada e diventare un uomo di pace, portatore di un codice morale, il cui rispetto deve essere difeso sopra ogni cosa.
Dopo avere trascorso un periodo di "purificazione" in un convento, è costretto a lasciarlo e a riprendere la sua erranza sulle vie del mondo, questa volta nella veste rinnovata di uomo pacifico (almeno questa sarebbe la sua intenzione).
Ma, di fronte al dilagare del Male, perpetuato da orde di schiavi del perfido Malachia, uno stregone che si è asservito ad un demone, e per assicurare la salvezza della figlia di alcuni pellegrini puritani che lo hanno soccorso, Kane impugna di nuovo le armi, ma questa volta per una giusta causa, diventando così uno "spadaccino puritano", votato al Bene.
Questa, dunque, è la storia delle origini di Solomon Kane che poi si dipana in numerose avventure ciascuna delle quali è stata narrata da Howard in un singolo racconto.
Di questo film, in un recente comunicato stampa il regista-soggettista ha dichiarato che accordi definitivi sono stati presi per due sequel dell'opera per i quali, questa volta, si attingerà più direttamente al corpus dei racconti howardiani che, per inciso, sono stati pubblicati in edizione italiana da Fanucci nel lontano 1998, con l'aggiunta di due racconti apocrifi per mano di Gianluigi Zuddas (Robert E. Howard, Le avventure di Solomon Kane, Fanucci, 1998, e ora riedita, proprio nel 2010, in forma di annunciato "ciclo completo" da Coniglio editore ).
Il film ha le caratteristiche del film d'azione, con sequenze rapide e violente, molti gli effetti speciali che fanno sobbalzare. Il piatto forte sono, ovviamente, le scene di battaglia tra Solomon Kane e i rappresentanti delle forze del Male, le cui orde assomigliano tanto ai servitori di Sauron nel Signore degli Anelli, così come la trama di base di tale acerrimo confronto, in definitiva - fatte salve le differenze - è molto simile.
Quindi, benchè per tali aspetti il film procuri indubbiamente una sensazione di déjà vu, si lascia tuttavia guardare, senza lasciare troppi spazi per la noia della ripetitività.
L'aspetto e i costumi di Kane sono ampiamente plasmati sull'iconografia del personaggio, fondata sia sulle rappresentazione pittoriche di Frazetta, uno dei più grandi pittori e disegnatori Fantasy, ma anche delle successive rappresentazioni nella serie a fumetti creata dalla Marvel.
Un piccolo cameo è la fugace comparsa di Max von Sydow nei panni del nobile padre di Solomon che, per salvare l'altro figlio da una morte certa, accetta di sottoscrivere un patto scellerato con un demone, per il tramite del malvagio Malachia che lo rappresenta.

Una scheda wikipediana su Solomon Kane
Solomon Kane è un personaggio letterario creato dallo scrittore Robert Ervin Howard, maestro della heroic fantasy., che morto suicida a soli 30 anni, cominciò a scriverne sin da quando era appena quindicenne.
Abilissimo spadaccino puritano del XVI secolo, convinto di essere al servizio divino contro le forze del male, Kane gira il mondo affrontando quelle che considera manifestazioni del diavolo: pirati, briganti, mercanti di schiavi ma anche fantasmi, vampiri e antiche e malvagie civiltà perdute antidiluviane. Kane è alto, magro, pallido e vestito interamente di nero, in tutte le situazioni. A differenza di altri personaggi di Howard, come Conan il barbaro e Kull di Valusia, Solomon Kane non vive in tempi remoti e fantastici, non è amorale e ha una psicologia più complessa.
Il ciclo dei racconti di cui è protagonista, ambientato in Europa, Africa e America, é composto da sedici opere tra racconti, romanzi, poesie e frammenti (questi pubblicati postumi), che sono state ordinate in maniera cronologica da Fred Blosser:

Teschi sulle stelle (Skulls in the stars, Weird Tales, gennaio 1929)
La mano destra del giudizio (The Right Hand of Doom, postumo, su Red Shadows della Grant, 1968)
Ombre rosse (racconto) (Red Shadows, Weird Tales, agosto 1928)
I neri cavalieri della morte (Death's Black Riders, postumo, breve frammento, REH: Lone Star Fictioneer, 1967)
Lo scricchiolio delle ossa (Rattle bones, Weird Tales, giugno 1929)
Il Castello del Diavolo (The Castle of the Devil, postumo, breve frammento, Red Shadows)
La Luna dei Teschi (The Moon of Skulls, Weird Tales, giugno/luglio 1930)
L'unica macchia nera (The One Black Stain, postumo, poesia, The Howard Collector, 1962)
Le lame della Fratellanza (Blades of Brotherhood, postumo, Red Shadows. Noto anche come The Blue Flame of Vengeance, anche se questa è una versione, apparsa su Over the Edge del 1964, profondamente riscritta da John Pocsik)
Le colline dei morti (The Hills of Dead, Weird Tales, agosto 1930)
Hawk di Basti (Hawk of Basti, postumo, Red Shadows)
Il ritorno di sir Richard Grenville (The return of sir Richard Grenville, postumo, poesia, Red Shadows)
Le ali notturne (Wings in the night, Weird Tales, luglio 1932)
I passi all'interno (The footfalls within, Weird Tales, settembre 1931)
I figli di Asshur (The children of Asshur, postumo, Red Shadows)
Solomon Kane ritorna a casa (Solomon Kane's homecoming, postumo, poesia, Fanciful Tales of Space and Time, autunno 1936)

Il personaggio è stato anche adattato come serie a fumetti pubblicato da Marvel Comics. Tra il settembre 2008 e il febbraio 2009 Dark Horse Comics ha pubblicato una miniserie a fumetti scritta da Scott Allie basata sulla storia Castle of the Devil.
Gianluigi Zuddas ha completato il ciclo di Solomon Kane scrivendo due racconti: L'isola del serpente piumato e La corona di Asa, rispettivamente prima ed ultima avventura di Kane.
Recentemente un film di Solomon Kane con budget medio-alto scritto e diretto da Michael J. Bassett è stato girato ed è in attesa di distribuzione internazionale. La pellicola, che si avvale dell'interpretazione di James Purefoy nel ruolo principale e di una breve apparizione di Max von Sydow narra una storia originale ma descritta come filologicamente fedele all'universo dello spadaccino puritano. In un recente comunicato stampa[senza fonte] il regista-soggettista ha dichiarato che accordi definitivi sono stati presi per due seguiti dell'opera i quali, questa volta, attingeranno più direttamente al corpus dei racconti howardiani.

Giovani vite spezzate: "Albi, resterai sempre con noi!"

2010-07-27T08:44:00.009+02:00

Alberto Licata era il giovane ventenne alla guida della KIA Pikanto, schiantatasi pochi giorni fa, a Palermo, contro un SUV parcheggiato nei pressi della centrale Villa Sperlinga, dopo essere stata lanciata in una pazza corsa nel cuore della notte.
Albi, per gli amici come recita la dolente scritta tracciata a grosse lettere sul grande lenzuolo bianco disteso proprio nel punto del tragico impatto: "Albi resterai sempre con noi".
E ciascuno di loro, poi, ha aggiunto il proprio nome, corredandolo con una frase di affetto o un ricordo di brevi momenti trascorsi assieme.
Una vecchia ciotola di plastica sbrecciata appoggiata al tronco di un albero accoglie dei pennarelli per stoffa e una bomboletta di vernice spray per chi abbia qualcosa da dire.
Due vasi pieni di fiori sempre freschi fanno la guardia al lenzuolo scritto.
Qualcuno ha incollato sulla sua stoffa anche delle foto che rievocano momenti di vita normali, istanti di spensieretazza condivisi da Albi con gli amici.
Una foto di gruppo al mare, davanti all'Antico Stabilimento dei Bagni di Mondello, mentre un'altra - realizzata con un angolo di ripresa dal basso - raccoglie assieme le teste unite a cerchio di un gruppetto di amici.
Se ne trae l'idea di spensieratezza e d'innocenza, di slancio vitale, di gioia e fiducia nel futuro.
Fa piangere il cuore guardare queste foto: potrebbero essere quelle del giglio ventenne di ciascuno di noi.
Fa piangere il cuore fermarsi a riflettere sugli sbeffeggiamenti della sorte che decide di prendere vite giovani e ancora cariche di speranze.
Non importa più di come sia accaduto l'incidente, quello che emerge è il sentimento dell'insensatezza della vita.
E perchè, poi, accadono cose simili?
Gli antichi - molto più saggi di noi - parlavano di Fato e Destino: i Greci, con la loro fervida immaginazione e nel tentativo di spiegare l'inspiegabile, avevano concepito nella loro cosmogonia anche la presenza delle Parche, sottodivinità deputate appunto al vivere e al morire.
Sul marciapiedi sempre a caratteri cubitali qualcuno ha scritto "Albi, ti vogliamo bene!", mentre sul muretto che delimita la villa "Me cumpà ci mancherai!".
Gli amici, sbigottiti, stazionano nei pressi del luogo della morta di Albi a tutte le ore del giorno e della notte, dialogando tra loro a voce bassa.
Questo è il luogo da cui è passato Albi, frazioni di secondo prima di non essere più, travolto dal suo appuntamento con la morte, ed è dunque l'ultimo luogo che lo ha visto vivo: è qui che i suoi amici si raccolgono, proprio per stare accanto a quel che resta delle tracce psichiche di quel passaggio.
E, in qualche modo, con il loro stare caparbiamente sul luogo dell'incidente e del trapasso, lo tengono in vita nel ricordo, quantomento.
E chi crede nell'aldilà e in un luogo in cui le anime dei defunti si intrattengono potrebbe pensare che l'anima di Albi si intrattenga là dove stanno i suoi amici a rimemorarlo, anche se materialmente Albi non può dialogare con loro.
Si potrebbe pensare che questo luogo, proprio perchè qui è avvenuto il transito dalla vita alla morte sia vissuto dai vivi, da coloro che sono rimasti, come una "soglia" che separa i due mondi e, che ciò in modo inconsapevole alimenti la convinzione che proprio stando su quella soglia, si possa stare in qualche mondo in contatto con Albi che non è più. In più, si potrebbe pensare - ragionando in termini metafisici - che la presenza degli amici sulla soglia trattenga Albi dall'andarsene per sempre.
Perfino, Nerina - un cane randaggio adottato da tutti i propietari di cani che frequentano Villa Sperlinga - si ferma quasi attonita vicino al grande telo scritto e annusa con insistenza i fiori lasciati per Albi. Anche lei sembra essere calamitata dal campo di forza che sembra sprigionarsi da questo piccolo spazio.
Sicuramente, questo sito - come tanti altri di cui è disseminata la nostra città - diventerà il luogo del culto e del ricordo, il luogo della perpetuazione della vita e del mantenimento di un dialogo aperto, a differenza del cimitero e della sepoltura delle spoglie mortali, troppo definitivamente consegnati all'idea lugubre della morte e dell'impermanenza, troppo legato alla concezione cattolica della morte.
Qualche mattina dopo, fa impressione vedere transitare lentamente un uomo anziano che incede faticosamente, appoggiandosi ad un bastone nei pressi del grande lenzuolo, superandolo lentamente, con il busto proteso in avanti preso dall'ansia di raggiungere una meta che ogni giorno si va facendo più lontana.
Due diverse traiettorie di vita: una, giovane e ancora acerba, che si è consumata come una fiamma ardente in pochi attimi ed una che invece continua a brillare con una luce che, ogni giorno, si va facendo più fioca e che, alla fine, senza traumi e in assenza di eventi eclatanti, si spegnerà per assenza di combustibile.